Sogno d’amore: Napoli celebra l'inconfondibile stile di Chagall
L’arte di Marc Chagall (1887-1985) - anticonformista per eccellenza - si caratterizza per l’opposizione tanto al realismo quanto all’astrattismo. Parimenti avverso al cubismo e all’espressionismo, ambiva a veicolare in maniera palese e diretta non la mera realtà, bensì il suo fantasioso modo di recepirla. Una resa immediata delle emozioni attraverso la libera azione della creatività: questo era il suo modus operandi, e lo applicava con risultati davvero d’impatto.
Uno stile inconsueto che rifletteva comunque la sua cultura d’origine, veicolando i concetti della comunità ebraica in maniera elegante e singolare. Il suo percorso artistico lo vede muoversi dalla Bielorussia, sua terra natìa, all’attivissima Parigi che diede i natali alla sua prima mostra personale del 1912, all’interno del Salon des Indépendants. Qui fornisce il proprio contributo con un’arte fiabesca, onirica, raffinata e popolare al tempo stesso, ma mai volgare. Ed è il sogno che le fa da padrone, il cui bisogno dinnanzi alla realtà spesso infelice costituisce un sentimento comune nelle comunità italiane del sud, come quella partenopea che ne accoglie la mostra nella Basilica della Pietrasanta – Lapis Museum sino al 30 giugno.
La location scelta per la mostra, dalle fondamenta greco-romane e cristiane unitamente all’architettura barocca, rievoca il medesimo senso religioso della vita. Chagall appartiene alla cerchia di artisti che veicolano il messaggio dello Spirito, mostrandone la presenza nella Storia. Il suo è un inno al mondo interiore, caratterizzato da una sensibilità e da una religiosità ebraica che lo vede errante perenne in cerca di una meta. In qualità di ebreo avrebbe dovuto seguire il precetto di Mosè che vieta di ritrarre figure, ma fortunatamente decide di dipingere seguendo la cultura russa ricca di immagini religiose. Questa concezione spirituale del vivere gli ha concesso di mantenere entrambe le identità, ebrea e russa, riprendendo gli elementi tipici dei tradizionali ornamenti dei manoscritti nonché le icone religiose e quelle popolari dei luboki. Al tempo stesso si evince altresì l’influsso della cultura occidentale, mediante artisti d’avanguardia che frequentava assiduamente.
Decora le vetrate delle chiese, raffigura oggetti ed anime dai colori accesi, tratta tematiche delicate e tetre in maniera paradossalmente leggera, così come solo i migliori artisti sanno fare. Punto fermo del suo operato è la celebrazione dell’amore in tutte le sue sfaccettature: per la sua donna, per Dio e per la natura. Sua moglie Bella viene ritratta frequentemente, arricchendo un folto numero di opere: ben centocinquanta dipinti, acquerelli, disegni ed incisioni, alcuni dei quali abbastanza rari in quanto provenienti da collezioni private.
A cura di Dolores Duràn Ucar e con il prezioso contributo della Fondazione Cultura e Arte, l’esposizione si fonda su cinque diverse sezioni che riassumono gli elementi cardine della vita dell’artista russo:
-
infanzia e tradizione russa;
-
sogni e fiabe;
-
il mondo sacro, la Bibbia;
-
un pittore con le ali da poeta;
-
l’amore sfida la forza di gravità.
Un percorso che coniuga poesia, spiritualità e guerra in contesti colorati animati da personaggi concreti o fittizi prodotti dalla creatività chagalliana. Viene rievocata la sua fanciullezza correlata alla cultura russa, il senso del sacro rinvenibile nei soggetti biblici, la relazione con letterati e poeti, la passione per la natura e la fauna, il fascino bohémien del mondo circense, il tutto racchiuso nella tematica che sottostà in tutto il suo operato, ossia l’amore.
Olio su cartone, 27x22 cm
Private Collection, Swiss
© Chagall®, by SIAE 2019
Viene compiuto un lavoro espositivo atto a ripercorrere l’esperienza artistica di Chagall dal 1925 sino alla sua morte, sebbene l’itinerario museale vada oltre la mera descrizione cronologica per promuovere la narrazione tematica. Viene ben descritto l’impatto del periodo infantile sul suo operato, narrato nell’autobiografia “La mia vita” e rinvenibile in varie tele tra le quali la presente “Villaggio russo” (1929) ambientata a Vitebsk: città oggetto di più dipinti, è qui visibile in una strada innevata che separa due edifici lignei, uno rosso e l’altro azzurro, sormontate da un vitello che trascina una slitta nel cielo uggioso mentre sullo sfondo si scorgono le torri di una chiesa.
Olio su tela, 73x92 cm,
Private Collection, Swiss
© Chagall®, by SIAE 2019
L’aspetto onirico viene espresso particolarmente nella Parigi degli anni Venti, dove gli viene commissionata l’illustrazione delle celebri Favole di La Fontaine, incarico nel quale applica fantasiosamente icone della tradizione russa ed immagini di animali tipici della sua infanzia. Per quanto concerne l’aspetto religioso vi era un progetto di incisioni sulla storia dell’Esodo del popolo ebraico ed un altro che prevedeva la realizzazione di incisioni della Bibbia: avuto inizio con la stesura di sessantasei stampe (1931-1939) interrotte dalla morte del gallerista Vollard, fu ripreso dall’editore Tériade che ne ha consentito la pubblicazione in due volumi (1956) con centocinque incisioni, alcune delle quali sono presenti alla mostra unitamente alla particolare gouache di Davide e Golia.
Private Collection, Swiss.
© Chagall®, by SIAE 2019
Durante la Seconda Guerra Mondiale si rifugia negli Stati Uniti, per poi far ritorno in Francia dove assiste frequentemente a spettacoli circensi e li ritrae in molteplici disegni che mostrano il suo spiccato senso del colore e geometrico, come il guazzo “Le clown” e Il pittore e l’acrobata. Ma è soprattutto l’amore al centro della sua arte, ritraendo spesso coppie in un’atmosfera paradisiaca: un dolce bacio all’ombra di floridi fiori in “Le Réve”, una carezza illuminati dalla luna e protetti da un asino blu in “Les amoureux à l’âne bleu” ed il matrimonio quale unione fortemente spirituale in “Les mariés et l’ange”.
Gli innamorati con l’asino blu, 1955 ca.
Olio su tela, 30x27 cm
Private Collection, Swiss
© Chagall®, by SIAE 2019
La mostra ambisce a concretizzare “L’Arte della Solidarietà”, progetto del Gruppo Arthemisia che vuole introdurre il bello e l’arte nella quotidianità dei soggetti in difficoltà: infatti l’acquisto dei biglietti consentirà di avviare progetti solidali, come quello dell’organizzazione no profit “Susan G. Komen Italia” a sostegno delle donne nella lotta contro il tumore al seno, favorendo visite gratuite preventive. In tal modo si congiunge diletto ed aiuto verso il prossimo, narrando lo stupefacente universo chagalliano dal labile confine tra sogno e realtà.
