Roma: mostre "David LaChapelle" e "Aftermodernism" alle Gallerie Mucciaccia
mercoledì 17 aprile, ore 18.00
inaugurano le mostre
DAVID LACHAPELLE
Galleria Mucciaccia
Largo della Fontanella di Borghese 89, Roma
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AFTERMODERNISM. A Perspective on Contemporary Art
Chapter 1. JAMES BUSBY - JUSTIN SAMSON
Mucciaccia Contemporary
Piazza Borghese 1/A, Roma
Mercoledì 17 aprile 2019, alle ore 18.00, inaugurano due importanti mostre nei due spazi espositivi che animano da qualche anno piazza Borghese.
La Galleria Mucciaccia presenta il notissimo artista americano David LaChapelle in una mostra che celebra la sua carriera, dagli esordi agli ultimi lavori.
La galleria Mucciaccia Contemporary, invece, dà avvio a una nuova sfida, esponendo in Italia un inedito gruppo di artisti internazionali riuniti dal grande collezionista americano Hubert Neumann sotto la sigla AFTERMODERNISM: il primo capitolo di questa serie di mostre è dedicato a James Busby e Justin Samson.
Le due esposizioni, che hanno ricevuto il patrocinio dell’Ambasciata degli Stati Uniti in Italia, si propongono come vetrina sull’America odierna, una singolare analisi sull’evoluzione dell’arte contemporanea e sull’approccio del collezionismo attuale.
Galleria Mucciaccia
David LaChapelle
Trentaquattro opere in mostra ripercorrono tutta la produzione del grande artista americano, a partire dagli anni Ottanta, quando si allontana dal mondo dei rotocalchi e della pubblicità per avvicinarsi all’arte, fino alle opere più recenti.
Atmosfere hawaiane, paesaggi inaspettati, figure mitologiche e suggestioni oniriche, popolano le opere di LaChapelle, in una mostra che procede a ritroso nel tempo: dagli ultimi lavori, New World, Lost and Found e Behold, suggestive foto scattate nel 2017 nell’incontaminata foresta pluviale delle Hawaii, dense di misticismo e spiritualità, a quelli meno recenti, realizzati a Los Angeles, come i due grandi pannelli della serie Aristocracy (2014), della monumentale Showtime at the Apocalypse (2013), il famoso ritratto di Natale della famiglia Kardashian, dei Landscape, delle floreali Earth Laughs in Flowers e di Rape of Africa (2009), un’opera provocatoria contro la violenza subita dal continente africano, che dà il titolo all’omonimo progetto presentato nel 2008.
Del 2007, l’anno di svolta della produzione di Lachapelle, è la serie The deluge e After the deluge, ispirato dalla visione della Cappella Sistina. Il riferimento al capolavoro michelangiolesco si mescola a quello di marchi della società dei consumi, generando una visione apocalittica con un finale dove oggetti, opere d’arte e persone appaiono sommerse dall’acqua, come in Cathedral, Statue e Awakened.
Concludono l’esposizione la serie di fotografie realizzate tra il 1984 e il 2009 che guardano al mondo dello spettacolo e delle star di Hollywood, come i tre ritratti di Michael Jackson che ne celebrano la beatificazione mediatica, quello hollywoodiano di Faye Dunaway in Day of the Locust (1996),Dynamic Nude e l’unica fotografia in bianco e nero scattata a New York: Good News for Modern Man del 1984.
Con l’occasione verrà pubblicato un libro con le immagini della mostra, edito da Carlo Cambi Editore.
David LaChapelle è oggi uno degli artisti più riconosciuti e apprezzati al mondo. Nato a Fairfield nel 1963, ha sposato uno stile post-Pop e per certi versi surrealista che lo rende unico al mondo. Le opere di David LaChapelle sono presenti in numerose importanti collezioni pubbliche e private internazionali, ed esposte in vari musei, tra i quali il Musée D’Orsay di Parigi, il Brooklyn Museum di New York, il Museum of contemporary Art di Taipei, il Tel Aviv Museum of Art a Tel Aviv, il Los Angeles County Museum of Art (LACMA) a Los Angeles, The National Portrait Gallery di Londra, il Fotographfiska Museet di Stoccolma e The National Portrait Gallery a Washington DC. David LaChapelle vive e lavora tra Los Angeles e l’isola hawaiana di Maui.
INFORMAZIONI:
Mostra: David LaChapelle
Mostra a cura di LaChapelle Studio e Galleria Mucciaccia
Sede: Galleria Mucciaccia, Largo della Fontanella Borghese 89, Roma
Inaugurazione: mercoledì 17 aprile 2019, ore 18.00
Apertura al pubblico: 18 aprile –18 giugno 2019
Orari: lunedì– sabato, 10.00 – 19.00; domenica chiusi
Informazioni: T. +39 06 69923801 | [email protected]| www.galleriamucciaccia.com
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Mucciaccia Contemporary
AFTERMODERNISM. A Perspective on Contemporary Art. Chapter 1. James Busby - Justin Samson
La Galleria Mucciaccia Contemporary apre al pubblico la mostra Aftermodernism. A Perspective on Contemporary Art. Chapter 1. James Busby - Justin Samson, a cura di Cesare Biasini Selvaggi.
