Dopo 200 anni torna da Brera a Ravenna il dipinto di Nicolò Rondinelli
Musei: MiC, dopo 200 anni torna a Ravenna il dipinto di Nicolò Rondinelli dalla Pinacoteca di Brera
Con “100 opere tornano a casa” i capolavori dell’arte statali escono dai depositi e tornano nelle sale dei musei
Il dipinto di Nicolò Rondinelli “San Giovanni Evangelista appare a Galla Placidia”, proveniente dai depositi della Pinacoteca di Brera di Milano, è tornato oggi dopo più di 200 anni al Museo Nazionale di Ravenna. L’opera è stata accolta al suo arrivo dal Direttore Regionale Musei Emilia-Romagna, Giorgio Cozzolino, dalla Direttrice del Museo Nazionale di Ravenna, Emanuela Fiori, dal Sindaco di Ravenna, Michele De Pascale e dall'Assessore alla Cultura del Comune di Ravenna, Fabio Sbaraglia.
La pala, realizzata per la basilica di San Giovanni Evangelista, celebra un miracolo legato alla consacrazione della chiesa, avvenuta all’epoca di Galla Placidia. L’episodio, raffigurato più volte in ambito ravennate, trova la più alta espressione per mano di Nicolò Rondinelli, formatosi a Venezia nella bottega di Giovanni Bellini. Le figure solenni e piene di grazia dell’augusta e dell’evangelista Giovanni, la raffinata quinta architettonica e la ricerca cromatica fanno dell’opera una dei più alti esiti della pittura romagnola tra Quattro e Cinquecento.
La tavola troverà collocazione, al termine di un nuovo allestimento, al primo piano del complesso monastico di San Vitale, nelle sale prospicienti il “grande dormitorio”, dove sono esposte altre opere provenienti dalla Chiesa di San Giovanni Evangelista, tra cui le lunette cinquecentesche con le Storie di Galla Placidia, affrescate da Francesco Longhi.
Il dipinto custodito al Museo Nazionale di Ravenna segue le altre quattro opere arrivate nei giorni scorsi nella città di Ferrara nell’ambito del progetto voluto dal ministro Franceschini “100 opere tornano a casa” per valorizzare il patrimonio storico artistico e archeologico italiano conservato nei depositi dei luoghi d’arte statali e per promuovere i musei più piccoli, periferici e meno frequentati.
Roma, 13 gennaio 2022
Articoli correlati:
https://www.classicult.it/musei-cento-100-opere-arte-tornano-casa-depositi-pubblico/
Testi e foto dall’Ufficio Stampa e Comunicazione del Ministero della Cultura
Prorogata al 3 aprile 2022 la mostra “Raffaello e la Domus Aurea”
Prorogata al 3 aprile 2022 la mostra “Raffaello e la Domus Aurea. L’invenzione delle grottesche”
Foto by Andrea Martiradonna. © All rights reserved Dotdotdot
Roma, 5 gennaio 2022 – Grande l’interesse per la mostra “Raffaello e la Domus Aurea. L’invenzione delle grottesche” che ha celebrato il cinquecentenario dalla morte di Raffaello Sanzio.
© Stefano Boeri Architetti, foto Lorenzo Masotto
Il consenso del pubblico ha portato alla proroga dell’apertura della mostra al prossimo 3 aprile (la chiusura era prevista il 7 gennaio 2022), permettendo a un ulteriore numero di persone l’opportunità di vivere questa particolare esperienza di visita caratterizzata da proiezioni digitali che coinvolgono l’intero spazio espositivo e uno storytelling sonoro realizzato in sincronia con il progetto visivo e interattivo.
https://www.classicult.it/la-domus-aurea-risplende-con-raffaello/
La mostra, dagli straordinari apparati interattivi e multimediali allestita nella Sala Ottagona della Domus Aurea e nei cinque ambienti circostanti, oltre alle Stanze di Achille a Sciro e di Ettore e Andromaca ancora preziosamente decorate, racconta la straordinaria storia della scoperta delle superfici affrescate.
Intorno alla metà del secondo decennio del Cinquecento, Raffaello (Urbino, 1483 - Roma, 1520) fu il primo artista rinascimentale a comprendere a fondo la logica dei sistemi decorativi della residenza neroniana, riproponendoli organicamente, grazie alle sue profonde competenze antiquarie, in numerosi capolavori ricordati in questa esposizione curata da Vincenzo Farinella e Alfonsina Russo con Stefano Borghini e Alessandro D’Alessio, promossa dal Parco archeologico del Colosseo e prodotta da Electa. Allestimento e interaction design sono di Dotdotdot.
La mostra è visitabile tutti i giorni, e dal venerdì alla domenica è compresa nella visita guidata del cantiere della Domus Aurea. Il Parco archeologico del Colosseo continua i lavori di restauro e di ripristino degli spazi, che beneficiano anche di un impianto di illuminazione completamente rinnovato che partecipa alla suggestione dei volumi e delle pareti affrescate, rendendo la visita della reggia neroniana sempre nuova.
Per info: raffaellodomusaurea.it
Foto dall'Ufficio stampa Electa e dall'Ufficio per le relazioni con la stampa PArCo – Parco archeologico del Colosseo
100 opere tornano a casa: alla Galleria Nazionale delle Marche anteprima del nuovo allestimento del II piano
100 opere tornano a casa. Dai depositi ai musei.
Alla Galleria Nazionale delle Marche un’anteprima del nuovo allestimento del II piano
100 opere tornano a casa: l’occasione dell’arrivo e dell’esposizione al pubblico delle cinque grandi pale provenienti dai depositi della Pinacoteca di Brera, è stato il pretesto per aprire al pubblico le prime tre sale del secondo piano della Galleria Nazionale delle Marche, anteprima del grande progetto di ampliamento e riallestimento degli spazi espositivi che sarà portato a compimento entro la prossima estate.
Queste opere, rientrate in territorio marchigiano nell’ambito del progetto “100 opere tornano a casa. Dai depositi ai musei” voluto dal Ministero della Cultura, sono tutte databili tra la seconda metà del Cinquecento e la prima metà del Seicento quindi destinate, nell’ambito della riorganizzazione degli spazi museali, alle sale poste al secondo piano del Palazzo Ducale di Urbino. Qui, dove nel precedente allestimento erano fruibili solo alcune sale destinate ad ospitare le opere dal tardo Cinquecento al Settecento, si è intrapreso un importante progetto di ristrutturazione che, oltre a triplicare lo spazio espositivo, ha comportato il riallestimento degli spazi precedentemente aperti al pubblico con un’attenta riprogettazione del sistema di illuminazione e un miglioramento del confort ambientale.
Dal 16 dicembre quindi, si tornano a visitare le prime tre sale del secondo piano già riorganizzate, dove trovano posto le opere del grande pittore urbinate Federico Barocci e dei suoi allievi e altri capolavori del tardo Cinquecento e del Seicento come Orazio Gentileschi e Francesco Guerrieri, alle quali si affiancano le nuove opere: la Madonna col Bambino in gloria e i Santi Giovanni Battista e Francesco, del Barocci, come l’Ecce Homo, incompiuto e portato a termine dall’allievo Ventura Mazza; la Madonna col Bambino, Sant’Agostino, la Maddalena e angeli, del toscano Cristoforo Roncalli; la Madonna con il Bambino in gloria e i Santi Barbara e Terenzio e l’Apparizione di Gesù Bambino a Sant’Antonio da Padova di Simone Cantarini detto il Pesarese.
Le nuove sale rappresentano quindi la prima tappa di quei lavori che permetteranno, entro pochi mesi, di dotare la Galleria Nazionale delle Marche di un più ampio spazio espositivo che permetterà di incrementare il numero delle opere esposte ampliandone l’arco cronologico fino ai nostri giorni, includendo sezioni tematiche destinate al ritratto e al paesaggio, riallestendo la prestigiosa Collezione Volponi, le sale destinate ai disegni e la galleria delle ceramiche.