Svariati sono gli enti che hanno consentito la realizzazione dell’evento: patrocinato dalla Regione Campania e dal Comune di Napoli, organizzato da Arthemisia, promosso dall’Assessorato alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli, ha tra i suoi partner anche il Museo Archeologico Nazionale di Napoli oltre ai numerosi sponsor. La mostra si inserisce anche nel programma “Valore Cultura” di Generali Italia, che ambisce a diffondere in tutta Italia arte e cultura tramite agevolazioni che la rendano fruibile ad un pubblico ampio e differenziato. Progetti nobili che si spera diventino col tempo una stabile e piacevole ordinarietà.
Apre la mostra "Toulouse-Lautrec. La Ville Lumière" alla Villa Reale di Monza
Toulouse-Lautrec. La Ville Lumière
10 aprile – 29 settembre 2019
Le prestigiose sale della Villa Reale di Monza, dal 10 aprile al 29 settembre 2019, ospitano 150 opere provenienti dall’Herakleidon Museum di Atene per celebrare il percorso artistico di uno dei maggiori esponenti della Belle Époque: Henri De Toulouse-Lautrec (1864-1901).
Parigi, fine Ottocento: la vita bohémienne, gli artisti di Montmartre, il Moulin Rouge, i teatri, le riviste umoristiche, le prostitute. É questo l’accattivante mondo di Toulouse-Lautrec, genio che divenne noto soprattutto per i suoi manifesti pubblicitari e i ritratti di personaggi che hanno segnato un’epoca rimanendo ben impressi nell’immaginario collettivo.
Manifesti, litografie, disegni, illustrazioni, acquerelli, insieme a video, fotografie e arredi dell’epoca riscostruiscono uno spaccato della Parigi bohémienne, riportando i visitatorai indietro nel tempo.
Tra le opere più celebri presenti in mostra litografie a colori (come Jane Avril, 1893), manifesti pubblicitari (come La passeggera della cabina 54 del 1895 e Aristide Bruant nel suo cabaret del 1893), disegni a matita e a penna, grafiche promozionali e illustrazioni per giornali (come in La Revue blanche del 1895) diventati emblema di un’epoca indissolubilmente legata alle immagini dell’aristocratico visconte Henri de Toulouse-Lautrec.
Curata da Stefano Zuffi e con il patrocinio del Comune di Monza, la mostra Toulouse- Lautrec. La Ville Lumière è prodotta e organizzata da Arthemisia con Nuova Villa Reale di Monza, in collaborazione con l’Herakleidon Museum di Atene. L’evento è consigliato da Sky Arte. Il catalogo è edito da Arthemisia Books.
La Villa Reale di Monza
Villa Reale di Monza aperta al pubblico da cinque anni, dopo 25 mesi di un attento e impegnativo restauro che ha rilevato uno stato generale di grande degrado che nascondeva un tesoro di straordinaria bellezza, ha attirato un grande numero di visitatori, per la sua storia, ma anche per le mostre proposte.
Una meravigliosa e unica cornice in cui immergersi, ricca di fascino e storia, che racconta, in ogni suo elemento decorativo, letteratura, musica, arte, architettura e tanto altro. Dal genio del Piermarini che l’ha progettata, dalla lungimiranza di Maria Teresa D’Austria che l’ha commissionata, alla sapienza della regina Margherita che l’ha amata, arricchita e modernizzata, fino a tutti noi oggi, che la sosteniamo, ammiriamo, amiamo, facciamo conoscere e che ascoltiamo ciò che ha sempre avuto da dire: la Villa Reale di Monza è un bene da vivere.
LA MOSTRA
L’itinerario dell’esposizione, dopo alcune dense introduzioni sul personaggio e sulla sua epoca, è scandito in 11 sezioni tematiche, sempre in rapporto con i grandi cambiamenti storici, tecnologici, sociali e architettonici di Parigi alla fine del XIX secolo, al tempo scintillante della Belle Époque.
-
Lo studio dell’incisione e la tecnica della litografia
2 I protagonisti delle notti parigine: Jane Avril
3 I protagonisti delle notti parigine: Aristide Bruant
4 I protagonisti delle notti parigine: Yvette Guilbert
5 I disegni dall’adolescenza alla maturità
6 Le riviste satiriche
7 Il Moulin Rouge e gli spettacoli parigini
8 Cavalli e cavalieri
9 Libri e collaborazioni editoriali
10 La Revue Blanche
11 Toulouse e le donne
Prima sezione – Lo studio dell’incisione e la tecnica della litografia
La prima sezione introduce il visitatore alla massima passione artistica di Toulouse-Lautrec: l’incisione, e più esattamente la litografia. Attraverso una serie eccezionale di opere e di oggetti (disegno preliminare, pietra litografica, prima stampa senza scritte, versione definitiva) è possibile seguire il processo creativo che porta alla realizzazione di una celebre incisione, destinata a fare da copertina a uno spartito: il protagonista dell’immagine è l’autore della musica, Desiré Dihau, suonatore di fagotto nell’orchestra dell’Opéra e parente di Toulouse-Lautrec. Lo vediamo impegnato in un assolo di fagotto nella litografia Pour Toi!... (1893).
Seguono le tre sezioni dedicate alle Notti parigine, con la sequenza delle sale dedicate a singoli indiscussi protagonisti delle più famose scene francesi di fine Ottocento: Jane Avril, Aristide Bruant e Yvette Guilbert.
Uno degli aspetti maggiormente conosciuti della produzione di Toulouse-Lautrec è la pubblicità realizzata per i locali notturni: con un’innovativa intuizione promozionale, Henri decide di mettere in evidenza i nomi degli artisti che si esibiscono sul palcoscenico, fissando in modo formidabile i tipi e i personaggi. É, in fondo, il vero inventore dello star-system.
Toulouse-Lautrec intreccia relazioni amichevoli con la celebre stella del cabaret parigino Jane Avril (1868-1943), al punto da farsi immortalare in una celebre, ironica fotografia in cui indossa i vestiti della cantante. Toulouse- Lautrec la raffigura come una sofisticata mentre frequenta un caffè-concerto sul manifesto Divan Japonais (1893), ma anche scatenata nel can-can insieme ad altre ballerine in La compagnia di Mademoiselle Eglantine (1896).