Con dieci opere di James Busby (Rock Hill, SC, USA, 1973) e quindici di Justin Samson (Milford, CT, USA, 1979), il progetto espositivo intende presentare in Italia un nuovo gruppo di artisti internazionali (prevalentemente americani o residenti in USA, ma con una discreta presenza anche di europei) riuniti sotto la sigla AFTERMODERNISM, da parte di uno dei più grandi e singolari collezionisti del nostro tempo, Hubert Neumann. Ottantasettenne con una passione smodata per l’arte contemporanea ereditata dal padre Morton, Neumann possiede una raccolta di oltre 2.600 opere (molte delle quali capolavori) del Cubismo, Astrattismo europeo, Scultura d’avanguardia, Espressionismo Astratto americano, Pop Art e Graffitismo, di alcuni dei più importanti artisti del XX secolo. Tra questi Picasso, Léger, Miró, Kandinsky, Kline, Giacometti, Dubuffet, Rauschenberg, Lichtenstein, Haring, Basquiat, Koons, solo per citarne alcuni.
L’unico filo conduttore su cui si basa questa straordinaria collezione è la conoscenza diretta degli artisti. Dotato di un fiuto eccezionale come il padre, Neumann ha continuato a selezionare, all’albore dei loro esordi, artisti che sarebbero poi diventati di fama internazionale.
Negli ultimi anni la sua attenzione di collezionista si è focalizzata su un gruppo di artisti (per lo più generazione anni Settanta, Ottanta e Novanta), attualmente una quarantina in tutto, in cui Neumann ravvisa quella che per lui è una vera e propria nuova corrente artistica su cui investire, definita appunto AFTERMODERNISM, di cui James Busby e Justin Samson sono i primi esponenti a essere presentati in Italia.
Il catalogo in mostra, a cura di Cesare Biasini Selvaggi ed edito per i tipi di Carlo Cambi editore, rappresenta il primo di una serie che sarà dedicata agli artisti diAFTERMODERNISM.
James Busby è nato nel 1973 a Rock Hill (South Carolina) e vive e lavora a Chapin in South Carolina. Sue mostre si sono tenute in numerose gallerie e musei, ha partecipato a 40 mostre collettive negli Stati Uniti. Busby ha esposto inoltre in mostre a Londra, Parigi, Stoccolma e Instanblul. Ha partecipato a diverse fiere d’arte a Miami, Houston, Stoccolma, Istanbul e New York City, tra cui l'International Armory Show di New York, Untitled Art Fair, Scope NY e Untitled Art Fair, Miami.
Justin Samson è nato nel 1979 a Milford (Connecticut) e vive e lavora a New York. Nel 2003 consegue la laurea in Fine Arts presso la School of Visual Arts di New York.Samson ha collaborato con le gallerie John Connelly Presents e Kravets|Wehby Gallery ed è attualmente rappresentato dalla Neumann Wolfson Art. Gli sono state dedicate diverse mostre personali e collettive.
INFORMAZIONI:
Mostra: AFTERMODERNISM. A Perspective on Contemporary Art. Chapter 1. James Busby - Justin Samson
Curatore: Cesare Biasini Selvaggi
Sede: Mucciaccia Contemporary, piazza Borghese 1/A, Roma
Inaugurazione: mercoledì 17 aprile 2019, ore 18.00
Apertura al pubblico: 18 aprile – 29 giugno 2019
Orari: martedì – sabato, 10.30 – 19.00; domenica e lunedì chiusi
Informazioni: T. +39 06 68309404 | [email protected] | mucciacciacontemporary.com
Non solo regine alla mostra "Queens of Egypt"
La mostra "Queens of Egypt", visitabile al National Geographic Museum di Washington D. C. fino al 2 settembre 2019, si presenta come un'ambiziosa occasione per ripercorrere migliaia di anni di civiltà egiziana, esaminando il ruolo della donna in quelle società.
Non ci sono solo regine in questa mostra, insomma, ma l'attenzione alle modalità con le quali le donne risultavano centrali nella gestione del potere nell'antico Egitto rappresenterà sicuramente uno degli aspetti in grado di suscitare il maggior interesse verso questa iniziativa.
Come illustra la guida alla mostra, la narrazione museale comincia con il Nuovo Regno e la XVIII dinastia, con la potente Ahmose-Nefertari, per poi passare alla regina e faraone Hatshepsut, all'importante ruolo diplomatico giocato dalla regina Tiye, alla moglie del controverso faraone Akhenaten, Nefertari. Della XIX dinastia il percorso ricorda in particolare Nefertari, moglie di Ramesse II che era a lei particolarmente legato. Il percorso di queste celebri regine non poteva poi non concludersi con Cleopatra VII, ultima a regnare sull'antico Egitto.