100 opere tornano a casa. Dai depositi ai musei.
16 dicembre 2021, dalle ore 16.00
Grazie al progetto del Ministero della Cultura 100 opere tornano a casa. Dai depositi ai musei ritornano nelle Marche, dopo più di due secoli di assenza, cinque importanti dipinti provenienti dai depositi della Pinacoteca di Brera di Milano. Il progetto, presentato dal Ministro della Cultura Dario Franceschini sabato scorso alla Galleria Nazionale di Palazzo Barberini di Roma, vede infatti la Galleria Nazionale delle Marche tra le prime e principali protagoniste dell’iniziativa con l’arrivo e l’esposizione di cinque grandi pale d’altare.
Due di esse sono realizzazioni del grande pittore urbinate Federico Barocci. Nato da una famiglia di origine lombarda (suo avo era lo scultore Ambrogio Barocci, attivo per Federico da Montefeltro), dopo una prima formazione artistica con Battista Franco, si fece conoscere a Roma per la brillante impresa degli affreschi del Casino di Pio IV in Vaticano (1560-1563). Rientrato a Urbino per una malattia che ne compromise per sempre la salute, portò avanti nel tranquillo isolamento del ducato roveresco un inesorabile rinnovamento dell’arte moderna. Il maestro produsse capolavori per chiese marchigiane, per altre città italiane (Arezzo, Genova, Perugia, Roma) e, su commissione del duca Francesco Maria II, eseguì dipinti per importanti corti europee.
La Galleria Nazionale delle Marche, che già vanta uno dei principali nuclei di dipinti del Barocci – tra cui la giovanile Madonna di San Simone (1567 ca.) per la chiesa di San Francesco a Urbino, quella delle Stimmate di San Francesco (1594-95) per i Cappuccini della stessa città e l’incompiuta Assunzione della Vergine, quasi un testamento pittorico che mostra il metodo di lavoro dell’ultima sua maniera – si arricchisce di due nuove opere dell’insigne pittore urbinate.
Una è la Madonna col Bambino in gloria e i Santi Giovanni Battista e Francesco, databile agli anni Sessanta, proveniente dalla chiesa dei Cappuccini di Fossombrone; l’altra, è l’Ecce Homo dipinto per l’oratorio dei Disciplinati della Croce di Urbino. Questa, trasferita in Francia dopo la soppressione della confraternita urbinate, avvenuta nel 1799, ritorna in Italia, alla Pinacoteca di Brera nel 1811. Nel 1847 viene esposta nella chiesa dell’Assunta a Costa Masnaga, presso Como, per far ritorno nei depositi di Brera nel 1991. L’opera, rimasta incompiuta per la morte del maestro, venne completata nel 1613 dall’allievo e agente di bottega Ventura Mazza.
Altra prestigiosa opera è la Madonna col Bambino, Sant’Agostino, la Maddalena e angeli, opera del toscano Cristoforo Roncalli, dipinta per la chiesa degli Agostiniani di Fermo, da cui fu sottratta nell’agosto 1811 dal Commissario per le Belle Arti Andrea Appiani durante le requisizioni napoleoniche. Già in cattivo stato di conservazione al suo arrivo in Lombardia, viene destinata alla chiesa di Besozzo (Varese) e rientra a Brera soltanto nel 1979, quando fu restaurata: riemersero così sulla tela la firma e la data (1611).
Infine due grandi pale di Simone Cantarini detto il Pesarese requisite il 10 giugno 1811 in pieno periodo napoleonico: la Madonna con il Bambino in gloria e i Santi Barbara e Terenzio, opera giovanile del 1630 realizzata per la chiesa di San Cassiano a Pesaro, e l’Apparizione di Gesù Bambino a Sant’Antonio da Padova, per la chiesa di San Francesco a Cagli, del 1640 circa.
Le cinque grandi tele, che saranno collocate nelle sale al secondo piano del Palazzo Ducale di Urbino nella sezione dedicata a Federico Barocci e alla pittura del secondo Cinquecento e del Seicento, in spazi riordinati appositamente e dotati di un nuovo e più efficiente sistema di illuminazione, verranno presentate al pubblico giovedì 16 dicembre alle ore 16.00.
Articoli correlati:
https://www.classicult.it/musei-cento-100-opere-arte-tornano-casa-depositi-pubblico/
Testi e foto di Claudio Ripalti dall’Ufficio Stampa della Galleria Nazionale delle Marche; per le altre foto si ringrazia l’Ufficio Stampa e Comunicazione del Ministero della Cultura
Centuripe: inaugurato il primo centro espositivo con la mostra Segni
Inaugurato il primo centro espositivo di Centuripe con la mostra SEGNI. Da Cézanne a Picasso, da Kandinskij a Miró, i maestri del '900 europeo dialogano con le incisioni rupestri di Centuripe
Centuripe
Centro Espositivo “L’Antiquarium” – Riparo Cassataro
4 luglio – 17 ottobre 2021
A Centuripe, cittadina a metà strada tra Enna e Catania, sabato 3 luglio 2021, è stato inaugurato, con la presenza dell’Assessore regionale dei beni culturali e dell’identità Siciliana Alberto Samonà, il primo centro espositivo con la mostra SEGNI. Da Cézanne a Picasso, da Kandinskij a Miró, i maestri del '900 europeo dialogano con le incisioni rupestri di Centuripe, a cura di Simona Bartolena, che illustra la straordinaria produzione grafica dei più importanti artisti del Novecento europeo.
Centuripe, dall’incredibile pianta a forma di stella, è arroccata su un sistema montuoso che si affaccia di fronte all’imponente mole dell'Etna. Il progetto del nuovo centro espositivo ha l’ambizione di diventare uno dei fiori all’occhiello della nuova politica culturale del paese, un luogo di produzione artistica per le prossime generazione, cosa inimmaginabile fino ad oggi. Lo spazio, storicamente uno dei più interessanti del territorio, è nel chiostro di un ex convento agostiniano, costruito nel Cinquecento, che nel corso dei secoli ha cambiato destinazione ed è stato anche, fino al 2000, sede dell’Antiquarium comunale.
“Sono molto orgoglioso - sostiene il Sindaco Salvatore La Spina - non solo per aver dotato il paese di un centro espositivo comunale ma anche per aver inaugurato lo spazio con una mostra che permette da un lato di poter ammirare le opere grafiche dei più importanti artisti moderni ma anche di valorizzare il nostro territorio. Un progetto che mette in rete tanti attori da ogni parte d’Italia con i nostri giovani di Centuripe, ed è stato reso possibile grazie al supporto di tante aziende del nostro territorio che hanno creduto in noi. Mi auguro che questo sia solo l’inizio di una vera rinascita”.
L’idea di questa esposizione nasce non solo per inserire Centuripe nel circuito dei grandi centri espositivi siciliani, ma anche con l’idea di valorizzare il patrimonio culturale ereditato. La mostra ha come obiettivo quello di mettere in relazione i maestri del ‘900 con le importanti testimonianze storiche ed antropologiche del territorio, in particolare con il sito archeologico Riparo Cassataro, fino ad ora sconosciuto, che viene mostrato per la prima volta al mondo, e che custodisce le uniche testimonianze in Sicilia sud-orientale di pitture rupestri preistoriche, fonte di ispirazione per molti artisti presenti alla mostra.