Uno dei massimi estimatori dei manifesti di Toulouse-Lautrec è il cantautore e cabarettista Aristide Bruant (1851- 1925): Henri definisce la figura del cantante attraverso una serie di stampe e di litografie, tra cui Aristide Bruant nel suo cabaret (1893), dove lo rappresenta con il suo mantello voluminoso, cappello a larga tesa e una sciarpa rossa intorno al collo. La modernità delle rappresentazioni stilizzate, strutturate in superfici di colore omogenee gli procura una immediata e inaspettata celebrità. Indimenticabile è la figura di Yvette Guilbert (1868-1944), soprannominata la Diseuse (la fine dicitrice): in scena il suo segno distintivo erano lunghi guanti neri fino al gomito. Affascinato dalla personalità dell’attrice e cantante, Toulouse-Lautrec le dedica un album di litografie, integralmente presente in mostra, oltre a vari disegni e incisioni (Album Yvette Guilbert, 1894). Nella sala viene riprodotta una rarissima incisione di una canzone intonata dalla Guilbert (“A l’hotel du numero trois”).
Quinta sezione – I disegni dall’adolescenza alla maturità
Nel cuore del percorso, la mostra presenta una serie di disegni a matita e a penna, di travolgente freschezza e mordente incisività.
Davvero per tutta la vita Toulouse-Lautrec ha trovato nel disegno un mezzo di espressione immediato, insostituibile. La matita è la compagna fedele nella lunga obbligata immobilità durante le convalescenze dopo le fratture; il modo per vincere la noia delle stazioni termali; la piccola condanna negli esercizi
obbligati durante la fase di formazione accademica; lo strumento per vedere e interpretare il mondo; la divertente complice nel fissare la chiave per evadere dalla clinica per malattie mentali in cui resta chiuso per circa tre mesi, quasi identificandosi con l’analogo destino toccato all’amico Van Gogh.
I disegni sono soprattutto schizzi di personaggi: volti, atteggiamenti, silhouettes, caricature. In mostra anche il ritratto del padre, conte Adolphe de Toulouse-Lautrec, e l’arguto foglio in cui il pittore si rappresenta impietosamente nudo (Toulouse-Lautrec Nu, 1894).
Sesta sezione – Le riviste satiriche
Un aspetto importante dell’arte di Toulouse-Lautrec è la collaborazione editoriale. La rapida diffusione delle riviste illustrate è un segno di come i parigini della Belle Époque avessero sempre più tempo libero da dedicare alla lettura. I " journaux humoristiques ", di cui Le Rire è stato probabilmente il maggior successo, puntano sulla satira politica, sulla corruzione e gli scandali militari, insieme al gossip sui personaggi più in vista, fra cui i protagonisti delle serate e parigine.
Nel 1893 Toulouse Lautrec pubblica alcune vignette sul settimanale L’Escaramouche (la scaramuccia), che ha come redattore Georges Darien, di tendenze anarchiche. Compaiono soggetti teatrali, fra cui la scena della tragedia che ha come protagonista Sarah Bernhardt, ma anche immagini di satira policia e sociale. In una, dall’esplicita didascalia “Un rozzo! Un autentico rozzo!” compare il padre di Toulouse Lautrec, il conte Alphonse, che trangugia avidamente e volgarmente un panino. Le Rire (Risate) viene fondata da Felix Juven nell’ottobre del 1894. La rivista prevedeva acqueforti a colori su entrambe le copertine e nel paginone centrale.
Settima sezione – Il Moulin Rouge e gli spettacoli parigini
Una sezione sul mondo degli spettacoli, dal Moulin Rouge all’Opéra, dedicata al variegato mondo dell’intrattenimento di fine Ottocento, dalle scene popolari del cabaret fino alle rappresentazioni più impegnative di tragedie greche o di concerti all’Opéra. Diceva Toulouse-Lautrec: “Non importa quale sia lo spettacolo. A teatro sto sempre bene!”, e le opere dedicate al mondo delle rappresentazioni sono sempre affascinanti, trasmettono gioia e piacere. Nelle sue scene teatrali Lautrec riesce a rendere l’intensità dei drammi e delle commedie con movimenti efficaci ed energici contrasti di luci e ombre che traggono ispirazione sia dalle xilografie giapponesi sia dai palchi teatrali di Daumier. Fra le opere in mostra, la serie di argute litografie nel 1893 per la raccolta Le café- concert.
Ottava sezione – Cavalli e cavalieri
L’amico editore Thadée Natanson ricorda: “Henri amava gli animali meno delle donne ma più degli uomini. Andava pazzo per i cavalli e non si era mai consolato di non poterli montare”. Cresciuto nell’ambiente dell’alta aristocrazia di provincia, Toulouse-Lautrec ha una grande passione per i cavalli. Il padre del pittore, il conte Alphonse, era un provetto cavallerizzo, fautore della vita all’aria aperta affidata a lunghe passeggiate a cavallo e battute di caccia con il falcone. Alcuni disegni di questa sezione risalgono agli anni dell’adolescenza, e dimostrano la straordinaria precocità dell’artista.
Diversi anni dopo, nella primavera del 1899, il pittore era stato ricoverato in una clinica per malattie mentali per disintossicarsi dall’alcol e liberarsi dai pesanti attacchi di delirio. Per ottenere la dimissione dalla casa di cura, Toulouse-Lautrec realizza numerosi disegni, spesso dedicati ai prediletti cavalli. La litografia Il fantino (1899) è tratta da uno di questi lavori.
Merita di essere segnalato infine il “ritratto” de The pony Philibert (1898). Negli ultimi due anni di vita le condizioni fisiche di Toulouse-Lautrec declinano penosamente e il pittore ha sempre maggiori difficoltà nel muoversi. Per spostarsi nelle vie di Parigi utilizza un calessino, tirato dal paziente Philibert, l’ultimo dei numerosi cavalli conosciuti da Toulouse-Lautrec a partire dalla sua prima infanzia.
Nona sezione – Libri e collaborazioni editoriali
Dopo aver trascorso la notte facendo il giro dei caffè e cabaret di Montmartre, Toulouse-Lautrec si metteva al lavoro con insospettabile energia e lucidità, in grado di gestire parecchi incarichi contemporaneamente. Merito in parte della prodigiosa velocità inventiva e realizzativa, ma anche della passione per le tecniche della riproduzione a stampa, di cui seguiva tutte le fasi. Per queste ragioni, oltre che per i manifesti pubblicitari, il talento di Toulouse Lautrec è molto richiesto in campo editoriale, nelle riviste umoristiche a grande diffusione ma anche libri di pregio e copertine per spartiti musicali. Un particolare impegno editoriale coinvolge Toulouse Lautrec per le illustrazioni di Au Pied du Sinaï una
raccolta di racconti che descrive – a volte con umor nero – la vita nelle comunità ebraiche di vari paesi europei del giornalista. L’autore è Georges Clemenceau, futuro presidente della Repubblica francese. Nel 1897 Toulouse-Lautrec realizzò le litografie per la copertina e le illustrazioni del libro. L’edizione di lusso conteneva dieci litografie, ciascuna stampata quattro volte su carta diversa, e quattro litografie supplementari che erano state rifiutate per l’edizione corrente.
