Superare la mente ferita: una questione di percezione

La mente ferita. Attraverso il dolore per superarlo, di Giorgio Nardone, Federica Cagnoni e Roberta Milanese - recensione

Si fa di tutto pur di non sentire. Ci sono così tanti modi per non soffrire, o almeno per illudersi di non soffrire, che a volte fingiamo di non capire quando una vocina interiore ci dice che l’unica vera soluzione alla sofferenza è la sofferenza stessa. È una prova così lacerante che non tutti ne accettano il rischio; piuttosto, è possibile che barattino l’ingannevole senso di sicurezza e dinamicità abusando d’alcol o di sostanze stupefacenti o di farmaci, dipendendo dagli altri, aggiungendo altri disturbi al blocco che già paralizza, talvolta addirittura pensando al suicidio.

Il cambiamento catastrofico, ma anche una serie di microeventi ripetuti gradualmente nel tempo, si abbattono senza sosta sulla memoria che, rallentata e in sovraccarico, fatica a elaborare quanto avvenuto. Il soggetto che ne è portatore, così, con l’intento di preservare il ricordo allontanando però il bagaglio di dolore a cui è legato, finisce in un cortocircuito travolgente e disfunzionale. Queste strategie difensive (coping reactions) sono solo in parte coscienti e si trovano

“alla base di ciò che intrappola la vittima di un’esperienza traumatica all’interno dei propri ricordi e la conduce a costruire nuovi limiti, portando con sé angoscia, paura, dolore e rabbia”,

spiegano Giorgio Nardone, Federica Cagnoni e Roberta Milanese nel volume La mente ferita pubblicato con Ponte alle Grazie.

La mente ferita
La copertina del saggio La mente ferita. Attraverso il dolore per superarlo, di Giorgio Nardone, Federica Cagnoni e Roberta Milanese, pubblicato da Ponte alle Grazie nella collana Terapia in tempi brevi

 

Gli autori, facenti parte del Centro di Terapia Strategica di Arezzo, con un linguaggio chiaro e divulgativo nel testo trattano delle possibilità di superare un’esperienza dolorosa, nel significato trasversale di perdita, attraverso la stessa terapia breve strategica messa a punto da Paul Watzlawick e dal professor Nardone suo allievo.

Gli approcci usati, con una sezione pensata anche sull’attuale situazione pandemica, vanno dalla comprensione e dalla decodifica delle emozioni cosiddette primarie (come appunto la paura, il dolore e la rabbia) fino all’utilizzo della scrittura terapeutica, nel modello da loro coniato come “romanzo del trauma”. Questo, tramite l’espressione scritta, ha l’obiettivo di ricollocare il passato nel passato liberando, non senza sforzi, la parte emotiva bloccata ed evitando così al fisiologico disturbo da stress post-traumatico di complicarsi sfociando in disturbi depressivi, fobici, ossessivo-compulsivi e abusanti spesso gravi.

Ma lo dicevamo all’inizio: si fa di tutto pur di non sentire, pur di anestetizzare le emozioni e privarle del loro normale fluire. Perché se assumessero un’altra forma saremmo costretti a comprenderla e ad immergerci in una realtà scomoda. Mentre il mondo va avanti, ci scopriamo impigliati in una solitudine senza ritorno, tirati giù da un vortice di sensi di colpa basati su responsabilità che in ogni caso non avremmo potuto abbattere, ma che lo stesso ci rendono impotenti verso una vita che crediamo di non meritare più. Non senza quella casa, quel lavoro, quel genitore, quel figlio, quella gamba.

È la percezione di assenza che ci rende instabili, inorriditi di noi quando ci guardiamo allo specchio e guardiamo alla nostra biografia con fare insolente e volgare. Siamo come reietti della letteratura e ci sentiamo abbandonati ed emarginati da una vita che solo prima del trauma ci apparteneva.

Eppure non sempre è così. Talvolta ci ritroviamo a voler sentire ogni cosa che riguarda il trauma stesso e, esasperati dalla sua profondità, possiamo decidere di protenderci verso il dolore e sperimentare quella che lo psicanalista Franz Alexander nel 1946 definì “esperienza emozionale correttiva”, ovvero quei vissuti concreti legati ai sensi che permettono al cervello di riorganizzarsi alla luce dei cambiamenti avvenuti.

È straordinario, perché nella raggiunta consapevolezza ciò può suggerire una guarigione anche sul piano cognitivo.

“Chi ha superato un dolore” scrivono gli autori de La mente ferita, “ha risorse che altri non hanno, come la sensibilità e le capacità di adattamento e di attutire altri urti della vita. Chi non ha mai provato dolore ed evitando esperienze emotivamente travolgenti è riuscito a sfuggirgli, non è affatto più forte, ma potenzialmente più fragile e destabilizzabile”.

Il coraggio di questo tipo di elaborazione, che si basa sul riallineamento della percezione del senso di realtà, diventa quindi eroica perché trasforma un sentimento che è invadente e a tratti invalidante in qualcosa che alla lunga risveglia l’anima.

Foto di Devanath

Avere cognizione della percezione spegne pian piano il rimpianto, la ruminazione, la vergogna, il fallimento, attenua l’ansia e disinnesca le reazioni di angoscia e di panico che rischiano di fare danni a livello psicofisico. Inoltre, potenziando la resilienza, coltiviamo un’esperienza emotiva (sostenuta anche dagli studi di epigenetica che riguardano l’ereditabile capacità di adattamento evolutivo) che riesce a rivolgersi ad un futuro integro e che nel dolore non vede più un limite ma un’opportunità.

Non facile ma necessario, perché come viene ben spiegato nel libro “un dolore immenso non può essere reso meno intenso da nulla, tranne che dalla capacità di viverlo appieno nel tempo”.

 

Nardone, F. Cagnoni, R. Milanese, La mente ferita. Attraversare il dolore per superarlo, ed. Ponte alle Grazie 2021, pp. 144, Euro 14.


Cesare Pavese e quel suo sogno di America

Cesare Pavese e quel suo sogno di America

Parlare di Cesare Pavese significa raccontare l’America. Non l’America reale, della metà del ‘900, ma un’America presunta, trasognata, elaborata attraverso la letteratura. Perché questo grande scrittore, letterato, traduttore, quella sua cara America non l’aveva mai vista se non tra le pagine dei libri che leggeva, se non attraverso i personaggi della grande letteratura americana di quel periodo. Le ragioni di quest’amore possono essere innumerevoli, ma tra tutte una può essere considerata determinante. Pavese sente il bisogno di un processo inverso a quello che si era verificato nel 1492, una sorta di scoperta al contrario, un’invasione culturale che risvegli e risani l’Italia.

Certamente è un amore anticonvenzionale, ma che anticipa una moda che si svilupperà dopo in Italia, che si ritroverà conquistata da ogni aspetto della vita americana. Sul fronte letterario, questo amore per la prosa e la poesia d’oltre oceano si deve alla scrittrice e traduttrice Fernanda Pivano. In particolar modo alla sua traduzione fortunatissimi dell’Antologia di Spoon River. Non una moda solo letteraria, ma un’influenza a tutto tondo che porterà molti scrittori a seguire a ruota Pavese e la moda americana. Nella letteratura, gli intellettuali italiani cercheranno un modo per sfuggire ai tempi correnti, al fascismo, a quegli anni particolarmente opprimenti, e Pavese è stato il primo, colui che ha previsto il grande fascino che avrebbe suscitato l’America in Italia. E questa “fame d’America” viene canzonata in un grande film italiano degli anni 50, dove vediamo una delle più iconiche apparizioni di Alberto Sordi, nei panni di un italiano innamoratissimo dell’America. Si parla, naturalmente, di Un americano a Roma diretto da Stefano Vanzina nel 1954.

Quello che Pavese ricerca non è un modello reale, esistente, ma un modello letterario, ricavato dai testi e dagli autori che lui tanto ama, sin da quando era solo un liceale. L’America che idolatra e insegue è «pensosa e barbarica, felice e rissosa, dissoluta, feconda, greve di tutto il passato del mondo, e insieme giovane, innocente». Un miraggio, un sogno intonso che vorrebbe poter vivere. E ai giovani americani invidia quell’eterno vagabondare e perdersi nelle strade, la fame di libertà di «un’allegra razza di giovani paria cenciosi che girano senza motivo da stato a stato, da regione a regione, in preda alla febbre della strada», come scriverà ne La letteratura Americana e altri saggi.

Cesare Pavese America
Cesare Pavese. Foto di ignoto, in pubblico dominio

Pavese è affascinato da questa tipologia di giovane vagabondo (tramp), che infiamma la letteratura americana, suo indiscusso protagonista. Beve, fuma, lavora dove gli capita, con l’unico scopo di guadagnare il minimo che gli occorre per vivere e stare al mondo, per continuate quella vita che si dipana nel racconto. Non sa bene dove stia andando e non ricorda dove sia stato; di quello che ha visto gli resta solo una manciata di emozioni contrapposte e uno spietato bisogno di vita, di evasione dalla routine quotidiana. Gira sui treni merci o con l’autostop, altrimenti a piedi inforca i sentieri nebulosi delle strade, facendo del cammino il suo stesso esistere. È proprio questo ad affascinare Pavese, questo vagabondare dell’uomo, questa fame di vita che è un po’ anche la sua, finché le tante delusioni non lo porteranno a rinunciare a quella vita che lui così spesso ha affermato di amare ne Il mestiere di vivere.