Non ci si faccia però cogliere dai nostri condizionamenti culturali, perché il potere delle regine egizie costituiva il modo migliore di garantire stabilità per il trono durante periodi di transizione, ad esempio quando il faraone poteva essere troppo giovane. Come ha recentemente spiegato la professoressa Kara Cooney, scegliere una donna durante un periodo di vuoto di potere poteva rappresentare l'opzione meno rischiosa. Il potere femminile era insomma necessario per difendere la sovranità e l'autorità divina del sistema.
Non solo regine, si diceva: c'è spazio per le divinità femminili egiziane, come Iside, Bastet, Hathor e Sekhmet, e per differenti altri aspetti della vita nell'antico Egitto.
Con oltre 300 manufatti, il tour virtuale della tomba di Nefertari, nota come la "Cappella Sistina dell'antico Egitto", e diverse esperienze sensoriali per "sentire" la vita dell'epoca, "Queens of Egypt" si preannuncia come una delle mostre più interessanti per questo 2019.
La mostra "Queens of Egypt", inaugurata il 1° marzo, sarà visitabile fino al 2 settembre 2019. Aperta dalle 10 della mattina, chiude alle 6 del pomeriggio (ora locale), con l'ultimo biglietto venduto alle ore 5. Il costo del biglietto è di 15 $, con sconti per anziani, studenti, militari e bambini.
Il Metropolitan restituisce il sarcofago di Nedjemankh all'Egitto
Il Metropolitan Museo of Art di New York restituirà al Governo Egiziano il sarcofago di Nedjemankh, sommo sacerdote del dio Hershef di Eracleopoli, vissuto nel primo secolo a. C., in epoca tolemaica.
La restituzione è avvenuta in conseguenza delle indagini compiute dal Procuratore distrettuale di Manhattan, rispetto alle quali il museo americano ha sottolineato la sua piena cooperazione, e che hanno fatto emergere come il sarcofago sia stato effettivamente trafugato dall'Egitto nel 2011, durante la rivoluzione.
Si tratta di una scelta non da poco per il museo americano, visto che il sarcofago era al centro della mostra Nedjemankh and His Gilded Coffin, che è stata perciò cancellata con tutti gli eventi ad essa correlati. La mostra, che comprendeva 70 opere del Metropolitan, era stata inaugurata nel luglio del 2018 e aveva attirato ben 448.096 visitatori.
Il sarcofago dorato era stato acquisito nel luglio del 2017, e già allora i più alti esponenti del Metropolitan ne sottolinearono le caratteristiche straordinarie, come la superficie riccamente decorata con scene e testi, che avrebbero guidato Nedjemankh nel suo viaggio nell'aldilà.
Nel caso in questione, a trarre in inganno il museo sarebbe stata la documentazione fornita per l'opera d'arte, che si sarebbe rivelata falsa. Il Metropolitan sta ora prendendo in considerazione l'ipotesi di rivalersi del prezzo pagato per l'acquisizione, una cifra di quasi quattro milioni di dollari. Il museo americano - nella persona del Presidente e CEO, Daniel Weiss - ha anche offerto le sue scuse al Ministro delle Antichità Egiziane, il dottor Khaled El-Enany, e al popolo egiziano, oltre al suo apprezzamento a tutto l'ufficio del Procuratore Distrettuale, Cyrus Vance, Jr. L'evento avrà anche altre conseguenze: il Metropolitan rivedrà i suoi processi di acquisizione per il futuro.
Link: The Metropolitan Museum of Art, Djed Medu, The New York Times, The Art Newspaper.
2019: un anno di musei
Anno nuovo, Musei nuovi!
Sembra che il 2019 sarà un anno importante in ambito museale: tra nuove aperture ed ampliamenti, abbiamo selezionato alcune tra le novità più interessanti.
Museo della Statua della Libertà, New York:
Danneggiato dall’uragano Sandy nel 2012, il museo necessitava di un ampliamento e di un restauro, lavori per i quali sono stati investiti circa 100 milioni di dollari. Il nuovo spazio, la cui inaugurazione è prevista a Maggio, sarà a prova di inondazioni e tempeste, e verrà realizzato con gli stessi materiali impiegati dall’architetto Morris Hunt per il basamento della statua; il tetto, inoltre, avrà incorporato un prato naturale, non solo per far sì che la struttura sia in armonia con l’ambiente circostante e col monumento, ma anche per fungere da riparo all’avifauna migratoria.
Al suo interno, il museo conterrà una teca di oltre 6 metri che ospiterà la torcia originale di Lady Liberty, tre gallerie, pannelli interattivi ed uno spazio dedicato ad un’esperienza immersiva.