Decima sezione – La Revue Blanche
Questa parte della mostra è dedicata alle frequentazioni intellettuali di Toulouse-Lautrec: il rapporto con poeti, editori, facoltosi mecenati è in un certo senso l’altra faccia dell’artista bohemien, perso nei bicchieri di assenzio delle notti parigine. Nell’ufficio e nelle abitazioni dei direttori della Revue Blanche si svolge gran parte della vita sociale parigina e qui Toulouse-Lautrec stringe diverse amicizie con scrittori e intellettuali e nel 1895 disegna un manifesto per la rivista (La Revue Blanche, 1895), in cui compare l’affascinante Misia Natanson, moglie dell’editore.
Undicesima sezione – Toulouse e le donne
Sotto l’occhio ironico di Toulouse- Lautrec scorre la vita parigina fin du siécle: balli, spettacoli, svaghi serali, luci, teatri, risate e applausi grazie a cabarettisti, ballerine e chansonniers. Ma questa è solo una parte della produzione del pittore: forse ancor più intense e personali sono i ritratti di donne sole, silenziose, osservate senza la minima intenzione caricaturale o di vignetta cronachistica; attimi di riflessione, nubi che corrono sull’anima, ombre fuggevoli che passano sul viso.
La mostra si chiude con le delicate opere dedicate a questo tema. Nessun artista, prima Toulouse-Lautrec, aveva saputo cogliere le passioni represse, la solitudine, il desiderio di una vita migliore che si nasconde sotto la sensualità forzata e la seduzione “professionale” di cantanti, attrici o prostitute, osservate senza ironia o moralismi. Come avviene nella letteratura francese contemporanea (dai romanzi di Flaubert alle novelle di Maupassant), soggetti e personaggi solitamente considerati scandalosi o immorali, sono riscattati dall’arte. A Toulouse- Lautrec piace l’ambiente frivolo dei bordelli e tra il 1892 e il 1895 trascorre intere settimane nelle maison closes vicine all’Opéra e alla Borsa di Parigi. Qui osserva le ragazze per ore, mentre riposano, giocano a carte o si truccano: soprattutto, in loro compagnia non deve vergognarsi del suo aspetto. La disinibita spontaneità di queste donne le rende ai suoi occhi le modelle ideali.
Il ciclo più completo è costituito dalle litografie a colori dell’album Elles (“Loro”) del 1896 capolavori della incisione francese del tardo Ottocento: in mostra il frontespizio e la meravigliosa litografia Donna alla tinozza.
Tra le immagini femminili evocate da Toulouse- Lautrec, affiora infine anche il sogno di un amore impossibile, la misteriosa signora incontrata in un viaggio per nave ed evocata con grande delicatezza nella litografia intitolata La passeggera della cabina 54 (1896).
Villa Reale di Monza
Viale Brianza, 1 – Monza
Orari
dal martedì alla domenica 10.00 - 19.00 lunedì chiuso
(la biglietteria chiude un’ora prima)
Biglietti
Intero € 12,00
Ridotto € 10,00
Ridotto Speciale € 5,00
Info e Prenotazioni
T. 039 2240024
Biglietteria online
www.vivaticket.it
Sito
www.villarealedimonza.it
Herakleidon Museum, Athens, Greece
www.herakleidon-art.gr
PAN Art Connections Inc.
www.pan-art-connections.com
|
SCHEDA TECNICA |
|
|
Titolo |
Orari apertura |
|
Toulouse-Lautrec. La Ville Lumière |
dal martedì alla domenica 10.00 > 19.00 |
|
Sede |
lunedì chiuso |
|
(la biglietteria chiude un’ora prima) |
|
|
Villa Reale di Monza |
Aperture straordinarie |
|
Viale Brianza, 1 - Monza |
|
|
Date al pubblico |
Domenica 21 aprile 10.00 > 19.00 |
|
Lunedì 22 aprile 10.00 > 19.00 |
|
|
10 aprile 2019 – 29 settembre 2019 |
Giovedì 25 aprile 10.00 > 19.00 |
|
Con il patrocinio del |
Mercoledì 1 maggio 10.00 > 19.00 |
|
Domenica 2 giugno 10.00 > 19.00 |
|
|
Comune di Monza |
(la biglietteria chiude un'ora prima) |
|
Prodotta e organizzata da |
Biglietti |
|
Arthemisia |
Appartamenti Privati Secondo Piano Nobile + |
|
con |
Mostra |
|
Intero € 12,00 |
|
|
Nuova Villa Reale Monza |
|
|
In collaborazione con |
Ridotto € 10,00 (gruppi di almeno 15 persone, |
|
insegnanti, under 25, tesserati FAI, ACI, ARCI, |
|
|
Herakleidon Museum, Atene, Grecia |
TOURING CLUB, dipendenti Comune di Monza, |
|
Media coverage by |
Dipendenti BNL, Associati Confindustria Monza |
|
e Brianza) |
|
|
Sky Arte |
Ridotto speciale € 5,00 bambini dai 6 ai 17 |
|
Mostra a cura di |
|
|
anni compiuti |
|
|
Stefano Zuffi |
Ridotto Gruppi € 10,00 (gruppi di min 15 pax) |
|
Progetto di allestimento |
|
|
Ridotto Scuole € 5,00 |
|
|
Corrado Anselmi con Andrea Damiano |
Omaggio |
|
Immagine coordinata |
Bambini minori di 6 anni; |
|
disabili e invalidi riconosciuti dalla legge con un |
|
|
e grafica di mostra |
accompagnatore; |
|
Angela Scatigna |
2 insegnanti per scolaresca; |
|
con Doretta Rinaldi |
giornalisti con tesserino; |
|
Catalogo |
guide turistiche regolarmente autorizzate |
|
all’esercizio della professione; |
|
|
Arthemisia Books |
tesserati ICOM; |
|
Audioguide |
tesserati Abbonamento Musei Lombardia; |
|
Possessori coupon invito e Arthemisia Vip |
|
|
Orpheo Group |
Card |
Cumulativo (Appartamenti Reali + Appartamenti Privati Secondo Piano Nobile + Mostra
Intero € 19,00
Ridotto € 16,00 (gruppi di almeno 15 persone, insegnanti, under 25, tesserati FAI, ACI, ARCI, TOURING CLUB, dipendenti Comune di Monza, Dipendenti BNL, Associati Confindustria Monza e Brianza, Trenord
Ridotto speciale € 6,00 bambini dai 6 ai 17 anni compiuti
Ridotto Gruppi € 16,00 (gruppi di min 15 pax) Ridotto Scuole € 6,00
Omaggio
Bambini minori di 6 anni;
disabili e invalidi riconosciuti dalla legge con un accompagnatore;
2 insegnanti per scolaresca; giornalisti con tesserino;
guide turistiche regolarmente autorizzate all’esercizio della professione; tesserati ICOM;
tesserati Abbonamento Musei Lombardia; Possessori coupon invito e Arthemisia Vip Card
Audioguida
Per adulti e ragazzi € 1,00 (italiano e inglese)
Diritti di Prenotazione e Prevendita Singoli € 1,50
Gruppi € 1,50 per persona Scuole € 1,50 per studente
Visite guidate
(tariffa biglietto escluso, prenotazione obbligatoria)
-
70,00 (max 25 persone) visita solo mostra per adulti in italiano
-
100,00 (max 25 persone) visita solo mostra per adulti in lingua straniera
Visite guidate Scuole
(tariffa biglietto escluso, prenotazione obbligatoria)
-
60,00 (max 25 alunni)
-
70,00 visita guidata + laboratorio didattico mostra (max 25 alunni)
Informazioni e prenotazioni T. 039 2240024* [email protected]
*Attivo lunedì – venerdì ore 9-18. Sabato ore 9-13. Non attivo domenica e festivi
Sito
www.villarealedimonza.it
Hashtag ufficiale
#MostraToulouse
Henri de Toulouse, visconte di Lautrec, barone di Montfa, barone di Labruguière, barone di Ferrats, barone di Puy-Saint-Pierre, barone di Castayrac, signoredella Roquette: ultima fronda di un albero genealogico che affonda nel Medioevo cavalleresco.