Traduce Sinclair Levis, Sherwood Anderson e quell’indiscusso capolavoro di Herman Melville, che è Moby Dick, realizza una traduzione così bella da essere considerata da molti critici addirittura meglio dell’originale. Ne coglie tutta la novità stilistica, concettuale, narrativa e auspica un presente ove gli intellettuali italiani e le loro invecchiate scritture prendano spunto dagli scrittori americani, nelle trame ma soprattutto nello stile. Perfino di Arrowsmith Lewis, Pavese non potrà che parlare bene: «mal fatto, tirato giù, privo di costruzione» ma «di quelli che si leggono d’un fiato, cui si torna a pensare avidamente per l’abbondanza pletorica di vita che li informa». Ed è proprio la vitalità della letteratura quella a cui aspira Pavese e quella di cui necessiterebbe l’Italia. In queste storie, questo grande scrittore vede il «bisogno storico» della sua penisola.

Così scrive ne La letteratura americana e altri saggi: «questi americani hanno inventato un nuovo modo di bere. Parlo, s’intende, di un modo letterario. Un personaggio, a un certo punto di un romanzo, pianta tutto: belle maniere, lavoro – famiglia, quando l’abbia – e solo, o in compagnia di un amico del cuore, scompare qualche tempo per la solita spedizione: he has gone on the grand sneak, si è buttato alla gran fuga. Talvolta l’assenza dura giornate. La condotta del ribelle, nel frattempo, è molto semplice: da un baccano di canzoni e di bei motti, a un muso angosciato e meditante. Alla fine, il personaggio torna a posto nella vita. È un po’ abbacchiato e smorto, ma ha una nuova coscienza di se stesso: la macchina della civiltà non lo possiede interamente, la vita è ancora degna».

America Cesare Pavese La letteratura americana e altri saggi Einaudi
La copertina (1990) del volume di Cesare Pavese, La letteratura americana e altri saggi, pubblicato da Giulio Einaudi Editore nella collana Gli struzzi. Fu pubblicato per la prima volta nel 1951, postumo, con prefazione di Italo Calvino

Cesare Pavese si chiude in questo mondo fittizio, in questo sogno che è l’America, per fuggire al reale, alla realtà di ogni giorno, al pallido colore della sua terra, che ha ormai perso quel primitivismo, quella spontaneità così forte nella letteratura americana, che la civiltà ha contribuito a far perdere per sempre. Quello di cui Pavese si rende conto è che queste avventure di cui legge gli scrittori le hanno vissute. Forse, si dovrebbe abbandonare il confortevole nido e gettarsi nel mare delle avventure? Forse è questo il solo modo per sfuggire al «male della civiltà»? Herman Melville, riflette Pavese, ha vissuto avventure reali e, così, non solo ha scritto della grande letteratura, ma ha trovato l’equilibrio nella vita reale.

Pavese è affascinato da questi cercatori di libertà, che hanno ancora modo di forgiare il loro paese, la loro America. Fanno un’antiletteratura e raccontano viaggi, sport, cinema, tutto col sottofondo del jazz. Un mondo barbaro, primitivo, cui si dovrebbe tornare per poter essere liberi, felici, curando l’anima decadente che ogni italiano (ed europeo) serba in sé. Una fuga per riappropriarsi della vita persa, senza essere schiacciati sotto il peso della civiltà. Questo vede Cesare Pavese attraverso quelle lenti distorte della letteratura.
Un sogno che chiama ‘America’.

Questo vede Cesare Pavese attraverso quelle lenti distorte della letteratura: un sogno che chiama America. Foto di 12019

 

Riferimenti bibliografici:

Lajolo Davide, Il «vizio assurdo». Storia di Cesare Pavese, postfazione di A. Bajani, Classics minimum fax, Roma 2020;

Pavese C., La letteratura americana e altri saggi, Einaudi, Torino 1951;

Pavese C., Il mestiere di vivere. Diario 1935-1950, a cura di M. Guglielminetti e L. Nay, introduzione di C. Segre, Einaudi, Torino 2014;

Pavese C., La scoperta dell’America, prefazione di E. Ferrero, a cura di D. Pontuale, Nutrimenti, Roma 2020.


Questi corpi che massacrano l'anima, il mito greco di Medusa come rilettura dell'inaccettabile

Chissà se Orfeo si sarebbe voltato indietro se al posto della sua amata Euridice ci fosse stata la Medusa di Martine Desjardins. Sicuramente il mito greco non sarebbe rimasto lo stesso.

Potremmo definire Medusa un retelling grottesco dell'indimenticabile mito della Gorgone, regina, capace di pietrificare con il suo sguardo chiunque osasse guardarla. Nel romanzo della scrittrice canadese Martine Desjardins, la ragazza Medusa è vittima di una rara deformità ottica che le conferisce un aspetto grottesco e anti-estetico facendola odiare dalle sorelle e dai genitori.

Sarà costretta a vivere, infatti, con i capelli che le coprono il volto per nascondere la sua bruttezza, e così viene privata non solo della propria femminilità e dell'infanzia, creando de facto una vita interrotta e in balia di una forzata cecità, ma disconnessa del tutto dal mondo; vive una perenne negazione. O  vive in negativo, come un filtro fotografico. I colori diventano ombre e le persone immagini traballanti che adornano i confini dello spettro ottico, gli esseri umani non rappresentano legami affettivi  e tantomeno incarnano sentimenti positivi, ogni vibrazione del vuoto cognitivo viene colta e metabolizzata con un altro filtro, quello dell'inaccettabile.

La vita di Medusa non è un supplizio perché è semplicemente lontanissima dai parametri estetici bensì c'è una filosofia del disprezzo. Come nell'antica Sparta i bambini deformi venivano esposti (abbandonati) perché erano un peso per la comunità così Medusa è un'isola di solitudine perché deturpa la perfezione familiare che si erge sulle fondamenta tossiche delle famiglie apparentemente perfette. Tralasciando le psicologie familiari e disfunzionali abbiamo tra le mani un romanzo intelligente che si fa cassa di risonanza di moltissimi echi non solo mitologici ma anche letterari e cross-generazionali.

Sì, se vi aspettavate un retelling pseudo-immaginifico alla Circe di Madeline Miller del materiale greco o una metafora grottesca del mondo familiare, allora siete lontani. Medusa è un romanzo neogotico, rinchiuso in una gabbia distorsiva stratificata. La prima prigione distorcente è il corpo che massacra l'anima e ci allontana dalla comprensione dell'Io individuale, subentra l'ambiente domestico che si rivela essere una dimensione claustrofobica quanto le peggiori segrete di un castello diroccato, si aggiunge alla fine la prigione dell'Athenæum dove Medusa viene inviata e costretta a vivere lontana dalla sua famiglia. In questa scuola-prigione, Medusa sarà elevata a rappresentante univoca della filosofia del disgusto, tanto cara ad esponenti poetici di fine Ottocento (come Artaud col suo lirismo maledetto). L'estetica della ripugnanza viene usata per perpetrare la vita di Medusa, che scopre nel dolore fisico e nell'esaltazione delle proprie deformità un nuovo senso di accetazione, in bilico tra voyeurismo sadomasochistico e dissociazione dal reale.

Interessante anche come le tematiche femministe non siano innestate con retoriche semplicistiche e telefonate, tant'è che anche in altre donne si può presagire il peso della mentalità patriarcale. Medusa è femminista nella sua natura più allucinata e scabrosa, nella continua mortificazione e umiliazione, nel totale perseguimento del dolore e della decadenza.  Martine Desjardins insegue con un linguaggio chirurgico e sprezzante il viaggio dell'antieroina sovvertendo i manuali di scrittura in un romanzo di deformazione e arricchendo l'immaginario del lettore di una tetra rappresentazione del corpo femminile. Corpo sempre strumentalizzato dall'uomo e non più appartenente alla sfera femminile. Ma, con l'essere maledetta di Medusa, si pone anche un quesito finora inedito: e se la vera libertà potesse sorgere anche dall'orrore?

Medusa Martine Desjardins Alter Ego Edizioni
La copertina del romanzo Medusa della scrittrice canadese Martine Desjardins, tradotto da Ornella Tajani e pubblicato da Alter Ego Edizioni (2021) nella collana Specchi

Il libro recensito è stato cortesemente fornito dalla casa editrice.


Biglietto blu di Sophie Mackintosh | Il diritto di decidere

Quando i loro corpi sviluppano, le ragazze ricevono il verdetto da una lotteria e da quell’attimo il loro futuro è deciso: maternità o carriera, biglietto bianco o biglietto blu. Le biglietto-bianco sono pulite, rispettabili, amate. Le biglietto-blu, a cui la maternità è vietata, diventano terreno fertile per la proiezione delle più sordide pulsioni. Su di loro si sfoga la sessualità più feroce e godono di una completa libertà sentimentale. È questo il sistema che regola Biglietto blu di Sophie Mackintosh – classe 1988, gallese. Il romanzo, portato in Italia da Einaudi, si inserisce in quel genere di recente fortuna che si interroga sulle contraddizioni del femminile attraverso la distopia, il cui capofila è rappresentato dal Racconto dell’ancella di Margaret Atwood.