Le opere esposte, 82 opere tutte originali (alcune molto rare, quando non uniche), propongono un percorso nell’opera dei Peintres-graveures (pittori-incisori) dalla fine dall’Ottocento al secondo dopoguerra, con l’intenzione di sottolineare il ruolo delle tecniche di stampa nell’evoluzione dei linguaggi, degli stili e delle modalità espressive dei movimenti avanguardistici europei del secolo scorso e dei loro esponenti. È una sorta di “riassunto” della storia dell’arte del primo Novecento europeo che inizia simbolicamente alla fine dell’Ottocento, con l’opera di personaggi chiave per gli sviluppi dell’arte nei decenni successivi – su tutti Paul Cézanne e Toulouse-Lautrec – per proseguire poi tra i vari movimenti d’avanguardia e i loro principali interpreti: da Picasso a Matisse, da Pechstein a Dix, da Kandinskij a Klee, da Miró a Giacometti, da Hartung a Dubuffet, da Vedova a Fontana. Una panoramica esaustiva della scena artistica europea di questo periodo storico, che testimonia, attraverso i fogli di alcuni autori del tempo, l’importanza della stampa d’arte come mezzo espressivo autonomo, uno strumento prezioso nella loro ricerca a cui affidare le sperimentazioni tecniche più ardite e importanti passaggi stilistici.
Gli artisti selezionati per la mostra non considerano la stampa come un semplice mezzo di riproduzione e diffusione di un’immagine ma come un’opera d’arte tout-court. Esiste una definizione, coniata da Ambroise Vollard, che ben identifica gli artisti del XX secolo che hanno prodotto stampe di invenzione e non di riproduzione: Peintres-graveures. E proprio di questo si tratta, di artisti che usano le tecniche di stampa con la medesima mentalità e la medesima intenzione con cui usano il pennello, la tavolozza, i colori a olio. La questione di “proseguire la ricerca oltre alla pittura” è un tema molto sentito dagli artisti che hanno frequentato le tecniche a stampa. Per Picasso, Rouault, Miró, Morandi o il gruppo degli artisti di Die Brücke, per citare solo i primi casi che vengono in mente, la realizzazione di opere a stampa costituisce un momento importante di sperimentazione creativa.
“In Italia, purtroppo, la stampa d’artista è ancora poco considerata dal grande pubblico” sottolinea la curatrice Simona Bartolena. “Vittima di pregiudizi senza fondamento, l’opera grafica è poco raccontata. Le collezioni di molti musei internazionali, ad esempio quella del Moma di New York, vantano una sezione di opere a stampa di migliaia di esemplari, in dialogo con la pittura, la scultura, la fotografia, l’editoria e il design. Questa esposizione offre una straordinaria opportunità di seguire l’esempio internazionale e considerare l’opera grafica come una parte importante, talvolta fondamentale, della ricerca dei maestri del Novecento. La preferenza di una tecnica sulle altre, la scelta di un metodo di stampa, l’approccio stesso alla matrice da incidere e alla carta da imprimere rivelano sfumature interessantissime della ricerca di un artista o del linguaggio di un movimento, offrendo un punto di vista diverso da quello, più noto, della pittura e della scultura. La mostra è quindi uno splendido “viaggio” nella storia dell’arte del Novecento attraverso i suoi protagonisti, ma anche un’occasione per scoprire le tecniche e i processi di stampa e le loro peculiarità. Curarla è stato entusiasmante. Spero lo sarò anche visitarla!”.
Per Centuripe, SEGNI acquisisce, inoltre, un significato speciale, offrendo un ulteriore spunto di riflessione. I massimi protagonisti delle Avanguardie storiche di inizio Novecento si sono ispirati all’arte africana e primitiva, dando vita al fenomeno del cosiddetto Primitivismo. Le pitture rupestri preistoriche del Riparo Cassataro, eccezionale sito scoperto nel 1976, creano un inedito confronto con alcune delle opere esposte, su tutte il celebre Toro di Picasso. La relazione strettissima tra la ricerca di un nuovo codice estetico e i linguaggi primigeni di civiltà diverse e distanti nello spazio e nel tempo, emerge con chiarezza, suggerendo nuovi percorsi di lettura e motivi di approfondimento.
All’interno del Riparo Cassataro, anfratto roccioso costituito dall’accatastamento di enormi blocchi di arenaria, si individuano due serie di pitture: una più evidente in ocra rossa e l’altra più sbiadita di colorazione nera. Quest’ultima, più visibile in foto all'infrarosso, rappresenta un bue con lunghe corna e una figura antropomorfa che abbraccia un tamburello ed è ritenuta la più antica, databile al neolitico sia per lo stile sia per i ritrovamenti ceramici nei pressi della rocca.
La scena in ocra rossa sembrerebbe appartenere a un periodo più tardo, con buona probabilità all’età del bronzo. Si individuano una serie di figure antropomorfe, da sinistra verso destra, con un grado di semplificazione e astrazione crescente. Le figure prima provviste di arti vengono poi semplicemente raffigurate come dei quadrati smussati muniti di testa all'interno. La curiosa forma sembra dovuta ad una stilizzazione di persone oranti o in festa con le braccia alzate. Le figure antropomorfe si distribuiscono attorno ad un grande disegno centrale che ne costituisce il fulcro, molto complesso che al momento non ha fornito elementi chiari di decifrazione. Potrebbe rappresentare una grande costruzione, forse una capanna/sacello oppure una figura importante come una divinità o una persona di rilievo della comunità. Il disegno ha alcuni tratti in comune con le figure stilizzate antropomorfe ma presenta una maggiore ricchezza e complessità dovuta anche ad una struttura a reticolo che potrebbe rappresentare le maglie di una veste.
Nel riparo si distingue una parte del basamento dove è evidente una numerosa serie di coppelle scavate di probabile utilizzo cultuale. Il Riparo Cassataro, custodito all’interno di una proprietà privata, sarà eccezionalmente visibile per la prima volta durante l’intera durata della mostra, previa prenotazione.
La mostra, patrocinata dall’Assessorato regionale dei beni culturali e dell'identità siciliana, dall’Assessorato regionale turismo Regione Sicilia e dal Comune di Centuripe, nasce da un progetto di Enrico Sesana, è prodotta da Vidi Cultural srl ed è realizzata grazie al contributo dell’Ars (Assemblea Regionale Siciliana) e dell’Assessorato regionale turismo Regione Sicilia. Si ringraziano per la sponsorizzazione LuxEsco e Barbera International, per il supporto Verzì Caffè e il Consorzio Utenza Acqua “Aragona”, e Crimi per l’edilizia per il supporto tecnico. Si ringrazia infine l’Istituto Alberghiero “Don Pino Puglisi” per il servizio di catering.
Testo, immagini e video dall'Ufficio Stampa della mostra.
EX LIBRIS PERSONALI di Adriano Benzi - Rosalba Dolermo - Giorgio Frigo. Omaggio a Michel Fingesten
Una mostra raffinata sull’elegante contrassegno di proprietà libraria: “EX LIBRIS PERSONALI” - di Adriano Benzi - Rosalba Dolermo - Giorgio Frigo / Omaggio a Michel Fingesten
Acqui Terme, cittadina nel Monferrato in provincia di Alessandria, si è sempre distinta per la sua attenzione rivolta all’arte nelle sue molteplici forme. Merito sicuramente anche della sua storia millenaria che la vide protagonista già in epoca romana, con il nome di Aquae Statiellae, per la ricchezza urbanistica di età imperiale della quale conserva ancora le gloriose vestigia nei resti delle arcate sul fiume Bormida dell’acquedotto, delle vasche marmoree delle terme, del teatro, le tombe, le fornaci e le tante pavimentazioni musive e poi ancora nelle epoche successive la necropoli paleocristiana, il Castello dei Paleologi e il ricetto sottostante, la cattedrale medioevale, raro esempio in Piemonte di edificio con grande cripta colonnata, con l’elegante portale scolpito dal Pilacorte e la pavimentazione a mosaico conservata presso Palazzo Madama a Torino e tanti altri pregevoli esempi che costellano il suo abitato, sottolineando quanto la sua posizione geografica e la ricchezza del suo territorio abbiano sempre generato fruttuosi scambi culturali.