Per saperne di più, visitate la gallery dedicata al nuovo aspetto del museo al seguente indirizzo: https://libertyellisfoundation.org/statueoflibertymuseum/gallery.html
The Academy Museum of Motion Pictures, Los Angeles:
Non è prevista una data precisa per la sua apertura, ma si pensa che verrà inaugurato negli ultimi mesi del 2019. Il museo indagherà l’arte e la scienza alla base dei film, offrendo una panoramica sull’evoluzione dell’industria cinematografica.
Il museo conterrà diversi spazi espositivi, divisi tra esposizioni temporanee e permanenti, sale cinematografiche ed aree educative. Tra le mostre previste, “Where Dreams Are Made: A Journey Inside the Movies” occuperà due piani, ed offrirà una selezione di oggetti provenienti dalla collezione dell’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, responsabile dell’organizzazione della Cerimonia degli Oscar.
La cupola in vetro e acciaio, alta circa 40 metri, che ospiterà le sale cinematografiche è stata progettata dal Renzo Piano Building Workshop.
Per saperne di più, seguite il museo sui social e non perdetevi gli aggiornamenti dal suo sito web all’indirizzo https://www.academymuseum.org
National Museum of African American Music, Nashville:
La città della musica, capitale del Tennessee, sarà la sede del National Museum of African American Music, che racconterà la storia e l’eredità degli oltre 50 generi musicali creati, influenzati o ispirati agli Afroamericani. I visitatori verranno accolti e guidati da un percorso detto Rivers of Rhythm Pathway, che svelerà le varie influenze e le connessioni tra i diversi stili musicali, dalla musica religiosa al blues, fino a hip-hop e Rhythm & Blues.
Tra le mostre previste, “My Music Matters: A Celebration of Legends Luncheon”; inoltre, il museo parteciperà al programma Black Music Honors, che riconosce il contributo degli Afroamericani alla cultura Americana ed all’industria musicale.
Per restare aggiornati sulle novità previste dal museo, seguite i suoi canali social ed il suo sito web: https://test-nmaam.pantheonsite.io/museum
National Museum of Qatar, Doha, Qatar:
A fine Marzo, nel centro di Doha aprirà il National Museum of Qatar, che si impegna a raccontare il passato, il presente ed il futuro del Paese.
Articolato in tre sezioni (Origini, La vita in Qatar e Costruire una Nazione), il museo includerà anche il palazzo dello Sceicco Abdullah bin Jassim Al Thani (1880-1957), padre del fondatore del moderno Qatar. Il progetto, firmato dall’architetto francese Nouvel, già noto per il Louvre di Abu Dhabi, prevede la presenza di un auditorium da oltre 200 posti, due negozi, due ristoranti, un café, un food forum dedicato alle tradizioni culinarie del Paese, un centro di ricerca, dei laboratori ed un parco con piante autoctone.
Per restare aggiornati sulle attività del museo, non perdetevi i suoi canali social ed il sito web: https://www.qm.org.qa/en/project/national-museum-qatar
Bauhaus Museum, Weimar e Dessau, Germania:
Nel centenario dalla fondazione della rinomata scuola di design tedesca, che ebbe sede a Weimar e Dessau, nasceranno due musei dedicati al Bauhaus.
L’inaugurazione del museo di Weimar è prevista per il 6 Aprile; lo spazio espositivo viene concepito come spazio di incontro, che ospiterà la collezione della prima sede storica del Bauhaus, basata sui primi oggetti prodotti, e combinerà la storia della scuola con interrogativi sul vivere insieme, attuale e futuro.
Dessau le dedicherà un museo la cui apertura è prevista per l’8 Settembre, con uno spazio espositivo di oltre 2000 mq nel quale verranno esposti opere d’arte contemporanea, unitamente alla collezione della Dessau Foundation, composta principalmente da materiale fotografico e oggetti di design.
Se volete curiosare sui loro siti web e scoprire di più sui musei, eccovi i link:
per il Bauhaus Museum Weimar https://bauhausmuseumweimar.de
per il Bauhaus Museum Dessau https://www.bauhaus-dessau.de/de/index.html
Tra nuove aperture, ampliamenti con nuove gallerie e aperture ‘in franchising’(ad es., il Centre Pompidou di Parigi aprirà una propria ala tra gli spazi del West Bund Museum di Shangai), il 2019 ci riserva davvero molto altro; tuttavia, oltre ai musei che rientrano nella nostra idea di ‘museo’, abbiamo trovato interessante proporvi anche alcune ‘provocazioni’:
Street Art Museum, Amsterdam:
Si può ‘imprigionare’ la street art entro quattro mura? Lo scopriremo allo Street Art Museum di Amsterdam, la cui apertura è prevista per la fine del 2019. Presentato come il museo più grande al mondo per il suo genere, sembra che verrà ospitato nei locali ristrutturati di un ex capannone industriale, con oltre 7000 mq di spazio espositivo.