L’unica cosa che io ho sempre voluto è la libertà, sapere che la mia vita non sarebbe finita in un vicolo cieco, eppure sapevo che sarebbe successo, fin da quando avevo dodici anni. Conoscevo la forma che avrebbe assunto la mia vita prima ancora di comprenderne il significato.[1]

La dicotomia su cui si basa Biglietto blu ha radici profonde nel reale. Già negli anni sessanta Sylvia Plath affrontava un discorso affine nella Campana di vetro attraverso il dilemma di Esther Greenwood, incapace di scegliere tra matrimonio e carriera, famiglia e fama. La psicosi dovuta alla necessità di rinunciare all'uno o all'altro frutto dell'albero - per riprendere la metafora del fico usata da Plath nel romanzo - è alla base del sistema narrativo di Sophie Mackintosh. Ma non è tanto la maternità negata che le donne di Biglietto blu rivendicano, quanto - forse inconsapevolmente - la possibilità di disporre liberamente della propria vita.

Biglietto blu Sophie Mackintosh
Foto di Sofia Fiorini

Biglietto blu: la volontà come "sentimento oscuro"

La narratrice e protagonista del romanzo, Calla, scopre che la lotteria le ha assegnato un biglietto blu, consegnandola a un futuro senza figli. A lei, come a tutte le biglietto blu, viene inserita una spirale, il metodo contraccettivo tramite cui le si impedirà a vita di concepire. Ma il suo nome già contiene in sé il destino: il fiore bianco, il biglietto bianco, la maternità. È questa la direzione verso cui tutte le fibre del suo corpo sembrano indirizzarla. Calla definisce "sentimento oscuro" il desiderio personale di maternità che ha iniziato a farsi spazio in lei contro il sistema e che l’ha portata a gestire una gravidanza illegale.

La forza che fa deviare Calla dal destino imposto dalla lotteria ha la spinta tellurica dell’istinto, della natura. Appartiene tanto alle biglietto-blu che diventano madri illegalmente, quanto delle biglietto-bianco che abortiscono. Il sentimento oscuro si riconnette a tutto quello che è naturale, spontaneo. Il mondo animale e naturale percorre il testo come il reale termine di paragone della vita umana, l’alternativa al sistema sociale che ha condannato le donne del romanzo all’infelicità. La natura le legittima a sentire quello che sentono, laddove la cultura le condanna.

Biglietto blu Sophie Mackintosh
La copertina del romanzo Biglietto blu di Sophie Mackintosh, tradotto da Norman Gobetti, pubblicato (2021) da Giulio Einaudi Editore nella collana Supercoralli. Foto di Sofia Fiorini

Il controllo del corpo femminile: una questione millenaria

Quali sono le ragioni alla base di questo sistema? Cosa ha portato la società distopica di Biglietto blu a istituire la lotteria? Niente di tutto ciò viene svelato al lettore. Quel che è certo è che il tentativo di controllare il corpo femminile e la sua capacità riproduttiva ha una storia millenaria. Prova ne sono, ad esempio, le pratiche della custodia e della cessione del ventre nel mondo romano, illustrate da Eva Cantarella rispettivamente in L'ambiguo malanno e in Passato Prossimo.

La prima pratica era il sistema di controllo sociale con cui il marito, qualora lo ritenesse necessario, si accertava tramite la nomina di un "custode del ventre" che la moglie non abortisse. La seconda coincideva invece con il passaggio di proprietà della moglie da un marito all’altro. I romani concepivano il matrimonio come un’alleanza economico-politica tra famiglie. Di conseguenza, la riproduzione dei gruppi familiari era a sua volta percepita come un dovere civico da assolvere con ordine, per il popolamento di Roma e la salute della città. Di una donna fertile, dunque, era necessario sfruttare al massimo le potenzialità riproduttive. In questo senso, la più economica delle soluzioni era farla “circolare” da un marito già padre a un altro ancora senza figli. Per questa ragione, era possibile – se non probabile – che una donna cambiasse marito proprio mentre era venter, cioè mentre era già incinta.

È quello che, con tutta probabilità, successe a Marzia: sposa giovanissima di Catone l’Uticense in seconde nozze, fu ceduta dal marito, in accordo col padre, ad Ortensio Ortalo a scopo riproduttivo, per poi risposare Catone una volta rimasta vedova di Ortalo.

Biglietto blu Sophie Mackintosh
Foto di Sofia Fiorini

Madri inadatte, impreparate, acerbe

Le donne di Biglietto Blu sono perseguite dal sistema per aver deciso liberamente della propria maternità, per aver eluso il codice sociale che prevedeva di controllarle per sempre, infallibilmente, di sapere a priori cosa fosse giusto per loro. Qualcosa di simile succede alle donne di Acerbe, un podcast di Will realizzato da Valentina Barzago e Agnese Mosconi che raccoglie narrazioni di maternità alternativa e smaschera gli stereotipi legati all’essere madri. Si tratta di storie vere di donne che si sono viste ignorate, fraintese e giudicate per le proprie scelte di madri. Il titolo allude al fatto che le nuove madri siano sempre ritenute impreparate, acerbe appunto, rispetto al loro compito; e a questo vuole rimediare il mondo esterno che si presenta loro con la verità in mano. Oggi, le donne sono libere dalla dittatura della lotteria e non più soggette alle pratiche di controllo del ventre come nell’antica Roma. Nonostante ciò, non sembrano ancora avere completa libertà sulla gestione dei propri corpi e delle proprie scelte. L'arma a cui tutte sembrano ancora essere soggette è lo stigma. Il giudizio negativo le colpisce ogni volta che la loro volontà personale si discosta da quella comune.

Il secondo episodio di Acerbe dà voce a una donna, Stefania, che dopo essere stata giudicata incosciente per le sue scelte durante la gestazione, perde la figlia a poche ore dalla nascita a causa di una malformazione. È così che la sua maternità le insegna da subito la lezione più difficile. Ovvero, che i figli non appartengono a chi li genera e che il compito dei genitori prevede anche di lasciarli andare. È la stessa lezione che sembra offrirsi a Calla: dopo i pericoli di un viaggio estenuante, il momento della nascita della figlia coincide con la separazione da lei, nella speranza di offrirle un futuro migliore.

La copertina del romanzo Biglietto blu di Sophie Mackintosh, tradotto da Norman Gobetti, pubblicato (2021) da Giulio Einaudi Editore nella collana Supercoralli

Biglietto blu: il diritto di decidere

Per Calla, l’imposizione della lotteria, che avrebbe dovuto semplificarle la vita, ha avuto l’esito della disperazione. Il mondo che le è stato consegnato, ovvero un mondo senza scelte, è per lei una realtà invivibile. L’unico senso che resta è la traccia segnata dal sentimento oscuro che si porta dentro, l’istinto che le detta la natura. Di fronte alla mancanza di senso, portare avanti la gravidanza – seppure è ciò che mette a rischio la sua vita – le restituisce una direzione. Anche se infrangere le regole non le ha portato la felicità che si era immaginata, le ha ridato identità. È questo che sembra infine rivendicare Biglietto blu, una storia senza eroi e senza lieto fine: il diritto di decidere e il diritto di sbagliare. Il diritto di comprendere il significato della propria vita man mano che le si dà forma.

 

[1] Sophie Mackintosh, Biglietto Blu, Torino, Einaudi, 2021, p. 225.

 

Il libro recensito è stato cortesemente fornito dalla casa editrice.


Sarah Kane Blasted Dannati Tutto il teatro

Di fughe e di dannati, anime alla deriva: un assaggio di Sarah Kane

Di fughe e di dannati, anime alla deriva: un assaggio di Sarah Kane

Cosa succederebbe se, fin dall’infanzia, fossimo educati esclusivamente ai valori della violenza e della bestialità? Quando sei un’amante delle litterae, cerchi di vedere sempre oltre i tuoi limiti umani, la voglia in tasca di occupare spazi della mente non tuoi. Dentro le storie si è ciechi, solitamente serve sempre un terzo o un quarto occhio che ti mostri che stai sbagliando, che dovresti uscirne e slacciarti dallo stato di oppressione e sofferenza in cui ti ritrovi ogni volta che vorresti essere un protagonista.

Capita di amare profondamente qualcuno, tanto che ad un certo punto senti la necessità di riemergere perché si è imparato qualcosa di sconvolgente, perché è la trasformazione viscerale che spaventa l’uomo e lo pone ad affrontare le sue dannazioni. La visione della realtà subirebbe, così, un’alterazione tale da disinvestire emotivamente il livello di umanità e assimilarlo a quello di bestie: così facendo, si vivrebbe in una società consumata da bestie feroci, cannibali della propria rabbia, brutalità fisica e spregiudicatezza, ognuno escluso dall’altro, senza relazioni ed intimità, in un massacro che esalta il vacuo. In realtà, a ben pensarci, non è uno scenario così distante da alcune vicissitudini di guerra a cui siamo, ormai, abituati ad assistere quotidianamente, perché, come dice John Keats, siamo «anime alla deriva»[1].

Dannati (Blasted) di Sarah Kane è contenuto nella raccolta Tutto il teatro (2000), pubblicata da Giulio Einaudi editore nella collana Collezione di teatro, con traduzione di Barbara Nativi e introduzione di Luca Scarlini. Foto di Rosa Gadaleta

Se lo chiede anche la drammaturga britannica Sarah Kane, uno dei volti del In-Yer-Theatre, che a 23 anni scrive la sua prima pièce, priva di ogni moralità, fortemente aggressiva, vicina alle tavole borghesi del teatro giacobita e forte dell’influenza di personalità teatrali come Edward Bond. Nata nel 1971, debutta giovanissima con la trilogia di monologhi Sick nel 1994 che nel gennaio dell’anno seguente viene messa in scena al Royal Court di Londra per la regia di James Macdonald, con titolo Blasted.