Ancora oggi il Museo Archeologico, sito all’interno del polo museale del Castello dei Paleologi, presenta un interessante allestimento dei reperti recuperati (ricchissima la collezione soprattutto d’epoca romana in parte conservata nei magazzini e ancora da esporre) oltre a mostre temporanee relative a nuovi scavi nel territorio (ne abbiamo parlato anche su ClassiCult), le associazioni culturali cittadine, tra queste il Rotary Club, la Regione Piemonte e il Comune di Acqui Terme promuovono interessantissime iniziative come il premio Acqui Storia, decennale concorso storico-letterario (istituito nel 1968 in memoria dei militari della Divisione Acqui caduti nell’eccidio di Cefalonia nel 1943), dal 1970 le annuali Mostre Antologiche dedicate ai maggiori esponenti della pittura del Novecento (tra questi Casorati, Guttuso, Morandi, Sutherland, Carrà, Burri, Merello, Balla, Picasso, Dalì) e dal 1993 la Biennale Internazionale di Incisione (il cui archivio ha sede nel polo museale del Castello dei Paleologi e conserva circa tremila opere di calcografia, una sezione dedicata alle lastre incise ed una biblioteca specializzata in incisione contemporanea ricca di cataloghi di Artisti e trattati).
Relativamente a questo ultimo genere artistico, una ghiotta occasione per ammirare una pregevole raccolta di opere si è concretizzata proprio in questi giorni nella mostra dal titolo “EX LIBRIS PERSONALI” - di Adriano Benzi - Rosalba Dolermo - Giorgio Frigo / Omaggio a Michel Fingesten, allestita nella sede espositiva di Palazzo Robellini dal 16 al 30 maggio 2021, a cura di Adriano Benzi, Rosalba Dolermo e Giorgio Frigo.
Si tratta di una rassegna di oltre duecento incisioni di pregevole fattura provenienti dalle biblioteche private dei curatori e commissionate appositamente (calcografie e xilografie) ai maggiori artisti nazionali ed internazionali (provenienti da Italia, Russia, Ucraina, Belgio, Lituania, Lettonia, Bulgaria, Ungheria, Germania, Spagna, Argentina, Cina), molti dei quali apprezzatissimi dai collezionisti ed ancora operanti, che permette di ripercorrere le tappe fondamentali della storia dell’ex libris attraverso l’evoluzione compiuta da autori e committenti.
Per chi sa coglierne il valore, questa mostra si rivela una grandiosa opportunità per conoscere un mondo estremamente raffinato disvelato attraverso un’arte erroneamente considerata minore e forse meno conosciuta. Ma esattamente in cosa consiste un ex libris?
Gli ex libris (dal latino “dai libri” a significare “questo volume è tratto dai libri di…”), sono etichette adorne dal nome del proprietario (che andrebbe espresso con il genitivo), motti, simboli o stemmi che nel marchiare l’interno della copertina o le prime pagine dei tomi di una biblioteca personale per contrassegnarli o catalogarli, mutano in preziose testimonianze della stessa diventandone l’elegante attestato di proprietà.
Impressi su materiale cartaceo o più pregiato come cuoio o pergamena, oppure sotto forma di timbri a inchiostro, a lacca, a fuoco o altro, hanno origini remotissime; se ne ha notizia già su codici antichi apposte sui fogli di guardia o nelle ultime pagine e spesso non riportavano un nome ma recavano diciture curiose di carattere generale o di invettiva a chi non restituiva i libri.
A seguito dell’invenzione della stampa a caratteri mobili del tedesco Johannes Gutenberg nel 1455 e la conseguente diffusione del libro, molti incunaboli furono siglati con ex libris manoscritti, e quando questi assursero a simbolo di proprietà, si ricorse a foglietti incollati sul piatto anteriore della legatura del volume, sui quali venne stampato o inciso il nome del proprietario corredato dallo stemma araldico, impreziosito da immagini relative ad un’impresa, allegorie e motti. Fu in Germania che si affermò l’uso dell’ex libris prima che altrove, merito di incisori famosi come Lucas Cranach e Albrecht Dürer (di quest’ultimo si conserva il più antico ex libris datato del 1516, inciso su legno per Hieronymus Ebner).
Anche in Italia, dal Cinquecento, divenne uso personalizzare le proprie raccolte di volumi con ex libris, tra i primi quello inciso su legno del Vescovo di Tortona (AL) del 1548, mentre la biblioteca di San Marco di Venezia conserva l’intera raccolta donata da Iacopo Contarini, che aveva impreziosito ciascun tomo con il proprio ex libris inciso su rame e risalente al 1560.
Dal secolo successivo gli ex libris sono principalmente monastici, spesso semplicemente tipografici, preziosa testimonianza di storia e biblioteche, o araldici con stemma nobiliare, ritratto del proprietario e motto del casato, che contrassegnavano le raccolte librarie delle famiglie patrizie, di ecclesiastici e biblioteche (“ex bibliotheca”) realizzati fino all’Ottocento, ma già dal Settecento l’uso divenne piuttosto comune in quanto vanesio simbolo di distinzione che produsse opere particolarmente stravaganti.
Nuove tecniche incisorie (litografia e xilografia con le varianti fotolito e cliché prevalenti a inizio del secolo scorso e acquaforte, acquaforte con acquatinta, ceramolle, bulino fino alla maniera nera attualmente preferite) unite al mutare dei gusti e degli stili nel tempo (i soggetti araldici abbandonati a favore di specifiche richieste grafiche dei collezionisti più che per siglare i volumi), la propaganda politica di regimi totalitari e l’incremento dei bibliofili hanno incentivato la diffusione di ex libris nel Novecento e ne hanno modificato l’aspetto grafico e le dimensioni. Dalle primordiali pari a quelle di un biglietto da visita si è giunti a sovradimensionamenti maggiori alla superficie del libro ospite (A4), preferenza tuttora gradita ai collezionisti e richiesta agli artisti, nonostante un tentativo in controtendenza proposto nel 2010 da una Società tedesca con un concorso per ex libris di piccolo formato. Nell’esecuzione di questi sigilli, oltre ai già citati, si sono cimentati artisti eccellenti quali G. Klimt, K. Moser, U. Boccioni, M. Escher e tra i committenti troviamo W. Goethe, R. Wagner, C. Dickens, G. D’Annunzio. I collezionisti riunitisi in società, prima fu la Ex Libris Society a Londra (1891) seguita da quella di Berlino, di Parigi, di Washington e di Torino (1912), hanno l’obiettivo di diffondere l’uso del ex libris come forma d’arte dedicandogli testi specializzati, riviste, esposizioni nazionali ed internazionali, ed anche i musei ne conservano interessanti raccolte: circa centomila esemplari al British Museum, al Castello Sforzesco di Milano è conservata la famosa collezione Achille Bertarelli, tra le raccolte private quella di Mario De Filippis (Arezzo) con centotrentamila esemplari, 13.000 a suo nome, eseguiti da artisti di tutto il mondo con ogni tecnica nota.
Attualmente svincolata dal suo uso originale, l’ex libris ha assunto il nuovo ruolo di opera d’arte autonoma pur restando imparentato con la forma tipica dell’antico sigillo: una vignetta disegnata corredata dalle parole “ex libris” e dal nome del proprietario, anche se si tende a ridurre quest’ultimo alle semplici iniziali o seminascosto all’interno dell’opera o addirittura sostituito dalla parola “per”, che la identifica come opera grafica creata da un artista per un committente. Il contrassegno di proprietà libraria si è trasformato in una “piccola grafica d’arte dedicata” secondo il professor Paolo Bellini, destinata principalmente al collezionismo, opinione però considerata da molti un depauperamento della sua essenza e per questo Egisto Bragaglia ha stilato nel 2008 “l’ex libris del bibliofilo”, un manifesto con l’intento di riportarne la creazione e l’uso alla finalità originale.