Sembra che il curatore, Peter Ernst Coolen, dell’agenzia Street Art Today, stia lavorando al progetto dal 2015 e che abbia raccolto finora circa un centinaio di opere firmate dagli street artist più famosi al mondo.
K11 Musea, Hong Kong:
Il magnate cinese Adrian Cheng, della New World Development, nel tentativo di arricchire l’esperienza di shopping con del nutrimento per lo spirito, in autunno inaugurerà il K11, ad Hong Kong. Si tratta di una catena che ibrida museo e centro commerciale, di cui esiste già una versione a Shanghai. Lo scopo di questo progetto è dare maggiore visibilità agli artisti locali, offrendo ai consumatori nuove opportunità di shopping con l’acquisto di oggetti e opere d’arte.
Fonti:
Michelle Herrmann, These Museums Are Opening In 2019, Forbes.
Gareth Harris, Top ten new museums and major extensions due to open in 2019, The Art Newspaper.
Ellen Himelfarb, 11 new museums opening in 2019, The Spaces.
Rita Salerno, New Museums opening in 2019, Elle Decor.
Paris Blues: due storie d’amore jazz a cavallo tra due epoche
Paris Blues di Martin Ritt è un film sul jazz ambientato a Parigi, ma soprattutto è un film sull’America. Uscita nelle sale il 27 settembre 1961, a pochi mesi dall’elezione di John F. Kennedy a 35° Presidente degli Stati Uniti, la pellicola può dirsi ‘epocale’ nel vero senso della parola in quanto riassume da un lato le tensioni che avevano animato la gioventù americana negli anni ‘50, dall’altro anticipa temi che saranno centrali nel dibattito pubblico americano degli anni ‘60 (questione razziale, lotta per i diritti civili, tossicodipendenza).
Eddie Cook (Sidney Poitier) è un musicista afroamericano, ben lieto di essere sfuggito all’ambiente razzista e discriminatorio della Harlem anni ‘50; Ram Bowen (Paul Newman), talentuoso ma musicalmente indisciplinato, cerca nella Ville Lumiére la propria consacrazione come trombonista jazz, dedicandosi alla scrittura di un’opera sinfonica, Paris Blues, appunto. La loro vita sregolata, tutta dedita all’arte e alle donne, viene interrotta dall’incontro casuale con due giovani turiste americane, ipostasi dell’America che verrà nel decennio successivo: da un lato Connie (Diahann Carroll), insegnante afroamericana, legata alle sue radici e desiderosa di battersi per i diritti della propria gente; dall’altro Lilian (Joanne Woodward), divorziata, con due figlie. Inizialmente, i due musicisti si invaghiscono entrambi di Connie, ma sarà la sfrontatezza e la caparbietà di Lilian a persuadere Ram. Tra le due coppie nascerà subito un amore ‘impossibile’, vissuto intensamente per ‘dodici dolci e amari giorni’ durante i quali tutte le loro certezze vacilleranno al punto da spingere sia Ram che Eddie a decidere di tornare in America e rinunciare così alle proprie ambizioni artistiche, alle proprie vite ‘libere’ (ma da semi-reietti) su e giù tra tetti e scantinati, tra artisti bohémiens, raffinati intellettuali parigini e tossicodipendenti. Ma la loro risoluzione durerà molto poco.
A rappresentare sul piano simbolico la tensione che scuote interiormente i quattro giovani non può che essere, ovviamente, il jazz, quella temperie musicale che aveva agitato le anime più irrequiete e turbolente d’America, quel genere ‘sconcertante’ e vitalistico, nero ma anche bianco (non a caso è solo a Parigi che Ram e Eddie possono fare stabilmente coppia) che aveva rappresentato la più grande rivoluzione musicale dei decenni centrali del XX secolo e che ancora per tutti gli anni ‘60 avrebbe consacrato alcune delle sue più grandi personalità. A fare di Paris Blues un film jazz è la favolosa colonna sonora, curata quasi interamente da Duke Ellington e dalla sua orchestra, nonché l’apparizione di Louis Armstrong, nel ruolo del famoso jazzista Wild Man Moore, il quale dà vita, in un’elettrizzante ‘battle royal’ con Poitier e Newman a una delle scene più celebri e riuscite del film. Va segnalato, inoltre, il personaggio di Michel Devigne (ben interpretato da un intenso Serge Reggiani), omaggio ad uno dei più grandi chitarristi jazz francesi: Django Reinhardt.
Il film, che non può essere ascritto, nonostante il cast stellare, tra le pietre miliari del cinema hollywoodiano (troppo spesso naïf e ‘americano’ nella descrizione del panorama musicale parigino dell’epoca), merita però di essere recuperato come documento storico.