In seguito Sarah Kane si cimenta nella creazione di altre drammaturgie: una riscrittura della tragedia greca euripidea, Phaedra’s love (Londra, Gate Theatre, 1996), Cleansed (Regia James Macdonald, Londra, Royal Court, 1998) e Crave (Regia Vicky Featherstone, Edimburgo, Traverse Theatre, 1998). Nel festival dedicato al drammaturgo tedesco Georg Buchner, poi, i due testi di Phaedra’s love e Woyzeck ottengono una rappresentazione al Gate Theatre.

Nel 1995 viene invitata a comporre la sceneggiatura di Skin, cortometraggio diretto da Vincent O’Connell e prodotto da Channel 4. Il suo ultimo lavoro 4.48 Psychosis, rappresentato postumo al Royal Court Theatre per la regia di James Macdonald nel giugno 2000, è il testamento di vita e di morte: Sarah Kane, dopo aver terminato quest’opera, tenta fallimentarmente un primo suicidio a seguito di un'overdose di compresse antidepressive, ricoverata in ospedale riuscirà nel suo intento nel febbraio del 1999.

La giovane venne ritrovata impiccata in uno dei bagni dell'ospedale. Il suo suicidio venne in seguito giustificato con disturbi psichiatrici che compromisero effettivamente la salute mentale di Kane, afflitta da angoscia e tormentata da un'insoddisfazione della realtà che l'aveva condotta irrimediabilmente a soffrire di depressione.

.

Sarah Kane Dannati Blasted Tutto il teatro
Dannati (Blasted) di Sarah Kane è contenuto nella raccolta Tutto il teatro (2000), pubblicata da Giulio Einaudi editore nella collana Collezione di teatro, con traduzione di Barbara Nativi e introduzione di Luca Scarlini

Dal plot di Blasted, in italiano Dannati[2] (presentato in Italia per la prima volta al Festival Intercity di Sesto Fiorentino nel 1997, per la regia di Barbara Nativi), che costituisce il debutto di Sarah Kane sulla scena londinese nel 1995, critici e spettatori restano inorriditi. Opinioni contrastanti contornate da un fortissimo battage mediatico e, a fase alterne, il menzionare quel «gran banchetto di oscenità» (espressione adottata dalla critica del tempo) che lascia intendere come non sia stata immediatamente compresa l’intenzione di parallelismo con le violenze subite dai bosniaci durante la guerra.

Blasted non è facile da guardare, tantomeno favorisce un’immediata immedesimazione nei personaggi o nella storia. L’obiettivo di Sarah Kane è di mettere il pubblico di fronte a una realtà che preferirebbe evitare, nel modo più audace, crudo ed esplicito possibile, è cercare di porre in primo piano la brutalità fisica e sessuale, operando un «confronto tra gli stupri perpetrati nel testo e quelli di massa ammessi dalla politica serba nell’ottica di una pulizia etnica»[3], abusi che, differentemente a Bosnia e Cina, vengono adottati come arma di guerra per degradare le donne musulmane.

Le realtà della guerra vengono molte volte nascoste, anche deliberatamente, così come per le riprese della guerra del Vietnam che hanno indirizzato il pubblico americano contro di essa alla fine degli anni '60 e all’inizio degli anni '70. La guerra è ripulita per un pubblico “civile”. Molte persone non vogliono nemmeno sapere cosa succede veramente in guerra, cosa fa veramente alle persone. Vogliono che la guerra sia un affare giusto ed eroico, come in quasi tutti i film di guerra. I film di guerra sono propaganda sciovinista e disonesta che presenta la guerra come sfondo per narrazioni eroiche sul bene che trionfa sul male.

Kane voleva mettere il pubblico di fronte all’orribile realtà della guerra, volendo far vedere che è radicata nella violenza quotidiana delle nostre vite private. Forse uno dei motivi per cui non vogliamo sapere com’è veramente la guerra è che inconsciamente ci si rende conto di quanta violenza è accettata nelle nostre fantasie domestiche e civili, quella che chiamiamo “vita normale”. La violenza e il trauma sono l’involucro in cui ognuno di noi si stratifica. Blasted fa luce su molte cose o molte sfaccettature diverse di una certa tematica: definisce come la violenza politica del mondo pubblico si rispecchi nella violenza domestica del mondo privato, il ciclo di vittimizzazione che porta le vittime a diventare carnefici, creando sempre più vittime – e quindi più carnefici – e come ognuno di noi è una vittima, un passante e un carnefice. Riguarda l’uso e l’abuso del potere.

Lo stupro è di fatti il fulcro dell’intero dramma e in Blasted, Kane rappresenta il modo in cui si evidenziano tali episodi per consolidare l’idea dello stupro come arma per eccellenza con cui si rafforza il divario sociale tra uomini e donne non solo nel mondo moderno, ma dagli albori delle civiltà. Si esaspera una nuova prospettiva del “rape in general”, fenomeno trans-storico che coagula le pratiche di violenza nei confronti delle sole vittime femminili, riproducendolo mediante vere scene di stupro fisico, vividamente descritte e rappresentate dal corpo maschile femminilizzato prima in Ian e poi nella vittima Cate. Così facendo, va rinforzando il binario oppositivo uomo-donna e il gap sociale, oltre che storico, del silenzio dello stupro: nelle scene dell’opera ciò che colpisce maggiormente non è la pura cruda violenza in sé per sé, attorniata dalle considerazioni su guerra, questioni di genere e società in arresto cardiaco, bensì l’insistenza esplicita, quasi coinvolgente, in cui il pubblico si trova ad assistere. Nei quattro diversi atti si assistono a quattro modalità differenti di stupro, un’insistenza che genera un senso di disfunzionalità intima.

Di seguito l'articolo prosegue con dettagli della trama e del finale. 

Leggere di più


Carlo Vanoni: un narratore di arte contemporanea che fa letteratura

Da poco è uscito il nuovo libro di Carlo Vanoni, precisamente un romanzo, pubblicato sempre con la casa editrice Solferino. Naturalmente, si sta facendo riferimento a I cani di Raffaello.

Carlo Vanoni
La copertina del romanzo di Carlo Vanoni, I cani di Raffaello, pubblicato da Solferino (2021) nella collana Narratori 

Per chi non lo conoscesse, Vanoni è un bravissimo critico d’arte contemporanea, un curatore di mostre, uno storico dell’arte, che vive a Milano e qui ha ideato il BienNoLo, la Biennale d’arte milanese. Ha portato a teatro spettacoli di grande successo, come per esempio L’arte è una caramella e I migliori quadri della nostra vita. Eppure, in questa sede privilegiata, si farà riferimento ad un po’ tutta la produzione scritta di Vanoni e a quell’abilità di particolare rilievo che ha questo critico esperto d’arte contemporanea. Sarà certamente un compito arduo, ma necessario perché è incompleto parlare di Vanoni scrittore, senza citare il Vanoni narratore. Che scriva bene è ineccepibile, ma che sia un bravo narratore e divulgatore è la ragione per cui sia anche un bravo scrittore. Perciò si deve partire di qui.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Carlo Vanoni (@carlo__vanoni)

Con la Solferino, ha pubblicato in tutto tre libri, di cui l’ultimo, che ha sempre l’arte come elemento fondamentale, come storia principale, come magistra vitae, un po’ come nella sua intera produzione. Il romanzo in questione, il primo dello scrittore, parla per l’appunto di un professore d’arte contemporanea all’Università Ca' Foscari di Venezia, dove il giovane Vanoni ha affrontato i suoi studi in Sociologia e, poi, in Conservazione dei Beni Culturali. La storia non è affatto male, specie perché tocca tematiche delicatissime, ma quello che davvero colpisce e fa breccia nel lettore non è tanto il contenuto, quanto il modo con cui è trasmesso. E quell’inserire abilmente l’arte negli aspetti del quotidiano, fino a confondere i due aspetti. Ecco che meglio si comprende la sua bravura, questa sua capacità (affatto comune) di scrivere d’arte, mentre parla di tutt’altro. Anche solo la passeggiata sovrappensiero per le strade di una città può diventare un escamotage per parlare di arte, perché essa è così tanto radicata nel comune, nel quotidiano, che non può sfuggire agli occhi di un cercatore di tesori come Vanoni. Quindi, partire dal solito, per giungere all’insolito, all’inaspettato, come se ogni scusa fosse buona per parlare d’arte, innanzitutto contemporanea.

La copertina del libro di Carlo Vanoni, A piedi nudi nell’arte. Una passeggiata alla scoperta dei capolavori antichi e moderni, pubblicato da Solferino (2019) nella collana Tracce

E mai come adesso si avverte la necessità di qualcuno che ci spieghi che l’arte non ci deve necessariamente commuovere, che è un allenamento intellettuale, un modo in linea con i tempi per spiegare la contemporaneità:

«Oggi tutto è diventato arte – scrive Vanoni nel suo libro A piedi nudi nell’arte, pubblicato sempre con Solferino nel 2019 – tranne l’arte contemporanea: quella per molta gente non lo è ancora».

E allora questo critico in jeans tenta di spiegarcela, e ce la spiega con semplicità, in modi che difficilmente si possono scordare o possono risultare incomprensibili. Per esempio, non scorderemo che abbia conquistato una giovane, intelligente quando avvenente commessa, parlando di Duchamp!