Quindi, “Oggetto di libera grafica oppure vera e propria opera d’arte?” è la domanda insidiosa che pone il dottor Giorgio Frigo, proprietario di molte delle incisioni esposte e stimato primario dell’Ospedale acquese nonché storico organizzatore delle ventotto edizioni della Biennale Internazionale di Incisione, un ideale Caronte che traghetta i visitatori della mostra con pacate parole sapienti in un viaggio affascinante nelle sale espositive di Palazzo Robellini.
Mi sono lasciata condurre dal suono della sua voce, un fiume di informazioni, dettagli, precisazioni e ricordi, rapita dalle immagini esposte che scorrevano davanti ai miei occhi. Da quelle cupe e misteriose degli eccellenti incisori dell’Europa dell’Est, spesso raffiguranti soggetti complessi e con un gusto estremo per il dettaglio che ricorda l’arte fiamminga quattrocentesca, trame complicate con soggetti onirici e fantasiosi ma inquietanti come le incisioni di Robert Baramov e la Danza Macabra di Leo Bednarik, mitologici come Leda e il cigno di Vasi Fenchak, favolistici come Pinocchio di Ivan Rusachek, Alice nel paese delle meraviglie di Marina Terauds e Biancaneve e i sette nani di Andreas Raub, letterari come i tantissimi ex libris raffiguranti i personaggi dell’Odissea incontrati da Ulisse nei suoi viaggi come Ulisse e la sirena di Konstantin Kalynovych, Ulisse, Scilla e Cariddi di Hristo Naidenov, Ulisse e i Proci di Ven Zoltan, Ulisse e la maga Circe di Yuri Borovitsky, Ulisse di Julian Jordanov o la Divina Commedia di Harry Jurgens, Don Chisciotte in pensione di Sergij Hrapov e i 7 Vizi Capitali di Ulyana Turchenko.
Altre incisioni appaiono più allegre, giocose e sensuali chiaramente più mediterranee, dove prevale un segno grafico meno complesso e drammatico, i soggetti sono meno inquietanti, i colori più vivaci come le incisioni dell’italiano Paolo Rovegno con soggetti zodiacali ed Ettore e Andromaca.
Particolarmente originali le acqueforti con soggetti osteoarticolari forse in onore alla professione di ortopedico del committente dottor Giorgio Frigo, incise dagli italiani Angelo Sampietro e Lanfranco Quadrio o i disegni e l’opera a bulino scherzosamente goliardici di Frank Ivo Van Damme, mentre l’incisione del 2006 realizzata da Nino Baudino appositamente per l’anno di Presidenza del Rotary di Adriano Benzi, proprietario dell’opera, raffigura con tratti delicati i resti dell’acquedotto romano acquese immersi in un paesaggio rarefatto. E poi disegni e stampe di Fernando Eandi per ricordare il Centocinquantesimo dell’Unità d’Italia con ritratti di Cavour e Mazzini, e le incisioni di Walter Valentini, opere astratte caratterizzate da un perfetto senso della geometria e delle proporzioni la cui impostazione subisce l’influenza del Costruttivismo russo.
Nell’esporre le opere, i curatori hanno scelto in alcuni casi di accostare i disegni di progetto degli autori e a volte anche le lastre originali incise, come ad esempio la xilografia di Gianni Verna che è posizionata insieme alla matrice in legno e al disegno preparatorio raffigurante una mongolfiera. Disegni di progetti davvero splendidi sono quelli di Norbert Salzwedel per l’Apocalisse che nel tratto nervoso dei personaggi raffigurati e il gusto materico dei volumi ricordano i cartoni preparatori per gli affreschi michelangioleschi.
Di gusto molto differente sono i tanti disegni preparatori per ex libris eseguiti a inchiostro di china dal tratto rapidissimo e quasi espressionistico dell’italiano Remo Wolf esposti con le relative xilografie, e l’altrettanto prolifica produzione progettuale di Francesco Casorati, figlio del noto pittore, che esplorò le potenzialità della grafica incisa fino a raggiungere l’estrema purezza del segno grafico e la sintetizzazione dei soggetti nelle opere presenti in mostra.
Intensamente drammatica è invece la sezione dedicata all’artista Michel Fingesten, nei cui confronti la mostra vuole essere omaggio, di origine ebrea e per questo internato nel campo di detenzione durante la seconda guerra mondiale e lì deceduto nel 1943. Autore molto apprezzato a livello mondiale dai collezionisti, l’area destinata al suo lavoro è al centro della terza sala e comprende molti ex libris eseguiti durante la sua breve esistenza trascorsa spesso in fuga tra l’Austria, la Germania e l’Italia a causa delle persecuzioni naziste: tutti dolorosamente segnati dall’esperienza della prigionia, sono quasi sempre immagini esplicite contro il regime politico antisemita, angoscianti e drammaticamente didascaliche nel divulgare la follia della guerra.
Insomma, una mostra che per l’incredibile varietà di ex libris presenti, lascia la mente sazia e soddisfatta facendoci davvero riflettere sul fatto che nonostante sia un’arte di nicchia dalle fortune alterne nel tempo, non sia mai scomparsa neppure negli ultimi lustri con l’avvento della rivoluzione digitale. Reinventata forse, comunque capace ancora di emozionare. E davvero tanto.
La mostra è ampiamente documentata dal catalogo corredato dalle immagini di tutte le opere esposte suddivise in gruppi omogenei e da interessanti approfondimenti relativi alle differenti tecniche di esecuzione dell’incisione (xilografia, linoleumgrafia, litografia, calcografia); arricchiscono il volume una colta riflessione sul significato attuale dell’ex libris e sull’evoluzione del relativo mercato collezionistico, oltre ad una sezione dedicata interamente all’autore Michel Fingestein.
Ex-libris personali, catalogo della mostra (Acqui Terme, Palazzo Robellini 16-30 maggio 2021) a cura di Adriano Benzi, Rosalba Dolermo, Giorgio Frigo, ed. Vecchiantico, Acqui Terme 2021
MUSSO CLAUDIA - Acqui Terme, 26/05/2021
Tutte le foto dalla mostra “EX LIBRIS PERSONALI” - di Adriano Benzi - Rosalba Dolermo - Giorgio Frigo / Omaggio a Michel Fingesten nel presente articolo sono di Claudia Musso.
Quando le parole hanno un colore: "Terra d'ombra" di Mariano Rizzo
“Chissà cos'è quel moto che ci unisce e ci divide”, canta Franco Battiato in uno dei suoi tanti capolavori. La vita del pittore Paolo Finoglio narrata da Mariano Rizzo nel suo Terra d’Ombra (Edizioni di Pagina, 2021) sembra girare intorno a questo interrogativo.
La sua storia si sviluppa lungo una sequenza di incontri e separazioni, di relazioni costruite fra la voglia di trovarsi e quella di perdersi, fra la paura di restare e quella di partire.
Paolo Finoglio, come molti sapranno, è un pittore campano vissuto tra la fine del Cinquecento e la prima metà del Seicento. La sua fama lo solleva dall’oblio dei tanti artisti coevi di cui si sono perse, più o meno volutamente, le tracce. Tuttavia non lo colloca alla stessa altezza dei grandi personaggi che hanno segnato quell’epoca sospesa tra il manierismo barocco del Carracci, ispirato ai modelli classici, e l’eversivo linguaggio del Caravaggio, legato allo studio del vero contro ogni regola accademica.
Questo conflitto tra essere molto ma non essere tutto, si fa carne, sangue, desiderio, affanno e, in buona sostanza, assoluta umanità nel personaggio tracciato da Mariano Rizzo. E l’umanità di Paolo Finoglio viene fuori esattamente come nascono i suoi quadri: a strati di colore.
Mariano Rizzo tratta l’argomento tuffandosi in un lavoro di totale immedesimazione non solo nel personaggio, ma anche nella sua materia. La parola, la frase, lo scritto, il componimento, slittando da un’arte all’altra, si trasformano in impasto preparatorio, linee prospettiche, disegno, chiaroscuri, pennellate. La mano che scrive diventa mano che dipinge, e questa magnifica sinestesia compositiva è già chiara nell’incipit, dove leggiamo:
“E poiché un quadro non è che una storia, un racconto di tela e pigmento, allora il pittore è egli stesso un narratore, che prima di tutto deve avere ben chiaro nella sua mente cosa emergerà dal buio e come dosare correttamente la luce.”