Cresciuto in un castello con un padre appassionato di cavalli e di caccia col falcone, Henri pareva destinato a una vita aristocratica, fatta di passatempi sofisticati e lunghi intervalli di noia. Una forma di nanismo, aggravata da rovinose fratture alle gambe, indirizza invece l’esistenza di Toulouse-Lautrec verso una prospettiva del tutto diversa.
Per ingannare l’immobilità e la noia durante le monotone e dolorose convalescenze, l’adolescente Henri si esercita con il disegno, mostrando un talento eccezionale. Prende avvio una carriera che all’inizio sembra seguire tappe quasi convenzionali: il trasferimento a Parigi, la vita a Montmartre, la diligente formazione presso pittori accademici, il rapporto con gruppi di artisti già consolidati.
Ben presto però il percorso deraglia e diventa del tutto autonomo. Con le sue gambe corte e storte, Henri attraversa la notte di Parigi fra alcol e donne, fra serate in costume e autocaricature, fra coraggiose scelte di soggetti scabrosi e innovative ricerche espressive, di cui è uno straordinario precursore: la litografia a colori, il manifesto pubblicitario, la grafica promozionale, le vignette satiriche, le illustrazioni per i giornali.
Lontanissimo dalla solarità degli impressionisti, il suo è un mondo illuminato dalla cruda luce elettrica e dai fari della ribalta: ci appare sempre equivoco nei colori troppi accesi, nel trucco pesante, nelle grazie esibite, nei gesti eccessivi; eppure intensamente umano, capace di offrire, nonostante tutto, l’emozione pura della bellezza, i sentimenti sotto il cerone, il desiderio della tenerezza. Come quello di Degas (l’altro grande aristocratico, suo vicino di casa), il segno di Toulouse-Lautrec è rapido e sicuro, talvolta spiritoso e ironico, talvolta irresistibilmente triste. Il circo e il Moulin Rouge, l’amore a pagamento e le stelle effimere del cabaret, l’ultimo bicchiere di assenzio e il sorriso tirato di un’attricetta: l’aristocratico visconte di Lautrec lascia la scena alle soglie del XX secolo, il 9 settembre 1901. Non ha ancora trentasette anni: un’epoca si chiude con lui.
Stefano Zuffi
curatore della mostra
Monza, 09 aprile 2019. Il Presidente del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza dichiara che Henri Toulouse-Lautrec fu un innovatore del XIX secolo capace di segnare la cultura europea. La mostra è di altissimo profilo culturale e rientra nel più ampio piano di promozione della Reggia del Piermarini.
Ma il valore dell’artista, spiega il Presidente, va oltre il suo talento. Toulouse-Lautrec, infatti, era affetto da una particolare malattia genetica alle ossa. Conobbe l'emarginazione a cui era sottoposta allora una persona disabile, ma trovò nell’arte uno strumento di rivincita e affermazione.
Un percorso, conclude il Presidente, che ogni giorno con fatica tanti ragazzi speciali intraprendono e mi piace pensare che tra di loro ci possa essere qualche artista del futuro che grazie all’arte riesca a rompere il cerchio di isolamento che troppo spesso, ancora oggi, lo separa dal resto del mondo. Come ci riuscì il grande Henri Toulouse-Lautrec.
La Villa Reale di Monza è certamente un bene artistico del territorio italiano dalla fondamentale importanza culturale, architettonica e artistica, ma per me che ho imparato a conoscerla dalle sue fondamenta, che l’ho apprezzata dal disciplinare di gara, dapprima come esecutore del restauro e poi come suo riferimento per la gestione futura, come regista per la sua nuova vita dopo 25 anni di un restauro complesso ma gratificante, la Villa è un prezioso gioiello, la cui straordinaria storia e bellezza non può che valorizzare e sublimare le opere in esposizione, oltre a lasciare un segno profondo in coloro che si avvicinano per conoscere il suo passato. Questa mostra apre un nuovo capitolo nella sua storia e nel nostro percorso per valorizzarla.
Toulouse Lautrec e la Villa Reale si completeranno, si esalteranno a vicenda, a volte provocando a volte sublimando l’amore per l’arte.
La collaborazione con Arthemisia ci ha insegnato molto professionalmente, dobbiamo ringraziarli per averci proposto un’esposizione di alto valore artistico, curando ogni dettaglio e presentando una proposta di allestimento intelligente e sorprendente. Siamo certi che la mostra porterà nuova linfa al territorio, diffondendo solo gli effetti positivi del fermento artistico che si respira nelle opere di questo straordinario artista, interprete eccellente degli scalpitanti umori artistici dell’Ottocento. Tutti noi ne trarremo sicuramente un nuovo emozionante insegnamento arricchendoci grazie all’incontro con le opere di uno degli artisti più innovativi dell’arte moderna.
Attilio Maria Navarra
Amministratore Delegato Nuova Villa Reale Monza
Presentato il programma “Milano e Leonardo 500” e il TGV tra Italia e Francia
Cultura
Presentati oggi a Parigi il programma “Milano e Leonardo 500” e il TGV personalizzato che viaggerà tra Italia e Francia per tutto il 2019
Milano, 12 febbraio 2019 – L’assessore alla Cultura Filippo Del Corno ha presentato oggi alla stampa francese, durante una conferenza stampa alla Gare de Lyon a Parigi, il programma “Milano e Leonardo 500”, promosso e coordinato dal Comune di Milano in occasione del cinquecentenario della morte di Leonardo da Vinci. Milano, la città in cui Leonardo visse più a lungo, celebra infatti il suo genio eclettico con un ricco programma di iniziative multidisciplinari durante tutto il 2019.