Carlo Vanoni
La copertina del libro di Carlo Vanoni, Andy Warhol era calvo, pubblicato da LINEA edizioni (2016)

È una tecnica puramente narrativa che usa anche per i suoi articoli brevi, scritti per conto della rivista ArteiN World, per la quale ha una rubrica che si intitola Andy Warhol era calvo. 2500 battute in totale libertà sull’arte, talvolta 5000, che si rivelano un viaggio appassionante e inedito nel mondo dell’arte, adatto ad esperti e a profani. Alcuni di questi articoli, Vanoni li ha raccolti nel suo primissimo libro (pubblicato con LINEA edizioni), che ha lo stesso titolo della sua rubrica, creando un piccolo e innovativo saggio sull’arte contemporanea. Anche qui parte dalla sua quotidianità e, mentre è sotto l’ombrellone, nel bel mezzo della calura estiva, ci viene a parlare di Anish Kapoor, mentre è ad un party esclusivo rinuncia ad una donna preda del suo fascino per spiegare che l’arte non deve far commuovere ad un gruppo di testardi festaioli. Che poi la donna gli sia sgusciata via è stato motivo di rammarico, ma così va nel mondo quando si vuol fare giustizia!

Carlo Vanoni
La copertina del libro di Carlo Vanoni, Ho scritto t’amo sulla telapubblicato da Solferino (2020) nella collana Tracce

Rende l’arte il motore del racconto, quasi accidentale materia di narrazione, una digressione quasi inaspettata. Unisce la cultura alta alla popolare, e lo fa con il cipiglio del giornalista culturale. Usa un linguaggio immediatamente comprensibile, per parlare di qualcosa di altamente complicato. E con Vanoni quella materia magmatica che è l’arte ci pare quasi più comprensibile. Possiamo avvicinarci ad essa con maggiore consapevolezza, con il proposito di lasciarci stupire. Questo suo primo romanzo non sarà il libro migliore, però continua su questa scia. Probabilmente, quello in cui meglio ha manifestato questa sua dote e, quindi, il miglior libro a parere di chi vi scrive, è Ho scritto t’amo sulla tela. Una storia dell’arte tascabile, adatta a tutti i tipi di lettore, perfino a chi di arte non si è mai interessato, e scritta dal punto di vista di chi ha amato e conosciuto le tante donne di alcuni dei quadri più famosi, fino all’oggi, al contemporaneo. Ed è un amore contagioso il suo, ci fa quasi desiderare di poter viaggiare nei secoli e amare ogni donna dipinta. Un viaggio nell’arte che non può non conquistare innanzitutto noi. Un po’ come accade sempre, leggendo questo bravissimo narratore.

Caravaggio, Suonatore di liuto (1596-7 circa), olio su tela (100×126,5 cm) Wildestein Collection in prestito al Metropolitan Museum of Art, New York. Foto Flickr di Rodney, CC BY 2.0

Il dio del labirinto di Colin Wilson, il mistery gotico edonista

Il dio del labirinto di Colin Wilson, il mistery gotico edonista

Su ClassiCult Colin Wilson è una presenza fissa grazie allo straordinario lavoro di Carbonio Editore. Da poco infatti ha raggiunto le libreria italiane Il dio del labirinto, romanzo conclusivo della trilogia di Gerard Sorme. Personaggio precedentemente conosciuto in Riti Notturni e L'uomo senza ombra. La trilogia, appartenente all'apprezzatissima collana Cielo Stellato, è stata tradotta da Nicola Manuppelli.

Outsider dell'underground londinese, scrittore prolifico, romanziere misantropo o sprezzante letterato anti-moderno, filoso neo-esistenzialista, cultore della poesia ermetica e delle profezie, profeta alchemico, adepto di Howard Philips Lovecraft, xeno-archeologo o semplicemente labirinto di citazioni, echi, fenomeni artistici e deliri culturali. Wilson fu un po' tutto, e forse i suoi voli pindarici morbosi e ispiratissimi plasmarono la figura del suo suadente alter ego Gerard Sorme.

Il dio del labirinto Colin Wilson
La copertina del romanzo Il dio del labirinto di Colin Wilson, tradotto da Nicola Manuppelli e pubblicato da Carbonio Editore (2021) nella collana Cielo stellato

Il dio del labirinto

Il dio del labirinto è forse è uno dei lavori più maturi di Wilson: echi gotici e dissacranti convivono con l'innata grazia dell'ordinaria facciata della società. Lo sappiamo tutti d'altronde, dietro a qualsiasi civile apparenza vive nell'ombra una setta medievale occulta. Sorme cade in una spirale affascinante in cui probabilmente vuole rimanere intrappolato, ma procediamo con ordine. Venerato dagli ambienti culturali e con la fama di scrittore affermato, il nostro dandy londinese è una figura che qualsiasi editore vorrebbe ingaggiare. Ma per avere sul libro paga Sorme non bastano cifre vertiginose, ma vere sfide che conducono all'oblio.

Sorme dovrà perdersi dentro un labirinto di indizi e storie per scoprire la verità intorno all'esecranda figura di Esmond Donelly. L'irlandese Donelly a quanto risulta fu un esploratore dei piaceri carnali, piaceri condotti attraverso le bianche membra di vergini pudicissime e figlie del parroco di Moycullen. Donelly è un personaggio che meriterebbe un romanzo tutto suo viste le sue amicizie: Rousseau, il padre del romanzo gotico Horace Walpole e Byron.

Il dio del labirinto è un thriller mistery dall'anima alchemica e sensuale, evocato dalla polvere di antichissime biblioteche in cui Sorme studia o quando girovaga per luoghi innominabili dove si celano verità da non conoscere.  Un romanzo inedito di Wilson che rende a pieno le capacità dell'autore, capace di stratificare connessioni narrative e complessità filosofiche con naturalezza e padronanza. Il dio del labirinto è un romanzo da leggere con piglio archeologico, bisogna scavare oltre le apparenze e le superfici per cogliere lo spirito di Wilson e scoprire livelli di lettura inaccessibili.

Ne vogliamo ancora

Non solo aspetti sessuali e criminali tipicamente ricondotti ai lavori precedenti dell'autore inglese, in questo romanzo si può scorgere una vera ricerca filologica della condizione (non) umana. Un Wilson  affine alle teorizzazioni teosofiche di Religione e ribellione dunque. Il romanzo è pervaso da una sacralità di derivazione new age a cui si affianca in parallelo una carnalità sadiana irriverente e rimodernizzata nonostante la matrice ottocentesca del contesto.

https://www.classicult.it/religione-e-ribellione-ritorno-outsider-colin-wilson/

La potenza del testo verte sulla spersonalizzazione del protagonista, Sorme in Il dio del labirinto sembra essere un qualcosa che vola oltre i canoni della ragione. Wilson scrive anomalie e storie dal realismo distorto o forse inventa un "quotidiano surrealismo" in cui autore-personaggio vengono subliminati in altri agenti dello storytelling. Nelle pause, nei paragrafi, nei dialoghi e in altri personaggi che troviamo "nuovi Sorme" e nuovi alter ego di Wilson. Una brillante prova di scrittura creativa o manifesto non-fiction per trasgredire il reale?

Articoli correlati su Colin Wilson:

https://www.classicult.it/religione-e-ribellione-ritorno-outsider-colin-wilson/

https://www.classicult.it/la-gabbia-di-vetro-di-colin-wilson-matrimonio-del-cielo-e-dellinferno/

https://www.classicult.it/riti-notturni-di-colin-wilson-ritorno-a-whitechapel/

Il libro recensito è stato cortesemente fornito dalla casa editrice.


La spirale del tempo nelle steppe dimenticate dagli Dèi. Hamid Ismailov e La fiaba nucleare dell'uomo bambino

La spirale del tempo nelle steppe dimenticate dagli Dèi. Hamid Ismailov e La fiaba nucleare dell'uomo bambino

Le storie senza tempo affascinano l'uomo da sempre. Si ascoltano antichi cantori con lo sguardo narcotizzato dal mito, le pergamene ci tramandano verità scalfite dal passare dei secoli o bugie di polvere e ricordi sbiaditi. Oggi è difficile rimanere incantanti davanti a una storia dal cuore ancestrale, dalle radici profondissime e di cui è impossibile decifrare il disegno intricato delle origini. Tuttavia la giovane realtà editoriale di Utopia riesce nell'impresa consegnandoci un esempio di realismo magico kazako-ubzeko dal fascino primordiale. Il testo in questione è La fiaba nucleare dell'uomo bambino ( in originale: Вундеркинд Ержан, Erzhan il prodigio) di Hamid Ismailov, autore ubzeko che con il lirismo arido della steppa kazaka racconta un mondo tragico sospeso tra furore immaginifico e dramma storico.

Il romanzo breve di Ismailov inizia in un vagone di un treno che attraversa il silenzio immobile della steppa kazaka. Un uomo incontra un bambino prodigio che suona il violino con una maestria vertiginosa, ma quel bambino che ha poco più di dieci anni è già un uomo dal passato nebuloso. Agli interrogativi dell'anonimo viaggiatore risponderà Erzhan che inizierà così a raccontare la sua infanzia e il mistero della sua eterna giovinezza. Cresciuto in una stazioncina che corteggia i binari dei treni Erzhan è un bambino educato dai genitori e dai nonni mentre cerca di tenere la tenera Ajsulu, la figlia dei vicini, tutta per sé. Incatenato alla steppa degli stati satelliti dell'URSS (in piena guerra fredda) Erzhan coltiverà la passione per la musica insieme al sacro terrore per la Zona, un territorio perennemente bombardato da ordigni nucleari che infettano il cielo e poi la terra.