Inizialmente, infatti, la sceneggiatura originale, ispirata all’omonimo romanzo del 1957 di Harold Flender, prevedeva due storie d’amore interraziali che furono però ritenute troppo audaci dalla United Artists per il pubblico americano. Il tema, infatti, viene solo accennato all’inizio del film, quando sia Ram che Eddie vengono attratti dalla bellezza di Connie. Eppure è evidente quanto tale questione sia nodale soprattutto nella storia fra Eddie e Connie, che incarnano due anime differenti del mondo afroamericano: lui, disilluso e più propenso all’evasione, lei, pronta a ‘combattere per gli anni che verranno’, ben inquadrata in un processo di attivismo e cambiamento ormai già in essere e che Eddie, con il suo ormai quinquennale ‘esilio’ parigino aveva totalmente mancato. Se anticonformista è la scelta dei due giovani musicisti, certamente lo è anche quella delle due ragazze: non era consuetudine che una madre e un’insegnante partissero da sole in vacanza in Europa, adottando un comportamento decisamente spigliato e in controtendenza rispetto all’immaginario femminile coevo (si pensi a Lilian che con il suo atteggiamento vince le resistenze di Ram, rifiutato da Connie).
Paris Blues, pertanto, va rivisto e apprezzato non solo per riascoltare la sua splendida colonna sonora, ma anche perché riesce ad essere al tempo stesso un film che sintetizza i caratteri peculiari di un’epoca e fa da cerniera con un’altra, nuova ed incipiente: da un lato, infatti, porta sullo schermo il disagio esistenziale della ‘gioventù bruciata’ degli anni ‘50 che aspirava ad una propria realizzazione ‘fuori’ dalle gabbie dei conformismi americani (Parigi per i due protagonisti è sia oasi che esilio, mentre l’America resta sullo sfondo come un inferno lontano da cui fuggire), dall’altro lascia intravedere a livello seminale quei cambiamenti nelle sfere dei costumi sessuali, delle libertà di espressione e dei diritti civili che caratterizzeranno il ventennio successivo.
Un posto al sole e il lato oscuro del sogno americano
Quando fu proiettato nelle sale, nel 1951, A Place in the Sun di George Stevens, remake di An American Tragedy di Josef Van Stenberg del 1931, già riadattamento dell’omonimo romanzo del 1925 di Theodor Dreiser, ottenne un successo straordinario di pubblico e di critica (sei Oscar, un Golden Globe, un Nastro d’argento). Il film fu una delle prime grandi prove attoriali di Montgomery Clift e Elizabeth Taylor, giovani astri nascenti del cinema hollywoodiano.
La pellicola portava sul grande schermo un intenso dramma (scabroso sotto certi aspetti per la pruderie americana d’inizio anni ’50) che vede come fulcro narrativo la figura di George Eastman (Montgomery Clift), un ragazzo povero di Kansas City, figlio di pastori metodisti, che va a cercare fortuna ad Ovest presso il ricco zio industriale. Accolto con diffidenza per le sue umili origini, George accetta una modesta mansione alla catena di montaggio. Qui, disobbedendo alle ferree regole della fabbrica, frequenta la giovane operaia Alice (un’efficacissima Shelley Winters) con la quale intraprende una relazione clandestina. Quando, però, lo zio di George, visti i suoi buoni modi e il suo spirito di abnegazione, decide di promuoverlo ad un ruolo di responsabilità, tutto nella vita del giovane è destinato a cambiare.
Il timido e impacciato ragazzo di provincia è ora ammesso alle feste dell’alta società americana. Qui incontra Angela Vickers (un’incantevole Liz Taylor), giovane e ricca rampolla, la cui vita privata è argomento di tutti i rotocalchi dell’epoca. Il loro è un amore a prima vista. L’ambizione e l’ingenua passione di George lo portano a coltivare una doppia relazione e il sogno di una scalata sociale.
Tuttavia, a far precipitare la situazione è la notizia della gravidanza di Alice. Esclusa l’opzione aborto (non vi sono medici disposti ad aiutare la giovane coppia), a George non resta che pianificare l’omicidio di Alice, sempre più irrequieta e indisposta a ritardare il loro matrimonio, che avrebbe significato per George la rovina: perdere la fiducia dello zio, perdere Angela, decisa a sposarlo ad ogni costo, e rinunciare così alle sue ambizioni. Pronto a farla finita, George conduce Alice in barca su un lago, ma nel momento fatale non ha il coraggio di uccidere la ragazza che, però, maldestramente, cade dalla barca dopo un litigio. Quando si decide ad intervenire per salvarle la vita, è già troppo tardi. Logorato dal senso di colpa e scoperto ben presto dalla polizia, George finisce in tribunale dove, nonostante l’accorata confessione, viene condannato alla sedia elettrica.