Già presentato a New York e a Londra nei mesi scorsi, il palinsesto verrà presentato a Berlino il prossimo 25 febbraio.
In occasione della conferenza stampa di Parigi, è stato presentato alla stampa anche il TGV personalizzato Leonardo.
SNCF, la società nazionale delle ferrovie francesi, partecipa infatti alle celebrazioni leonardesche con un’iniziativa speciale: la personalizzazione del TGV che collega ogni giorno Milano e Parigi con le immagini di Leonardo, dei luoghi in cui ha vissuto e delle sue opere. In particolare, la decorazione esterna è dedicata alla Francia, luogo in cui Leonardo è sepolto e in cui visse gli ultimi due anni della sua vita, con il volto della Monna Lisa da un lato e una veduta del Castello di Clos Lucé ad Amboise dall’altro.
La decorazione interna, nella vettura bar, è invece dedicata a Milano: i tavoli e i pannelli sono personalizzati con immagini del Codice Trivulziano e della Sala delle Asse stampati in alta definizione. Sulla base di queste immagini, i digital artist di Bepart hanno costruito scenari di realtà aumentata, fruibili da tutti i viaggiatori gratuitamente grazie a un’app scaricabile gratuitamente sullo smartphone (Bepart).
Il TGV che collegherà per tutto il 2019 Milano e Parigi sarà quindi un potente strumento di connessione tra i due Paesi, che hanno entrambe beneficiato dell’eredità culturale del genio vinciano.
Come da Comune di Milano.
Il sale, romanzo di salsedine e ferite
"Il sale": il titolo di questo romanzo di Jean-Baptiste Del Amo non poteva essere più appropriato.
Il sale, infatti, richiama l’ambientazione (Sète nella regione francese dell’Occitania), anzi la salinità e il mare sono un elemento così persistente e costante della narrazione che sembra quasi di sentirne l’odore leggendo le pagine, ma il sale è anche quella sostanza, che messa sulle ferite, le fa bruciare di nuovo.
La trama di questo romanzo è all’apparenza minimale: cosa succede nella giornata prima che una famiglia, composta da madre e figli ormai adulti con le relative famiglie si ritrovi insieme la sera a cena. In realtà l'attesa di questo evento è l'occasione per scavare nella psicologia dei personaggi e nel loro dolore, andando ad aprire, con precisione chirurgica, le ferite delle loro vite.
Così scopriamo che la madre, Louise, ormai vedova, è intrappolata in una vita miserevole e solitaria, dopo aver investito la sua esistenza nella relazione con il marito violento, Armand, e aver dedicato tutta se stessa ai tre figli.
Figli, però, che oltre a essere distanti, non sono poi così felici.
Fanny è intrappolata nel lutto senza fine per la morte della figlia Lèa, ha messo la propria vita in pausa e vive sospesa tra tristezza e rancore, incapace di comunicare col marito e con l'altro figlio.
Albin, così simile al loro padre-padrone, ne ha ricalcato le orme, senza mai chiedersi se era quello che volesse davvero. La sua violenza, esercitata forse più con le parole che con i gesti, provocherà l'allontanemnto della moglie, la quale deciderà (giustamente) di porre una fine alla loro relazione.
Infine c'è Jonas, il figlio minore, omosessuale, per cui l'autore sembra avere un occhio di riguardo. Mai accettato dal padre nè dal fratello, ha un compagno innamorato e amorevole, ma non riesce a scacciare il ricordo e i sentimenti per un vecchio amore, morto di AIDS.
Il libro è architettato magistralmente, con cura ed equilibrio nel narrare le varie vicende e nel ricondurre tutti i fili insieme, verso una catastrofe (o una catarsi?) che non sapremo mai se arriverà.
Credo, però, che il punto forte di tutto il romanzo sia soprattutto lo stile (e grandi complimenti per questo al traduttore, che ha ben saputo rendere la sintassi e il lessico dell'autore in italiano). Le parole scavano, in una sintassi piana, incalzante: non c'è una frase imperfetta, una parola fuori posto. Se c'è un difetto che posso trovare è che la perfezione formale mi ha portata a lasciare in secondo piano la trama, che non mi ha coinvolto, in favore di lasciarsi trascinare dalla magia della lingua.
È un libro che consiglio a chi sa apprezzare lo stile di una storia, la cesellatura delle parole, che costruiscono personaggi anche con il ritmo e la musicalità.
Il sale di Jean-Baptiste Del Amo, traduzione di Sabrina Campolongo, Neo Edizioni, 2013 (ed. or. Le sel, Gallimard, 2010).
"Degas - passione e perfezione" al cinema
DEGAS PASSIONE E PERFEZIONE AL CINEMA
Riprende la stagione cinematografica dedicata alla Storia dell’Arte con Degas: Passione e Perfezione, il docufilm diretto da David Bickerstaff, ideato per la Grande Arte al Cinema dalla Nexo Digital.
Dal 28 al 30 gennaio, l’artista parigino viene raccontato attraverso le opere esposte nel museo Fitzwilliam a Cambridge, Regno Unito.
Edgar Degas (Parigi, 1834 - Parigi, 1917), padre francese madre creola, pittore, scultore, ritrattista, sonettista, personalità complessa, concepisce la sua arte amando stare nel suo studio e uscendo raramente, ma allo stesso tempo, come ci racconta chi con lui ha trascorso del tempo, quando si trova nei salotti letterari è catalizzatore di attenzioni, pieno di spirito d’invettiva, molto arguto, e a volte anche tagliente nel parlare.
Nel creare le sue opere è molto preciso, ma come lui stesso ci dice, ha piacere nel distruggerle e ricrearle, anche se le stesse, prima della distruzione erano perfette.Si forma, in un primo tempo in una delle principali scuole d’arte di Parigi, poi, si reca dal nonno, a Napoli, il quale, si trovava stabilmente dopo essere scappato dalla Rivoluzione francese. In Italia, accresce la sua formazione artistica, compie quel Grand Tour formativo, ed è attratto soprattutto dai grandi artisti Rinascimentali.
Soggiorna in America e si reca a trovare il fratello a New Orleans (terra natia della madre); del periodo Americano ci ha lasciato anche un bel dipinto con tema il commercio del cotone.
Gravi disturbi alla vista lo affliggono, fino quasi a rischiare la cecità, ma non demorde, trova un modo per eludere questo problema di salute: si dedica al modellare statue in cera, creta, bronzo, plasmando mirabili figure di ballerine.