La fiaba nucleare dell’uomo bambino Hamid Ismailov
La copertina del romanzo breve di Hamid Ismailov, La fiaba nucleare dell’uomo bambino, pubblicato da Utopia Editore nella collana Letteraria Straniera

Un giorno Erzhan si tuffa in un lago nato proprio dalla voragine di un'esplosione. Da quel momento in cui ha bagnato le membra nello smeraldo radioattivo del "dead lake" smetterà di crescere. La trasgressione della realtà subentra prepotentemente nella razionalità chiedendo al lettore una sospensione dell'incredulità. Ismailov gioca con le nostre aspettative e decolonizza il proprio paese dall'esotismo mistificante tipico degli occidentali. In queste steppe la spirale del tempo si è fermata, non perché ancorata ad antiche tradizioni e credenze folkloriche bensì qualcosa si è spezzato. Il cortocircuito tra tempo-animismo-progresso vive con ineluttabilità in Erzhan, capace di sopravvivere soltanto grazie alla musica. Il dramma umano e intimista diventa sociale e generazionale, le steppe kazake infatti sono ancora massacrate dalle radiazioni e gli dèi hanno abbandonato il vento che sibila tra le sterpaglie. La fiaba nucleare dell'uomo bambino vive in un dualismo contradditorio e affascinante perché conserva gli stilemi e i ritmi dei racconti mitici dei popoli nomadi ma racconta la fine di un'epoca e la perdita stessa della terra, dell'identità e di una coscienza collettiva.

Hamid Ismailov perpetra il suo intento retorico e fiabesco grazie anche ad altri espedienti, ovvero calcando il ritmo delle Byliny russe (canti epici) nella fattispecie le narrazioni drammatiche del tipo "lamentazioni" come Il pianto della distruzione di Rajzan'. Nel componimento appena citato gli antenati dei kazaki (l'Orda d'Oro discendente di Gengis Khan) distruggono le città di Rajazan e Kiev e portano al massacro il popolo dei Rus'. C'è un dualismo interessante, se nei componimenti medievali c'è la frapposizione tra male e il bene (cristianesimo ortodosso e religione dei barbari) ne La fiaba nucleare dell'uomo bambino c'è la lamentazione dello scontro Occidente e Oriente, moderno e tradizionale, intimista e nazional-popolare, sano e radioattivo. Hamid Ismailov canta, celebra e critica la propria terra d'origine e forse il fascino di questo romanzo-fiaba risiede in tutte le contraddizioni interne nascoste dal sortilegio del prodigioso violinista delle steppe.

Il libro recensito è stato cortesemente fornito dalla casa editrice.


Edipo La serata a Colono Elsa Morante

La serata a Colono, l'Edipo di Elsa Morante

La serata a Colono, l'Edipo di Elsa Morante

Alberto Moravia Elsa Morante La serata a Colono Edipo
Alberto Moravia ed Elsa Morante a Capri negli anni quaranta. Foto in pubblico dominio

Il 18 agosto 1912 nasce a Roma la scrittrice Elsa Morante. Moglie di Alberto Moravia, sposato nel 1941, con cui avrà una storia viscerale e sofferta, esordisce con la raccolta di racconti Il gioco segreto. Durante un lungo soggiorno a Capri, riprende in mano Menzogna e sortilegio saga familiare, dove insanabile è il contrasto fra realtà e illusioni, un volume di oltre 700 pagine partorito poi nel 1948, che la celebrerà con il premio Viareggio. Nel 1957 vince il Premio Strega, L’Isola di Arturo, romanzo nel quale ormai si delinea la sua scrittura poetica e realistica, con personaggi umili e di impatto che, come lei, scardinano il sistema conformistico per svelare il senso di un’umanità incompiuta. È nota per altre pubblicazioni come i racconti de Lo scialle andaluso e l’epopea collettiva La Storia, uscito tardo nel 1974 dopo un faticoso lavoro.

Busto di Sofocle al Museo Pushkin. Foto dell’utente Wikipedia ShakkoCC BY-SA 3.0

Nel 1968 Elsa Morante pubblica una rielaborazione dell’Edipo a Colono con il titolo La serata a Colono, che compare nel volume Il mondo salvato dai ragazzini, diviso in tre sezioni (Addio - La commedia chimica - Canzoni popolari) che raccoglie opere di vario tipo. Il sottotitolo «parodia»[1], così definito dalla stessa Morante, è un termine che allude al serio e al ridicolo, spiegato nel suo significato letterario – etimologico come controcanto o canto parallelo.

Edipo a Colono, Incisione di Antoine- Alexandre-Theodore Giroust. Iconographic Coll. folder 6357. Immagine Wellcome Images di Wellcome TrustCC BY 4.0

Una parodia amara, in cui la scrittrice ricerca l’autonomia dal mito, contaminandolo con varianti originali, concetti esistenziali e culturali di cui i personaggi sono portatori. Il testo, destinato alla sola lettura, è calato nella contemporaneità in un modo assai più tragico di quello sofocleo. Atto unico, modellato sull’influsso teatrale di Artaud: una città sconosciuta del centro-sud d’Italia, la scena si apre in un ospedale moderno (più precisamente siamo nel corridoio del reparto neuro-deliri, al piano terra), un Edipo cieco e malato di demenza senile e Ninetta, una “bambinetta”, fedelissima al padre, solo da lui chiamata Antigone:

 

EDIPO

[…] un vecchio accattone, ammasso di miserie infami, che invece d’occhi ha due coaguli di sangue,

accompagnato da una zingarella semibarbara e di pelle scura

/ come lui

 

povera guaglioncella malcresciuta per colpa della sua nascita, che in faccia ha i segni dolci e scostanti delle creature

di mente un poco tardiva.[2]

 

Edipo e Antigone sono gli unici due personaggi di questo dramma insieme al terzo grande personaggio, il Coro; gli altri sono comparse. L’azione viene spostata negli anni ’60, quindi più che memori eroi della tragedia classica, sono uomini dei nostri tempi. Edipo, un vecchio logorroico (parla in un linguaggio sovrabbondante, fastidioso ma allo stesso tempo evocativo), è esibito in un personaggio delirante (il tema del delirio è il coagulante dell’opera) alla ricerca del suo essere re, ma alla fine si abbarbica alla decadente ambizione della solennità.

Ninetta è, al contrario, una fanciulla semicolta, dall’aspetto quasi barbaro-popolare, che parla una lingua dialettale[3], come uno dei ragazzi di Pasolini. Si trova ad assistere, come Arturo, alla caduta del mito paterno. Si fronteggiano un padre e una figlia, un uomo anziano dell’età di 63 anni e una giovanissima di 14 anni. Ninetta ha qualcosa di Nunziata, la sposa bambina che Wilhelm porta sull’isola e che seduce il figlio Arturo con la sua conoscenza intuitiva della vita e dei suoi valori. Antigone è una F.P., cioè una dei felici pochi[4], ancora una vergine in senso religioso.

Il coro ha un’importanza fondamentale, perché ha il ruolo di commentare con frasi senza senso, al limite del surrealismo e del nonsense: il coro è il simbolo di un’opinione pubblica svuotata e divorata da se stessa, senza più parametri di giustizia sociale. Il dramma inizia proprio con questo coro di corpi folli e malati, che non hanno più nessun autocontrollo.

 

CORO

E la casa, kaputt! Buon giorno come va? Buon giorno come va? Su quattrocentocinquanta concorrenti – Fuoco! – Buon giorno come va? Lei non ha rispettato il segnale di stop – Io non devo pensare non devo pensare

Su quattrocentocinquanta concorrenti – Il cuore si è fermato. Io non devo pensare non devo pensare non devo pensare non devo pensare non devo pensare –

Perché la pasta era scotta. Un momento. Posso fare un grande respiro per favore? Grazie. Un momento. Adesso va meglio. E la casa, kaputt! Buon giorno come va?

Siamo tutti militari!!! Un momento la tibì – perché quando l’ostia sanguina è un segno d’importanza. – Lei che vuole da me?! Un momento un momento un momento. Un momento. Un momento.

Che atto notarile? Il cuore si è fermato – Buon giorno come va? – Con la maschinenpistole. Lago Tana siamo in Africa Siberia fortino in Africa – Voglio andare con la Vespa tutta una tappa come al Giro – Fuoco! – Posso respirare per favore? Grazie. Ne taglio un pezzo? Sti bei ricordi di gioventù Bambi Disney, Un momento un momento. Per ragioni di sicurezza. – Qua c’è un olografo con data successiva. – Con la maschinenpistole. Lunedì sera.

Li conosci tu gli scheletri americani?

Ahia! Ahia! A TLATELOLCO. Lei che vuole da me?! Un momento un momento – Posso fare un respiro, per favore? Grazie. Adesso va meglio – Io non devo pensare non devo pensare.[5]

 

Tra le novità della scrittrice c’è l’introduzione di moderni personaggi che hanno il compito di attualizzare la vicenda: tre guardiani, rappresentanti del potere, il cui esercizio è debole; due portantini; una suora, alla cui cura è affidato il paziente, ma si rivela una donna ipocrita e un po’ cinica, perché finge un amore caritatevole che non corrisponde alla realtà; un medico, un personaggio assolutamente negativo, in quanto rappresenta una scienza lontana che non presta servizio alle reali necessità dell’uomo malato. Il Guardiano legge il referto medico con cui Edipo è già stato ricoverato e congedato da un precedente ospedale psichiatrico e che la figlia porta con sé credendolo un miracoloso lascia passare.