La vicenda drammatica di George riflette a pieno il titolo originale del romanzo (An American Tragedy): George è davvero un personaggio tragico perché diviso fra due mondi, quello ‘basso’ dell’umiltà e della povertà a cui lo aveva costretto la scelta di vita religiosa dei suoi genitori e a cui lo avrebbe costretto, ancora una volta, il matrimonio con Alice, e dall’altro il mondo ‘alto’, del benessere, del sogno americano, della promessa di migliorare la propria condizione, incarnato dall’irresistibile e sensuale Angela a cui un ragazzo come George non può in alcun modo dire di no.
George non è un cinico parvenu, disposto a tutto, persino all’omicidio, pur di realizzarsi, ma è una vittima ingenua di un ingranaggio più grande di lui, quell’ingranaggio alla cui base vi è la catena di montaggio dove nasce e fiorisce la relazione con la povera Alice. George così come Alice e la stessa Angela sono vittime di un ingranaggio che non contempla gli affetti, che non può essere ostacolato da essi (in questo il divieto dello zio di intrattenere relazioni con altri salariati della fabbrica è simbolico, oltre che decisivo nello sviluppo della vicenda). Il venir meno di George al divieto dello zio e ai divieti morali e religiosi della madre (che si era raccomandata con il figlio prima della sua partenza per l’Ovest) lo spinge verso il baratro. Nel momento in cui George viene promosso, cioè si allontana dalla catena di montaggio, l’amore naturale, genuino per Alice è inutile, se non controproducente, e perciò va soppresso in funzione di un ‘bene superiore’, che è reale e concreto al tempo stesso: George è davvero innamorato di Angela, è davvero disposto a tutto pur di sposarla e trovare così il suo ‘posto al sole’. È impossibile, dunque, scindere il sentimento amoroso dall’ambizione nella figura complessa e sfaccettata di George, magistralmente interpretato da un introspettivo Montgomery Clift (attore che, nei suoi film, insieme con Marlon Brando e James Dean, incarnò la ‘gioventù bruciata’ dell’America eisenhoweriana). I suoi silenzi e la sua enigmatica espressività, infatti, riescono in modo molto efficace a rendere la complessità di un personaggio solo in apparenza molto semplice e lineare.
Questo torbido triangolo rappresenta, ad una più profonda analisi, su un piano simbolico, il lato oscuro del sogno americano e porta alla luce una falla enorme nella sua narrazione ottimistica ed entusiastica: la scalata sociale è possibile, ma solo a determinate condizioni, solo a costo di enormi sacrifici, solo a costo di frenare anche i propri più naturali e genuini sentimenti. In questa duplice e contemporanea tensione verso l’‘alto’ e verso il ‘basso’, George resta schiacciato: ha voluto tutto e ha voluto troppo, proprio perché non aveva avuto niente.
Vittima di quella sperequazione sociale che sostanzia il sistema economico americano, la Giustizia, che vede in lui solo un bugiardo, lo condanna a morte come colpevole di un omicidio che non aveva commesso, ma che aveva intimamente desiderato (beffardo paradosso).
Quella di George è una fiaccola che brucia in fretta: tutta la sua vicenda umana si consuma senza che lui possa rendersene conto. Solo alla fine, solo dopo la visita di Angela in carcere, capisce di aver perso tutto fuorché l’unica cosa per cui aveva agito, cioè Angela, che gli giura amore eterno e a cui lui chiede di amarlo ‘per il tempo che gli rimane da vivere’. È questo l’unico bene vero che gli resta, l’ultima scintilla di quel sogno che era stato la sua rovina.
Importanti recuperi archeologici del Comando Carabinieri TPC
Tre operazioni diverse del Nucleo Tutela Patrimonio Culturale che hanno portato ad un risultato brillante e prezioso: il recupero del nostro patrimonio artistico e archeologico perennemente oggetto di criminali senza scrupoli.
La prima operazione, coordinata dalla Procura della Repubblica di Spoleto, ha fruttato il recupero di due importantissimi capitelli romanici, già provento di furto perpetrato ai danni della cripta di S. Giovanni in Leopardis in Borgorose (RI). Il lavoro del Nucleo TPC ha permesso così il ritrovamento dei due preziosi manufatti tramite il costante monitoraggio che viene effettuato nel settore antiquario e grazie ai capillari controlli amministrativi su tutto il territorio nazionale.
Nel caso specifico, un controllo presso un antiquario umbro ha consentito di localizzare i preziosi capitelli decorati con motivi fitomorfi (foglie di acanto stilizzate con elementi stellari), zoomorfi ed antropomorfi, che sono gli unici superstiti di quanto rimasto intatto di un importante complesso monastico benedettino del Cicolano, menzionato, per la prima volta nella Bolla papale di Anastasio IV del 21 gennaio 1153.
Nel 1981 la cripta fu restaurata dal Comune di Borgorose, ma pochi anni dopo, nel dicembre 1984, subì un gravissimo ed irreparabile danno: ignoti, approfittando del pubblico disinteresse, spezzarono cinque colonne che sostenevano altrettanti capitelli, rubandoli e provocando così il crollo di parte delle volte e la rovina dell’intera struttura architettonica.