Degas predilige il disegno per dare forma alla sua arte, e sarà una caratteristica certa di tutta la sua vita artistica. Ritratti, composizioni storiche, ma anche soggetti ispirati alla vita quotidiana (e contemporanea dell’artista), rappresenta la quotidianità in movimento: ballerine, balletti all'Opera, cantanti di caffè, cantanti sul palcoscenico, fantini, cavalli in corsa, stiratrici, serie di donne nell'atto di compiere la propria toilette. Tutte figure mai in posa, ma raffigurate in gesti e atteggiamenti naturali. Crea il movimento attraverso l’esaltazione del colore, un cromatismo tessuto riccamente e in maniera trasparente.
Paris Blues: due storie d’amore jazz a cavallo tra due epoche
Paris Blues di Martin Ritt è un film sul jazz ambientato a Parigi, ma soprattutto è un film sull’America. Uscita nelle sale il 27 settembre 1961, a pochi mesi dall’elezione di John F. Kennedy a 35° Presidente degli Stati Uniti, la pellicola può dirsi ‘epocale’ nel vero senso della parola in quanto riassume da un lato le tensioni che avevano animato la gioventù americana negli anni ‘50, dall’altro anticipa temi che saranno centrali nel dibattito pubblico americano degli anni ‘60 (questione razziale, lotta per i diritti civili, tossicodipendenza).
Eddie Cook (Sidney Poitier) è un musicista afroamericano, ben lieto di essere sfuggito all’ambiente razzista e discriminatorio della Harlem anni ‘50; Ram Bowen (Paul Newman), talentuoso ma musicalmente indisciplinato, cerca nella Ville Lumiére la propria consacrazione come trombonista jazz, dedicandosi alla scrittura di un’opera sinfonica, Paris Blues, appunto. La loro vita sregolata, tutta dedita all’arte e alle donne, viene interrotta dall’incontro casuale con due giovani turiste americane, ipostasi dell’America che verrà nel decennio successivo: da un lato Connie (Diahann Carroll), insegnante afroamericana, legata alle sue radici e desiderosa di battersi per i diritti della propria gente; dall’altro Lilian (Joanne Woodward), divorziata, con due figlie. Inizialmente, i due musicisti si invaghiscono entrambi di Connie, ma sarà la sfrontatezza e la caparbietà di Lilian a persuadere Ram. Tra le due coppie nascerà subito un amore ‘impossibile’, vissuto intensamente per ‘dodici dolci e amari giorni’ durante i quali tutte le loro certezze vacilleranno al punto da spingere sia Ram che Eddie a decidere di tornare in America e rinunciare così alle proprie ambizioni artistiche, alle proprie vite ‘libere’ (ma da semi-reietti) su e giù tra tetti e scantinati, tra artisti bohémiens, raffinati intellettuali parigini e tossicodipendenti. Ma la loro risoluzione durerà molto poco.
A rappresentare sul piano simbolico la tensione che scuote interiormente i quattro giovani non può che essere, ovviamente, il jazz, quella temperie musicale che aveva agitato le anime più irrequiete e turbolente d’America, quel genere ‘sconcertante’ e vitalistico, nero ma anche bianco (non a caso è solo a Parigi che Ram e Eddie possono fare stabilmente coppia) che aveva rappresentato la più grande rivoluzione musicale dei decenni centrali del XX secolo e che ancora per tutti gli anni ‘60 avrebbe consacrato alcune delle sue più grandi personalità. A fare di Paris Blues un film jazz è la favolosa colonna sonora, curata quasi interamente da Duke Ellington e dalla sua orchestra, nonché l’apparizione di Louis Armstrong, nel ruolo del famoso jazzista Wild Man Moore, il quale dà vita, in un’elettrizzante ‘battle royal’ con Poitier e Newman a una delle scene più celebri e riuscite del film. Va segnalato, inoltre, il personaggio di Michel Devigne (ben interpretato da un intenso Serge Reggiani), omaggio ad uno dei più grandi chitarristi jazz francesi: Django Reinhardt.
Il film, che non può essere ascritto, nonostante il cast stellare, tra le pietre miliari del cinema hollywoodiano (troppo spesso naïf e ‘americano’ nella descrizione del panorama musicale parigino dell’epoca), merita però di essere recuperato come documento storico.
Inizialmente, infatti, la sceneggiatura originale, ispirata all’omonimo romanzo del 1957 di Harold Flender, prevedeva due storie d’amore interraziali che furono però ritenute troppo audaci dalla United Artists per il pubblico americano. Il tema, infatti, viene solo accennato all’inizio del film, quando sia Ram che Eddie vengono attratti dalla bellezza di Connie. Eppure è evidente quanto tale questione sia nodale soprattutto nella storia fra Eddie e Connie, che incarnano due anime differenti del mondo afroamericano: lui, disilluso e più propenso all’evasione, lei, pronta a ‘combattere per gli anni che verranno’, ben inquadrata in un processo di attivismo e cambiamento ormai già in essere e che Eddie, con il suo ormai quinquennale ‘esilio’ parigino aveva totalmente mancato. Se anticonformista è la scelta dei due giovani musicisti, certamente lo è anche quella delle due ragazze: non era consuetudine che una madre e un’insegnante partissero da sole in vacanza in Europa, adottando un comportamento decisamente spigliato e in controtendenza rispetto all’immaginario femminile coevo (si pensi a Lilian che con il suo atteggiamento vince le resistenze di Ram, rifiutato da Connie).
Paris Blues, pertanto, va rivisto e apprezzato non solo per riascoltare la sua splendida colonna sonora, ma anche perché riesce ad essere al tempo stesso un film che sintetizza i caratteri peculiari di un’epoca e fa da cerniera con un’altra, nuova ed incipiente: da un lato, infatti, porta sullo schermo il disagio esistenziale della ‘gioventù bruciata’ degli anni ‘50 che aspirava ad una propria realizzazione ‘fuori’ dalle gabbie dei conformismi americani (Parigi per i due protagonisti è sia oasi che esilio, mentre l’America resta sullo sfondo come un inferno lontano da cui fuggire), dall’altro lascia intravedere a livello seminale quei cambiamenti nelle sfere dei costumi sessuali, delle libertà di espressione e dei diritti civili che caratterizzeranno il ventennio successivo.
Posa e variazioni all'epoca di Rodin, tra Lisbona e Copenaghen
Negli spazi del Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona sarà possibile visitare - fino al 4 febbraio 2019 - la mostra itinerante "Pose and Variations. Sculpture in Paris in the age of Rodin" (Posa e variazioni. La scultura a Parigi all'epoca di Rodin), che arriverà poi in Danimarca alla Ny Carlsberg Glyptotek di Copenaghen.