Nel referto Edipo viene catalogato secondo criteri clinici e sociologici; dall’altro lo stesso profilo di Edipo è fornito dal punto di vista di Ninetta con un’amorosa arringa difensiva. Il referto medico porta su di sé tutti i segni dell’emarginazione e della caduta (vecchio, cieco, malato, drogato, alcolizzato, pazzo). Il referto viene descritto con lo stesso stile linguistico con cui Edipo parlerà: stereotipi verbali, citazioni classiche, manierismi ecc.

Edipo, però, non è solo una vittima, ha avuto un potere, ha combattuto in guerra, ha compiuto atti di violenza. Un padre che non è solo pazzo, drogato o alcolizzato ma ha letto tutti i libri, dice Antigone, è un poeta, come poeti pazzi sono quelli citati dalla Morante alla fine della Serata a Colono, Allen Ginsberg e Friedrich Hölderlin. Un poeta che vive nella sua agonia una crisi devastante di realtà, proprio come si percepiva la Morante in quel momento della sua vita. Questa proiezione di Elsa in Edipo, e poi in Antigone, è dimostrato in alcuni punti del testo dove vi sono rimandi letterari al mito. Ad esempio quando compare il medico per visitare Edipo, questi lo scambi per Teseo di Atene; appena il vecchio si rivolge con queste parole, il dottore si trasforma proprio in Teseo di Atene e gli risponde con le parole di Sofocle.

 

EDIPO (rivolto in direzione del DOTTORE) Chi sei tu?

Mi pare di riconoscerti Alla corona d’oro

Che porti…

 

 

IL DOTTORE (irrigidendosi d’improvviso come un fantoccio di legno,

e con una voce sincopata e meccanica, ti timbro diverso dalla sua di prima)

Io sono

il re di questo paese. Anch’io ti riconosco alle orbite svuotate e

/sanguinose dei tuoi occhi

o punitore di te stesso, disgraziato figlio di Laio.

da molti mi è stata riferita la tua storia, con la notizia del tuo prossimo arrivo.[6]

 

Questo Edipo si chiede se la maledizione esista per davvero, ripercorre la sua stirpe, cita i nomi di Laio e del padre prima di lui: un uomo senza pace, assurge a figura chiave dell’uomo contemporaneo, che ha perso il sonno e le certezze, reduce di un lunghissimo pellegrinaggio, preferisce il delirio all’ipocrita sanità. Allo stesso modo quando per la prima volta in ospedale arriva una suora, Edipo la accoglie con le parole con cui, nell’Edipo a Colono, annuncia l’arrivo di Ismene.

 

EDIPO (seguitando c.s.)

… La riconosco! Antigone? Non è proprio lei? Non è la tua sorella maggiore

la mia figlietta più grande, la mia Ismene?...

 

LA SUORA (c.s. annuendo in fretta – in un sorrisetto malizioso e ammonitore verso Antigone – e con la sua voce naturale, appena un po' caricata)

Sí, sí sono io! eccomi qua! sono proprio la figlia vostra Ismene! eccomi qua![7]

 

Tra padre e figlia c’è una prossimità fisica, una vicinanza dei corpi, un riconoscimento fisico, ma il dialogo è qualcosa di impossibile. Ecco perché Morante definisce il testo un “monologo”, sebbene in realtà ci siano ben due monologhi, uno di Antigone che canta e celebra la realtà nelle sue forme più elementari, nella sua infinita ricchezza, nella sua varietà, nella sua alternanza di morti, di gioia, di sofferenza; per gran parte della serata Antigone cercherà di rispondere alle domande angosciose di Edipo, «Chi sei tu, che stai là davanti, abbaiando con / tre bocche e un corpo solo?»[8]; la bambina avrà il compito di rispondere al delirio del padre con una parvenza di realtà consolatoria familiare a tratti celebrativa e giocosa. Il primo esempio:

 

EDIPO

Queste traversate enormi di tanti equatori

mi s’alternano con un’altra nausea: le misure piatte d’un insetto che cammina dentro una crepa.

non voglio più davanti questo muro sbieco di calce screpolata tutto strisciato di macchie e ronzante

di parole…Che lingua parlano? Dove mi trovo?!...

Dove m’avete portato?!

 

ANTIGONE

Quello non è un muro pa’

Quella

è una bella cancellata di rose

che voi non dovete stare a credere all’impressione vostra che quella è tutta la frebbe che vi fa confondere

le cose e i rumori ma perché quella

pa’ è la frebbe che ve li fa confondere.[9]

 

Ecco il secondo esempio:

 

EDIPO

Dove siamo?...

 

ANTIGONE (con voce spaurita e cantilenante)

Siamo

sotto a un bel chioschetto di piante pa’

dentro a una bella piazza forestiera che mica lo so come sia chiamata che è

forestiera

e qua questa piazza è formata tutta di bei giardini che alle sere adesso

è tutta una grande luminaria con le giostre e le orchestrine e gli induvini e i carretti!

e tutte cose! e ci sta pure un teatrino di pupazzi come giù a Pescheria e pure le montagne russe con le auto elettriche di tanti colori

e ci sta pure la lotteria con le strazioni dei premi e ci sta una folla di gente che compra tutte cose e passa e ripassa e discore con la famiglia

e s’attruppa e scherza con l’amichi e si diverte e va e viene.[10]

La serata a Colono Il mondo salvato dai ragazzini e altri poemi Elsa Morante Einaudi
La serata a Colono di Elsa Morante è contenuta nella raccolta Il mondo salvato dai ragazzini e altri poemi. Nell'immagine, l'edizione Giulio Einaudi Editore con prefazione di Goffredo Foti, pubblicato (2012) nella collana Letture Einaudi

A questa Antigone si affida il messaggio stesso dell’opera: rappresenta ancora una volta la nobiltà dell’offerta di fedeltà ad un padre ingrato. Alla fine Antigone è innalzata quale figura, sbiadita rispetto alla tradizione del mito, più vicina alla saggezza tipica dell’uomo moderno e con quel fare ieratico del modello originale: è colei che sente dal cuore e con il cuore e che esprime l’immagine più giusta del senso della vita. L’opera è stata rappresentata la prima volta il 17 febbraio 2013, per la regia di Mario Martone, al Teatro Argentina di Roma. Martone ha dichiarato che si tratta del testo «più misterioso e inafferrabile mai avuto tra le mani, indefinibile già nella forma, […] una drammaturgia da grande avanguardia del 900»[11].

Edipo a Colono Sofocle
Oltre alla serata a Colono di Elsa Morante, la tragedia di Sofocle ha ispirato molte altre opere, come questo dipintoEdipo a Colono, opera del pittore francese Fulchran-Jean Harriet (1778-1805), olio su tela (1798) conservato presso The Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio, Mr. and Mrs. William H. Marlatt Fund 2002.3, immagine CC0 1.0

La serata a Colono di Elsa Morante

NOTE

[1]  «Parodia» perché è un intreccio di fonti e citazioni, non solo prese da Sofocle, ma anche dall'Inno ebraico dei morti, dalle Istruzioni alle reclute, dalla Bibbia, dai Veda, infine citazioni da Torquato Tasso; ancora dalle poesie di Allen Ginsberg e di Marina Cvetaeva, dai poeti della beat generation, naturalmente da Hölderlin. Inoltre il termine attiva un’altra memoria, interna al sistema narrativo della Morante, nel precedente romanzo dell’Isola di Arturo (1957). Verso la fine della vicenda il protagonista Arturo segue suo padre fino alle soglie del penitenziario dell’Isola di Procida per cercare di scoprire il segreto che si cela dietro quest’uomo che ai suoi occhi è un essere venerato, irraggiungibile e misterioso come un Dio. Fa una scoperta a dir poco scioccante: il padre è impegnato in un colloquio amoroso con uno dei carcerati, che ai messaggi appassionati di amore risponde con un insulto terribile, «vattene parodia!». In quel momento esatto, Arturo, ascoltando tali parole, fa due esperienze opposte e ugualmente traumatiche: la prima, vive la caduta del mito paterno; la seconda, scopre un nuovo tipo di affetto che lo lega al padre nel momento in cui questo ai suoi occhi non è più una divinità intangibile, ma un povero schiavo d’amore umiliato e respinto. Qualcosa di simile accade in Serata a Colono. Cfr. FOFI in MORANTE 2012, p. V-XI.

[2] Cfr. MORANTE 2012, p. 63.

[3] Straordinaria invenzione morantiana, un dialetto di italiano popolare contaminato da una specie di italiano inventato, mescolato a vari dialetti dell’Italia centro-meridionale che si contrappone alla lingua dell’istituzione. A volte sembra che la bambina parli una sorta di dialetto napoletano che proietta una luce sulla dimensione del sud d’Italia. Cfr. FORNARO 2012a, pp. 149-152.

[4] A differenza dei I.M., Infelici Molti, i felici pochi sono ragazzini e ragazzine che hanno conservato l’innocenza, lo stato di natura, il candore e l’ignoranza non ancora intaccati dalla irrealtà del potere, dalle convenzioni sociali, e che per questo sono gli unici candidati possibili per salvare il mondo. Fofi chiarisce così il progetto morantiano di poesia come politica: «[…] “I ragazzini”, si vedranno costretti a far fronte all’ignominia della Storia – alla criminale cecità del Potere, alla sua capacità di piegare i corpi e ottundere le coscienze e alle tentazioni così pervasive di servirlo, di entrarne a fare parte sia pure da servi – […]. Il drago dell’irrealtà ha mille volti, spesso i più lusinghieri, e l’accettazione di quest’indegnità finisce sempre per coinvolgere i più, per farne degli Infelici. […] Gli Infelici Molti sono, nella visione di Elsa Morante, anzitutto gli adulti – gli accettanti. I Felici Pochi sono, tra i nuovi, coloro che sapranno vedere e di conseguenza agire, con la convinzione che quanto dà senso e dignità alla nostra esistenza è combattere il drago.» FOFI in MORANTE 2012, p. X.