Il recente recupero alimenta la speranza di poter ricostruire, anche solo virtualmente, l’intero complesso monumentale, riconsegnando alla pubblica fruibilità di quel territorio, recentemente provato dagli eventi sismici, questi significativi frammenti di storia ed architettura che erano stati barbaramente aggrediti.
La seconda indagine, coordinata dalla Procura della Repubblica di Roma, scaturisce da uno specifico servizio di controllo presso un’importante fiera internazionale di antiquariato di Firenze, allorché personale del Reparto Operativo del Comando Carabinieri T.P.C. ha riscontrato che, presso uno stand, tra i vari beni esposti, vi era una scultura in marmo del XVIII Sec. raffigurante una testa di Giove. L’opera è risultata essere quella asportata in data 18.06.2013 presso il complesso monumentale Villa Albani Torlonia di Roma. Le indagini, condotte esaminando i singoli passaggi e la documentazione a corredo dell’opera, hanno consentito di risalire al ricettatore, personaggio già noto ai Carabinieri per fatti analoghi.
La terza operazione, ma non per importanza, si è sviluppata a partire dal 2011, a seguito di attività d’indagine in ambito internazionale, tesa a contrastare il traffico illecito di beni numismatici di provenienza italiana, in particolare attraverso il monitoraggio delle aste di settore. In quell’occasione erano stati individuate persone dedite alla commercializzazione di monete di natura archeologica, soprattutto verso gli U.S.A. e la Svizzera. L’analisi dei tabulati telefonici di uno dei due soggetti confermava l’ipotesi investigativa, poiché venivano accertati diversi collegamenti con pregiudicati per reati specifici, localizzati in Sicilia.
Lo sviluppo dell’attività investigativa, denominata “Principato”, coordinata dalla Procura della Repubblica di Roma e dal Ministero Pubblico di Lugano, si concretizzava con la perquisizione delle cassette di sicurezza intestate ad uno degli indagati, presso le sedi della UBS di Chiasso e Zurigo. Le operazioni consentivano di rinvenire materiale numismatico e beni di diversa tipologia ed epoca, in particolare: reperti archeologici di epoca compresa tra il IV Sec. a.C. ed il VI Sec. d.C., monete romane e magnogreche, medaglie, nonché monili in bronzo. Recentemente, a conclusione dell’indagine, militari della Sezione Archeologia del Reparto Operativo, hanno proceduto al rimpatrio ed alla confisca dei beni risultati di sicura provenienza illecita dall’Italia, ovvero: 345 monete romane e magnogreche, 2 fibule in bronzo, 44 medaglie, 1 timbro in bronzo. Il valore dei reperti rimpatriati ammonta a circa cinquecentomila euro.
Carabinieri TPC recuperano beni sottratti in Italia ed esportati negli USA
I CARABINIERI TUTELA PATRIMONIO CULTURALE E l’HSI-ICE STATUNITENSE RECUPERANO BENI SOTTRATTI IN ITALIA ED ESPORTATI NEGLI USA
Come da MiBACT, Redattore Renzo De Simone
Il sale, elemento di successo dell'agricoltura a Chaco Canyon
3 Ottobre 2016
Un nuovo studio, pubblicato sul Journal of Archaeological Science: Reports, ha dimostrato che - contrariamente a quanto finora ritenuto - la diversità di sali nelle acque e nel suolo sarebbe stata benefica e non nociva per la coltivazione del mais nell'antico New Mexico.
Precedenti studi avevano ritenuto che le tecniche di gestione delle acque presso i Pueblo Ancestrali durante periodi di siccità avrebbero determinato livelli tossici di salinità dell'acqua. Il nuovo studio rileva invece come il mix di solfato di calcio, insieme ai minerali vulcanici già presenti nell'area, avrebbe contribuito ad incrementare la fertilità del suolo al fine della coltivazione del mais.
Kenneth Barnett Tankersley dell'Università di Cincinnati spiega che - con un elevato livello di certezza - i Pueblo Ancestrali non abbandonarono Chaco Canyon a causa dei sali.
I Pueblo Ancestrali fiorirono in quest'area dal nono al dodicesimo secolo: pur riferendosi ad essa come a un'oasi, subirono diverse gravi siccità.
Consumo di pesce nella dieta dei primi abitanti dell'Alaska
29 Agosto 2016
Un nuovo studio, pubblicato su PNAS, ha evidenziato come il consumo di pesci d'acqua dolce fosse importante per i primi abitanti dell'Alaska, nella Beringia dell'Era Glaciale.
Lo studio ha preso in considerazione 17 focolari presso il fiume Tanana, in Alaska. Lo studio ha quindi ritrovato le prime prove di utilizzo di salmone anadromo nelle Americhe, almeno 11.800 anni fa, e che il pesce fosse parte delle diete indigene 11.500 anni fa.