Paolo Finoglio in questo romanzo è, prima che un artista, un uomo. E, in quanto tale, vive di tutti i limiti, le insicurezze, i difetti, le miserie e le contraddizioni insiti nella natura umana. È una persona, non un personaggio, tantomeno un eroe. Fa scelte sbagliate, anela a ciò che non può avere e trascura quello che ha, insegue i sogni ma si perde nei suoi incubi.
Eppure, come nella vita di ognuno di noi, accanto alle sue fragilità viaggiano le sue intuizioni, il suo slancio artistico, il suo istinto di sopravvivenza, la sua capacità di adattamento, il suo amore che, segnato da un imprinting quasi staccato dalla realtà, non è capace di focalizzarsi e finisce per disperdersi fra tanti obiettivi – o miraggi – pur senza mai diminuire d’intensità e trasporto.
Paolo Finoglio è un uomo che, come tutti, muove ogni sua azione alla ricerca di tre elementi imprescindibili: il proprio posto nel mondo, la realizzazione di sé, l’Amore (sì, quello con la A maiuscola, perché il resto è acqua che non disseta).
Procede per tentativi, per esperimenti, per corsi e ricorsi, perché, sempre come tutti noi, non sa quale sia la strada giusta, né se ne esista una che possa definirsi tale.
Il romanzo si suddivide in quattro parti, che corrispondono ad altrettante importanti tappe nella vita del protagonista e che sono introdotte da titoli evocativi: Bianco d’ossa (Napoli, 1604-1612), Blu d’oltremare (Lecce, 1613-1623), Rosso di Marte (Napoli, 1623-1632), Nero di vite (Conversano, 1635-1645), tutti pigmenti utilizzati in pittura, come la stessa Terra d’ombra del titolo.
Il lettore viaggia insieme a Paolo Finoglio, trascinato dalla vividezza della resa dei suoi sentimenti, ed è portato a guardare il mondo attraverso i suoi occhi, grazie anche alle parti narrate in prima persona che si alternano a quelle in terza. Si finisce inevitabilmente per condividerne le inquietudini, le ambizioni, le ingenuità, gli ardori, le delusioni, la confusione, le speranze. Anche quando le sue azioni non sono esattamente encomiabili, anche quando prende decisioni sbagliate o, al contrario, resta passivo laddove dovrebbe agire e reagire, ci si ritrova dalla sua parte, perché se ne comprendono i contorti – e umanissimi – meccanismi mentali.
Tanti i personaggi che il protagonista incontrerà lungo questo cammino di ricerca, dalla janara al travestito, dalla prostituta al ricco committente d’arte, dal pittore affermato a quello affamato, dal mendicante al nobile, dalla filatrice alla cortigiana, dal mecenate alla scaltra badessa. Tra questi, molti sono figure storiche, come il tormentato e geniale Michelangelo Merisi, l’emancipata Artemisia Gentileschi, il Guercio di Puglia, sinistro ma lungimirante Conte di Conversano, la determinata Isabella Filomarino, per citarne solo alcuni e per restare il più possibile sul vago, affinché ognuno di essi, reale o di fantasia, resti una scoperta lungo la lettura del romanzo.
Bellissime le descrizioni di ambienti e paesaggi, anch’esse spesso mutuate dal mondo della pittura:
“Il caldo estivo era solo un ricordo, il cielo era coperto da grosse nuvole che rendevano la città una dissonanza di bianchi e di neri” (p. 42);
“L’estate aveva cominciato a colare il proprio oro nelle acque del golfo. Il sole saliva in cielo tirandosi dietro la foschia dell’aurora; il mare godeva delle carezze di tiepide correnti che sfumavano all’orizzonte” (p. 210);
“Di quella città ormai serbavo un ricordo sbiadito e frammentario, come la sinopia di un affresco caduto” (p. 359);
“L’estate luccicava all’orizzonte, pronta a invadere la costa per arrampicarsi fino al colle di Conversano, dove già si avvertiva un denso tepore che rendeva le notti calme e i giorni piacevoli. L’inizio della stagione sarebbe stato sereno ai limiti dell’indolenza, se la città non fosse stata scossa da un fremito d’irrequietezza che scorreva sottopelle, insinuandosi tra le fughe del lastricato e le radici degli alberi, imbevendo le pietre come un umore greve che rendeva i cittadini stizzosi e suscettibili senza un motivo apparente” (p. 389).
Il linguaggio raffinato ed evocativo di Mariano si muove continuamente tra chiari e scuri, esattamente come enuncia la quarta di copertina: Paolo Finoglio, pittura e vita tra luce e ombra. Da lì emergono, poi, i colori. Emerge il racconto.
Ciò che Mariano consegna tra le nostre mani non è solo il ritratto di un pittore che ha legato il proprio nome, tra le tante opere, a un pregevole ciclo di affreschi ispirati alla Gerusalemme Liberata, ma è anche il profilo di un artista alla ricerca della propria identità, di un uomo che ha un’apparenza mite e controllata, mentre dentro di sé cova un’anima inseguita dal buio, perseguitata dagli incubi.
Niente di epico, niente di enorme o di terribile, semplicemente la vita.
“Di questo, invece, devi avere paura: io sono un uomo come te”, dice il maestro Battiato in un altro dei suoi capolavori, fornendoci ancora una volta uno spunto su cui riflettere.
Non volendo anticipare altro e invitando direttamente alla lettura di questo interessante romanzo, aggiungo solo un consiglio: accanto al libro tenete con voi un dispositivo – cellulare, tablet o computer che sia – che vi consenta di fare simultanee ricerche nel web delle opere d’arte (tantissime) citate lungo il racconto, perché tutto ciò che accade è intrecciato alle immagini, in una sorta di percorso multimediale e multisensoriale.
A tal proposito, segnalo anche la qualità estetica del volume (dalla copertina alle tavole di apertura delle quattro sezioni narrative), curato con maestria dalla casa editrice e con il consueto buon gusto del grafico Luigi Fabii. Insomma, un gioiellino di 524 pagine da regalare o regalarsi.
I Carabinieri restituiscono il dipinto del XVI secolo “Diana e Atteone”
I Carabinieri per la Tutela del Patrimonio Culturale restituiscono il dipinto di scuola veneta del XVI secolo “Diana e Atteone” trafugato nel 1981
Un’importante opera pittorica di scuola veneta del XVI secolo, trafugata nella notte tra il 30 novembre e il 1° dicembre 1981 e recuperata dai Carabinieri del Comando per la Tutela del Patrimonio Culturale (TPC), torna finalmente al Castello Lanciano di Castelraimondo (MC). La consegna è avvenuta nelle mani dell’Avv. Luigi Tapanelli, Presidente e legale rappresentante della Fondazione di Religione Ma.So.Gi.Ba.
Il dipinto è comparso sul mercato antiquariale quando stava per essere battuto in vendita da una casa d’aste lombarda. I militari della Sezione Elaborazione Dati del Comando TPC, che quotidianamente monitorano centinaia di opere pubblicate in vari cataloghi di vendita, hanno comparato le immagini del bene in asta con quelle contenute nella “Banca dati dei beni culturali illecitamente sottratti” identificando l’opera. Per la sua importanza storico-culturale, il dipinto era inserito nel “bollettino” delle opere d’arte trafugate, pubblicazione annuale dal titolo “Arte in Ostaggio”, realizzata dal Comando TPC sin dal 1973, strumento fondamentale per contrastare il traffico illecito di opere d’arte.