La canzone degli F.P. e degli I.M. è presente nella terza parte del volume Il mondo salvato dai ragazzini, suddivisa in tre parti. MORANTE 2012, pp. 131-157.

 

[5]Cfr. MORANTE 2012, pp. 39-40.

 

[6] Cfr. MORANTE 2012, p. 57.

[7] Cfr. MORANTE 2012, pp. 74-75.

[8] Cfr. MORANTE 2012, p. 52.

 

[9] Cfr. MORANTE 2012, p. 55.

[10] Secondo la studiosa morantiana Concetta D’Angeli, questi tentativi di parlare al padre sono definiti «favole di consolazione». Cfr. MORANTE 2012, p. 62.

[11] L’intervista integrale è presente sul sito http://www.teatrodiroma.net/doc/2228/mario-martone.

 

La serata a Colono di Elsa Morante

BIBLIOGRAFIA

ALONGE, Antigone volti di un’enigma. Da Sofocle alle brigate rosse, Bari 2008.

BELARDINELLI – GRECO, Antigone e le Antigoni, Milano 2010.

BUTLER, Antigone’s Claim. Kinship Between Life and Death, New York 2000. Traduzione italiana a cura di Isabella Negri: La rivendicazione di Antigone. La parentela tra la vita e la morte, Torino 2003.

DI NICOLA, Nostalgia di Antigone, Torino 2010.

FORNARO, Antigone. Storia di un mito, Roma 2012a.

FORNARO, L’ombra di Antigone dal nazismo agli “anni di piombo”, Tübingen 2012b.

MORANTE, La serata a Colono, in Ead. Il mondo salvato dai ragazzini, Torino 2012, pp. 35-108.

 

La serata a Colono di Elsa Morante

ARTICOLI CORRELATI:

https://www.classicult.it/riflessione-politica-edipo-a-colono-sofocle/


La femminilità, una trappola | Simone de Beauvoir tra vita e letteratura

La femminilità, una trappola | Simone de Beauvoir tra vita e letteratura

Simone Lucie Ernestine Marie Bertrand de Beauvoir. Foto di NiaVasileva, CC0

A partire dal secolo scorso, la sociolinguistica ha comparato i comportamenti linguistici di uomini e donne. Ciò che ne è emerso può sorprendere: le donne tendono più degli uomini ad usare forme di prestigio e a scegliere varianti linguistiche conservative. Non è tutto: le donne deviano meno degli uomini dalla norma linguistica quando le deviazioni dallo standard sono apertamente censurate, di più quando non lo sono. Il primo fenomeno prende il nome di stereotipo di genere, il secondo di paradosso di genere[1]. Di certo gli atti linguistici delle donne hanno un debito con la loro educazione e con il loro posto nella società. Quando Simone de Beauvoir scriveva La femminilità, una trappola (oggi pubblicato in Italia da L'Orma) la sociolinguistica non esisteva ancora, ma lei già stava cogliendo le premesse culturali dello stereotipo e del paradosso di genere.

Il bambino maschio impara presto che, per guadagnarsi la stima degli adulti, non deve sforzarsi di compiacerli troppo. Dev’essere forte, autonomo, avventuroso, deve cercare di conquistare il mondo e dominare i compagni. La bambina invece è incoraggiata da genitori, insegnanti, amici, di fatto dal mondo intero, a sviluppare il suo potere di seduzione, a essere aggraziata, ben vestita, educata. Queste richieste le impediscono di godersi i piaceri del gioco, dello sport e dell’amicizia con la stessa spontaneità dei compagni maschi. Inizia a crearsi un circolo vizioso: più si conforma con docilità all’ideale che le è stato imposto, meno sviluppa le sue potenzialità personali e meno troverà delle risorse dentro di sé.[3]

 

View this post on Instagram

 

A post shared by L'orma editore (@lormaeditore)

La trappola della femminilità

Simone de Beauvoir denuncia come alle bambine sia insegnato a conformarsi: il loro successo consiste nel piacere a qualcuno, non nel diventare qualcuno. Il giudizio su di loro come adulte sarà tanto più positivo quanto più sapranno conformarsi all’ideale di femminilità. La più alta aspirazione che la società insegna loro di avere è collocarsi di fianco ad un uomo, perché al contempo le invita a non approfondire le proprie risorse personali: in altre parole, insegna loro a non scommettere su se stesse. E il modo più semplice per assicurarsi un posto accanto ad un uomo è conformarsi all'ideale di femminilità richiesto dal mondo maschile. Quello che prevede che una donna sia seducente nella misura in cui la sua fragilità permette all’uomo di esercitare la propria forza. Ma rientrare in tale stereotipo per assicurarsi una vita sentimentale soddisfacente ha il suo prezzo.

la femminilità una trappola Simone de Beauvoir
La copertina della raccolta La femminilità, una trappola. Scritti inediti 1927 - 1983, di Simone de Beauvoir, con un testo di Annie Ernaux e traduzioni di Elena Cappellini, Beatrice Carvisiglia, Camilla Diez, Claudia Romagnuolo, Elena Vozzi, pubblicato da L'Orma (2021). Foto di Sofia Fiorini

La dicotomia del destino femminile

La trappola della femminilità che dà il titolo alla raccolta consiste appunto in questo. Si tratta di una dicotomia che sembra essere senza uscita. Le donne che scelgano di mettersi in gioco nel mondo, che puntano a un ruolo di potere nella società o che semplicemente vogliano far sentire la propria voce, corrono il rischio di allontanarsi irrimediabilmente dal modello di donna “amabile”. Di fronte a una donna forte, denuncia de Beauvoir, l’uomo si sentirebbe derubato di una parte di dolcezza nella sua sfera privata. Al contrario, la donna che non intenda rinunciare ad incarnare questo stereotipo dovrà rassegnarsi a sacrificare la sua crescita personale.

È una dicotomia che oggi sembrerà superata al lettore. Ma forse è una ferita che ancora non è rimarginata nella psiche femminile, se è vero che riemerge in forma distopica nel romanzo contemporaneo. Solo la più recenti delle distopie basate su estremizzazioni della femminilità è Biglietto Blu di Sophie Mackintosh, in cui una lotteria assegna alle donne il destino – la maternità o la carriera – in modo inappellabile.

Sul ruolo della letteratura

Foto di Sofia Fiorini

La femminilità, una trappola, l’articolo del 1947 che dà il nome alla raccolta recentemente pubblicata da L’Orma in Italia, è solo uno degli undici scritti inediti che il volume riunisce. Redatti da de Beauvoir tra il 1927 e il 1983, offrono un quadro completo e a tratti inedito della personalità artistica dell’autrice. Si tratta di articoli, interviste e lettere che spesso assumono anche la funzione di pubbliche prese di posizione. Leitmotiv della raccolta è la riflessione, che più spesso si fa azione pratica, sulla femminilità. Ma il volume ci consegna anche formulazioni memorabili dell'autrice a riguardo della letteratura. Così quando, durante un dibattito sul potere e i limiti della letteratura alla Maison de la Mutualité di Parigi, afferma che:

Esiste un’unica maniera di spingere al parossismo l’angoscia della morte, o dell’abbandono, oppure la gioia per un successo o l’esaltazione che prova un ragazzo davanti ai biancospini in fiore: la letteratura. Solo la letteratura può rendere giustizia alla presenza assoluta del momento, all’eternità del momento che sarà per sempre.[3]

La sua riflessione sulla letteratura oscilla tra la convinzione che la vita sia imprendibile e più grande di tutto e la speranza che le parole possano, se non "prenderla in scacco" come credeva Sartre, perpetuarla, rendendola eterna. E se è alle parole che Simone de Beauvoir dedica la sua vita è anche per far fronte a quel turbamento che deriva dal sentimento del tempo. L'angoscia che nasce dall'impossibilità di trattenere le impressioni - le singole sfumature dell'esperienza quotidiana che fanno la vera sostanza della vita - percorre i testi delle interviste come una vena d'opale. Un turbamento sotterraneo che si intravede dietro all'apparenza illuministica di una delle maggiori figure di  intellettali e attiviste del secolo scorso, e forse la vera spinta che rende la letteratura una sostanza insostituibile e irrinunciabile.

la femminilità una trappola Simone de Beauvoir
La copertina della raccolta La femminilità, una trappola. Scritti inediti 1927 - 1983, di Simone de Beauvoir, con un testo di Annie Ernaux e traduzioni di Elena Cappellini, Beatrice Carvisiglia, Camilla Diez, Claudia Romagnuolo, Elena Vozzi, pubblicato da L'Orma (2021)

[1] Vd. William Labov, La risoluzione del ‘paradosso di genere’ nello studio del cambiamento linguistico, in Palmira Cipriano, Rita d’Avino, Paolo di Giovine, a cura di, Linguistica storica e sociolinguistica, Il Calamo, Roma, 2000, p. 40. e Gaetano Berruto, Massimo Cerruti, Manuale di sociolinguistica, UTET, Torino, 2015, p. 30.

[2] Simone De Beauvoir, La femminilità, una trappola, L’Orma Editore, Roma, 2021, p. 37.

[3] Ivi, p. 95.

 

Il libro recensito è stato cortesemente fornito dalla casa editrice.