Le indagini, coordinate dalla Procura della Repubblica di Milano e condotte dai militari della Sezione Antiquariato del Reparto Operativo TPC, hanno consentito di identificare il mandatario a vendere dell’opera. È stata così ricostruita la catena dei vari passaggi di mano del bene.
La restituzione odierna rappresenta il costante e proficuo impegno del Comando Carabinieri per la Tutela del Patrimonio Culturale nella ricerca, anche a distanza di anni, di beni d’arte dispersi, al fine di contribuire a ricostruire i percorsi storici, culturali e sociali di un territorio per renderli nuovamente fruibili alla collettività.
Testo e foto dall'Ufficio Stampa Comando Carabinieri Tutela Patrimonio Culturale
Machiavelli da scoprire, i testi "repubblicani"
Jean-Claude Zancarini è certamente uno degli studiosi d'oltralpe più importanti per l'Italia rinascimentale; si tratta di un fine esegeta del Cinquecento italiano, linguista e studioso del pensiero politico ai tempi delle “guerre d'Italia”, Ho potuto apprezzare diversi interventi del professor Zancarini, per esempio quelli pubblicati online o nel volume delle Edizioni dell'Orso dedicato a Savonarola, Guicciardini e il repubblicanesimo fiorentino.
La repubblica torna ad essere il focus del prezioso volumetto Una scommessa di Machiavelli. Per una riforma repubblicana di Firenze dato alle stampe dalla casa editrice Ronzani e ovviamente a cura di Jean-Claude Zancarini. Come sempre quando ho tra le mani un titolo Ronzani, mi preme sottolineare alcune caratteristiche tecnico-formali. Il libro ha una tiratura di mille esemplari, ragione per cui i collezionisti saranno contenti di contendersi un nuovo titolo di pregio, stampato con carattere Janson e su una carta Bioprina Book Fabriano, presso la Stamperia di Paolo Galvani. Il libro è impaginato dall'irriducibile Elsa Zaupa e curato graficamente da Alessandro Corubolo. Un plauso va anche al direttore di collana Paolo Carta, per la scelta del titolo. In copertina l'Ex libris in xilografia di Bruno Bramanti del 1952.
Perdonatemi le minuzie tipografiche ed editoriali ma quando parlo di questo editore non posso esimermi dal tratteggiare certi dettagli curatissimi.
Il volume del professor Zancarini, è un saggio importante che viene arricchito da alcuni testi di Machiavelli: Discursus florentinarum rerum, Ricordo al cardinale Giulio sulla riforma dello stato in Firenze, Minuta di provvisione per la riforma dello stato in Firenze l'anno 1522; inoltre presenta un commentario con apparato di note a cura dello studioso francese e chiosato da una bibliografia di riferimento.
Il testo della Ronzani è uno spartiacque culturale che permette di riflettere sulla produzione di Machiavelli, per la quale spesso viene dato minor rilievo a queste opere di stampo repubblicano che vengono offuscate dalla celebrità dell'opera più blasonata: Il Principe.
In realtà è dalle opere minori (presentate dal professor Zancarini) che risalta uno spirito battagliero per l'istituzione e la teorizzazione di una repubblica fiorentina cinquecentesca, figlia dell'esperienza di Savonarola e profondamente colpita dalle vicende dello scacchiere bellico italiano.
L'opera (ri)proposta dallo studioso francese è un'occasione non solo per tratteggiare il profilo di un sofisticato pensatore politico, ma di valutare la contemporaneità con gli strumenti filosofici e logici di uno scrittore che ha lottato per la determinazione della sua patria. Un Machiavelli "inedito" e che necessità di studi filologici e storici coerentemente contestualizzati, il volume quindi è da consigliare non solo agli appassionati ma a tutti gli studiosi e all'ambiente accademico.
Il libro recensito è stato cortesemente fornito dalla casa editrice.
La Domus Aurea risplende con Raffaello
La Domus Aurea risplende con Raffaello
Raffaello e la Domus Aurea. L’invenzione delle grottesche
Parco colle Oppio, Via Serapide - 23 giugno 2021 – 3 aprile 2022
L’INCONTRO
I primi decenni del 1500 Raffaello scopriva l’impervia cavità del Colle Oppio che conduceva direttamente nel maestoso palazzo imperiale voluto da Nerone e realizzato tra il 65 e il 68 d.C., la Domus Aurea.
Già nel 1480 Pinturicchio e Filippino Lippi fecero strada a Raffaello nella discesa verso le resta della Villa neroniana sino ad allora invisibile, sommersa dalla coltre delle vestigia del successore Traiano. La terra riempì tutto e nelle viscere del Colle Oppio scese l’oblio, ma proprio la sabbia ha permesso la conservazione di tali reperti.
L’ignoto e l’oscurità di quegli ambienti lasciarono spazio a stupore e meraviglia alla vista delle decorazioni pittoriche parietali. La minuzia decorativa conservata nelle grotte venne approfondita negli studi di Raffaello, nel secondo decennio del Cinquecento, che ne interpretò gli stilemi e la composizione, forte delle sue competenze antiquarie. Solo successivamente queste sequenze di forme vegetali e animali presero il nome di “grottesche” e tornarono in voga nel Rinascimento.
L’INTERVENTO
Dall’accesso su via Serapide, attraversando la Galleria III, si inizia la discesa nelle viscere del Colle Oppio sino ad immergersi nella maestosità dell’Aula Ottagona. La progettazione dell'intervento, voluto dalla direttrice del Parco archeologico del Colosseo, Alfonsina Russo, è stato assegnato allo studio “Stefano Boeri Architetti”. Il professor Stefano Boeri - insieme al suo studio - è noto ai più per l'ideazione del Bosco Verticale a Milano, ma con le sue attività è ormai parte della storia dell'architettura.
Una passerella autoportante in lamiera d’acciaio nera si snoda leggera muovendosi tra le murature originarie e rievocando l’eleganza antica con un fine rivestimento in resina di tonalità bianca.
Si arriva accompagnati così, e da un progressivo attenuarsi dell’intensità della luce artificiale, nella sala Ottagona, come condotti nella discesa da leggerezza e minimalismo hi-tech.
L’ESITO O L’EFFETTO
Questa era il nucleo del settore orientale della Domus Aurea, arricchita come il resto del complesso, dalla preziosità dei materiali e resa leggendaria per la progettazione di un meccanismo unico e irrepetibile di rotazione del soffitto. Questo, costituito da lussuose lastre d’avorio mobili, destava meraviglia con un gioco di luci e una delicata caduta di petali, inebriando tutto lo spazio con essenze: un’esperienza magica assimilabile solo alla potenza di un Dio.
Questa sala intrisa di sapienza costruttiva e effetti immaginifici ospita non a caso la retrospettiva su Raffaello, e le fanno da cornice le cinque sale radiali con installazioni multimediali, dove verranno approfonditi la scoperta e lo studio delle grottesche. Inoltre saranno le opere del pittore urbinate ispirate proprio agli studi effettuati nella Domus.
Al centro della sala sarà visibile l’Atlante Farnese (prestito del Mann di Napoli) le cui costellazioni, raffigurate sul globo del titano, saranno riprodotte sulla volta, rievocando la rotazione dell’antica sala, come omaggio alla volontà di Nerone.
L’allestimento curato da Vincenzo Farinella, Alessandro D’Alessio e Stefano Borghini con la produzione di Electa, si avvale della maestria tecnologica dello studio di Interaction e Exhibit Design Dotdotdot.
https://www.classicult.it/prorogata-al-3-aprile-2022-la-mostra-raffaello-e-la-domus-aurea/
AGGIORNAMENTO ULTIMO:
La Domus Aurea ha riaperto al pubblico dal 23 giugno 2021 – dopo la chiusura decretata nel marzo dello scorso anno - con un percorso di visita del monumento ricco di novità e con una mostra dedicata a Raffaello e alla straordinaria storia della scoperta delle sue superfici affrescate.
In precedenza, come indicato sul sito di Electa Mondadori, "nel rispetto delle misure precauzionali disposte dal Consiglio dei Ministri e dalle autorità competenti, a salvaguardia della salute e per un'esperienza gratificante di visita, le mostre Electa con apertura prevista nei mesi di marzo e aprile saranno posticipate a data da destinarsi."
Quella che nel 1980 è stata definita patrimonio dell’Umanità dall’Unesco, è quindi tornata ad aperture quotidiane e con un nuovo percorso di visita.
Il Parco archeologico del Colosseo ha potenziato nel periodo di chiusura i lavori di restauro e di ripristino di spazi in precedenza ingombri da ponteggi che lasciano adesso vedere affreschi prima non visibili. Inoltre è stato creato un nuovo ingresso che dal parco del colle Oppio immette direttamente nella Sala Ottagona, sede della mostra, e lungo il percorso di visita del padiglione della reggia neroniana è stato completamente rinnovato l’impianto di illuminazione. Allo stesso tempo, sono state allestite sculture fino ad oggi conservate nei depositi del monumento, contribuendo a celebrare lo sfarzo della residenza di Nerone.
Riallestimento di Palazzo Barberini: nuova immagine per la sezione seicentesca delle Gallerie Nazionali di Arte Antica
Riallestimento di Palazzo Barberini: nuova immagine per la sezione seicentesca delle Gallerie Nazionali di Arte Antica
Si vestono di nuovo le Gallerie Nazionali di Arte Antica, con dieci sale dell’Ala Nord totalmente rinnovate nell’estetica e nel criterio espositivo, così come era stato effettuato in aprile per l’Ala Sud. Cinquecentocinquanta metri quadri che vengono restituiti all’area espositiva, a seguito di operazioni di rinnovamento e restauro che hanno riguardato l’architettura, l’illuminazione, la grafica e gli ausili educativi. Ciò ha consentito l’ottimizzazione del palazzo, la valorizzazione dei Barberini e della loro storia, mostrando chiaramente anche l’impatto rivoluzionario che Caravaggio apportò alla pittura italiana ed europea.
Da venerdì 13 dicembre si è così avviato un inedito percorso cronologico e geografico che procede dal tardo Cinquecento al Seicento, seguendo il progetto di allestimento ideato da Enrico Quell. Flaminia Gennari Santori, Maurizia Cicconi e Michele Di Monte hanno curato la mostra, scegliendo ottanta opere da ammirare lungo un itinerario circolare da cui osservare anche i giardini da finestre appositamente riaperte dopo tanto tempo. Un ripensamento degli spazi che congiunge gli assi visivi da un’ala all’altra dello stabile, come gli scaloni del Bernini e di Borromini.
Dalla sala iniziale sul tardo manierismo romano ed internazionale (espresso dall’arte di Pietro Francavilla, Marcello Venusti, Jacob de Backer e Joseph Heintz) alla sala sui veneti del tardo Cinquecento (racchiusi nelle produzioni di Tintoretto e nella Scuola di Tiziano col dipinto di Venere e Adone), si giunge poi alla Galleria: restaurata al fine di rivalorizzare gli affreschi di un tempo, contiene esemplari di pittura di genere, tra i quali tele inedite di Frans Francken il Giovane ed un raro “Diluvio Universale” appartenente alla Scuola di Jacopo Bassano.
Si procede in una sala minuta, aperta per la prima volta e contenente esclusivamente l’Altarolo portatile di Annibale Carracci, affiancata da una sala altrettanto inedita ricca di affreschi tardo cinquecenteschi e pitture di paesaggi ritraenti i Feudi Mattei per mano di Paul Bril. Ma lo spettacolo maggiore si ha nelle tre sale seguenti relative al Caravaggio: nella prima sala l’inconfondibile “Giuditta e Oloferne” è accostata ad opere di Giovanni Baglione ed Orazio Borgianni, nella seconda sala il celebre “Narciso” è affiancato da opere di Ribera e Simon Vouet, nella terza “San Francesco” meditante si affianca ad opere di Bartolomeo Manfredi e Orazio Gentileschi. Le vaste sale finali concludono la sezione con dipinti di caravaggeschi europei (Bigot, de Boulogne, Serodine, Stom) ed esponenti della scuola bolognese di pittura (Domenichino e Guercino).
Il palazzo originariamente apparteneva agli Sforza, i quali nel 1585 fecero decorare la volta del soffitto dell’attuale sala 19: pittori quali Niccolò Circigliani e Baldassarre Croce raffigurarono il patriarca Giuseppe e gli stemmi dei cardinali per indicare la protezione divina della famiglia ed i successi conseguiti. L’affresco “Carro di Apollo con le quattro stagioni” (1693 circa) dell’odierna sala 20 appartiene a Giuseppe Chiari e ritrae la nascita del giorno con Aurora alla guida del carro del sole, in riferimento al matrimonio del principe Urbano Barberini. La galleria, che adesso corrisponde alla sala 21, era riservata ad Anna Colonna Barberini: le decorazioni, fondate su un disegno di Pietro da Cortona ma realizzato dai suoi allievi, ritraggono in particolar modo le origini mitiche di Palestrina, possedimento del principe Taddeo Barberini, marito di Anna. La sala 23 era invece l’anticamera della cappella, anch’essa decorata per volere degli Sforza: aveva un quadro al centro raffigurante la natività, immagini di profeti e sibille con libri simboleggianti l’avvento del Messia.
Del resto, tra le opere ivi esposte ve ne sono molte di carattere biblico e mitologico, in un periodo in cui le immagini di culto subivano una minuziosa attività di ermeneutica visiva che incise sulla seguente storia dell’arte. Andiamo ad analizzarne alcune. Il dipinto ad olio su tela di Jacob de Backer “Cristo Morto sorretto da un angelo” (1555-1585 circa) presenta l’immagine elegante del Cristo in una dimensione immateriale raccolto da angeli adoranti che ne incrementano l’icona di culto. “Diana e Atteone”, opera in olio su rame, copia della più nota opera di Joseph Heintz il Vecchio appartenuta all’imperatore e mecenate Rodolfo II, descrive la storia di Ovidio sulla punizione di Atteone che fu tramutato in cervo per aver violato lo spazio sacro alla dea Diana presso la fonte con le sue ninfe. Le due terrecotte di “Mosé” e “Aronne” realizzate del 1585 da Pietro de Francqueville, allievo di Giambologna, sono di chiara ispirazione michelangiolesca: il Mosè assorto fu scelto in accostamento al cardinale Agnolo Niccolini, diplomatico prima e sacerdote poi, parimenti alla figura biblica coinvolta nelle questioni sia temporali che spirituali. La raffigurazione ascetica di “Cristo portacroce” (1561) compiuta da Girolamo Muziano concentra totalmente l’attenzione sulla figura dominante di Cristo, dal volto rassegnato sotto il peso della croce. “Giuditta e Oloferne” (1540-1550) è un dipinto ad olio su tavola di Jan Massijs che ritrae l’eroina biblica in veste di ammaliatrice che inganna e decapita il generale nemico, di cui brandisce la testa con abiti trasparenti e sguardo ammiccante.
Queste sono solo alcune tra le notevoli opere raccolte nel rinnovato sito. Ulteriori progetti di riallestimento sono previsti nel 2020 per la sezione dedicata al Cinquecento e nel 2021 per le sale del piano terra, in vista di una sempre migliore offerta al visitatore, in termini di fruibilità e comprensibilità, garanzie di innalzamento qualitativo.
Giorni e orari di apertura: martedì-domenica 8,30-19,00. Chiusura il 25 dicembre e il 1° gennaio.
Biglietto: intero 12 euro, ridotto 2 euro (giovani dai 18 ai 25 anni d’età), gratuito per i minorenni e categorie specifiche di docenti e studenti universitari, giornalisti, guide turistiche, portatori d’handicap e accompagnatori, insegnanti e scolaresche.