La mostra parte dalle sculture francesi ottocentesche acquisite dai collezionisti Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955) e Carl Jacobsen (1842-1914) e normalmente conservate nei musei citati in precedenza, che furono fondati proprio dai suddetti filantropi. A colpire - come spiegato durante la visita alla mostra - è il fatto che le due collezioni (quella danese risulta più ampia) sembrino in dialogo tra loro, con sorprendenti analogie.
Tema centrale della mostra itinerante è la posa nella scultura figurativa (elemento fondamentale, sebbene talvolta sfuggente, come nel caso dei bambini), che qui viene mostrata in particolare nel suo manifestarsi con rielaborazioni, ripetizioni, variazioni, riferimenti costanti alle opere precedenti. L'esposizione ripercorre il ciclo vitale, a partire dalla maternità e dall'infanzia, per arrivare all'età adulta.
Fondamentale l'attenzione alla tradizione classica, che però viene rielaborata in maniera realistica e anche sensuale. E se assoluta protagonista è la figura umana, grande importanza ha la natura: questa immerge il visitatore sin dal suo ingresso al Museo Calouste Gulbenkian, che si dimostra così una sede particolarmente calzante e suggestiva per questa mostra.
Un cenno meritano anche le attività che il museo portoghese offre a bambini e famiglie: laboratori di scultura per e concerti di musica classica, che si tengono negli stessi spazi dell'esposizione e che si sposano perfettamente con le opere presentate.
Pose and Variations. Sculpture in Paris in the age of Rodin
Pose e Variações. Escultura em Paris no tempo de Rodin
(Posa e variazioni. La scultura a Parigi all'epoca di Rodin)
Curatori: Luísa Sampaio e Rune Frederiksen
Alla Galeria Principal del Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona fino al 4 febbraio 2019.
Avenida de Berna, 45A
Tel +351 217 823 000
Alcune opere selezionate sono presenti sulla app del Museo Calouste Gulbenkian.
Foto di Giuseppe Fraccalvieri
L'International Archaeological Discovery Award “Khaled al-Asaad” va alla petite Pompéi di Francia: Vienne
La Borsa Mediterranea del Turismo Archeologico e Archeo hanno inteso dal 2015 dare il giusto tributo alle scoperte archeologiche attraverso un Premio annuale assegnato in collaborazione con le testate internazionali, tradizionali media partner della BMTA: Antike Welt (Germania), as. Archäologie der Schweiz (Svizzera), Current Archaeology (Regno Unito), Dossiers d’Archéologie (Francia).
L’International Archaeological Discovery Award “Khaled al-Asaad” è l’unico riconoscimento mondiale dedicato agli archeologi, che con sacrificio, dedizione, competenza e ricerca scientifica affrontano quotidianamente il loro compito nella doppia veste di studiosi del passato e di professionisti a servizio del territorio.
Il Direttore della Borsa Ugo Picarelli e il Direttore di Archeo Andreas Steiner hanno condiviso questo cammino in comune, consapevoli che “le civiltà e le culture del passato e le loro relazioni con l’ambiente circostante assumono oggi sempre più un’importanza legata alla riscoperta delle identità, in una società globale che disperde sempre più i suoi valori”. Il Premio, dunque, si caratterizza per divulgare uno scambio di esperienze, rappresentato dalle scoperte internazionali, anche come buona prassi di dialogo interculturale.
Vincitrice della quarta edizione è risultata la “piccola Pompei francese” di Vienne (sulle sponde del Rodano, a circa 30 km a sud di Lione, ma scopriamo di più.
Nella periferia della città di Vienne, in Francia, durante dei lavori per la costruzione di un complesso residenziale, gli archeologi hanno trovato un antico quartiere romano con resti di domus ed edifici pubblici ben conservati dopo una serie di incendi e per questa particolare distruzione del sito, hanno definito Vienne la piccola Pompei francese. La scoperta sembra essere una delle più importanti fatte negli ultimi 40-50 anni. La città di Vienne è famosa già per il suo teatro e per il tempio dedicato ad Augusto e Livia, quindi non estranea ad altri importanti ritrovamenti, ma soprattutto in antico era uno snodo importante nel percorso che collegava il nord della Gallia alla regione Narbonensis, a sud. Il sito doveva estendersi su una superficie di circa 7000 metri quadrati, una scoperta insolita ed eccezionale in un’area urbana, tanto che lo stesso ministero della cultura francese aveva definito l’evento come una “découverte exceptionelle”! Il quartiere romano, con case ed edifici databili al I secolo d.C., si crede possa essere stato abitato per circa 300 anni prima di essere abbandonato in seguito a degli incendi. Molti degli oggetti e degli arredi delle abitazioni si sono perfettamente conservati, trasformando l’area in una vera “petite Pompéi” francese. Tra le strutture sopravvissute, una importante domus chiamata Casa dei Baccanali con pavimenti mosaicati raffiguranti scene di corteggio con menadi e satiri. L’incendio distrusse il primo piano della casa, il tetto e il balcone, ma molte parti della struttura si sono conservate quasi intatte. Gli studiosi ritengono che la sontuosa domus che aveva al suo interno anche preziosi marmi e godeva di giardini magnifici ed importanti riserve idriche, potesse appartenere ad un ricco mercante della zona. In un altro edificio, invece, si è conservato un mosaico con Talia, una delle grandi muse figlie di Zeus e Mnemosine, nuda e rapita dal dio Pan. I mosaici sono stati staccati con cura e portati in un laboratorio di restauro per poi essere esposti nel 2019 al Museo della Civiltà gallo-romana di Vienne. Durante gli scavi, in luce è venuto fuori anche un edificio pubblico con fontana monumentale ornata da una statua di Ercole, secondo il responsabile dello scavo Clement, probabilmente una scuola di retorica/filosofia ospitata a Vienne.
Le prime cinque scoperte archeologiche del 2017 candidate per la vittoria della quarta edizione sono risultate:
Egitto: il ginnasio ellenistico rinvenuto ad Al Fayoum
Francia: una piccola Pompei a Vienne
Iraq: il più antico porto di una città sumerica ad Abu Tbeirah
Italia: la Domus del Centurione dagli scavi della metro C a Roma
Tunisia: una città romana sommersa nel golfo di Hammamet
Pelle d’anima
Negli anni '70 la bella Catherine Deneuve viene scelta per impersonare l'eroina della fiaba Pelle d'Asino nella versione cinematografica di Jacques Demy. Dopo oltre 40 anni, un team di ricercatori decide di tentare uno scavo archeologico all'interno dei luoghi adoperati come set durante le riprese del film.
L'impresa si rivelerà sorprendente, per il carico di scoperte che questa indagine, fisica e psicologica, porterà alla luce.
Peau d'Âme, di Pierre Oscar Levy, è una fiaba nella fiaba, da gustare sabato 20 ottobre, alle ore 22.00, nell'ambito dell'ottava edizione della Rassegna del Documentario e della Comunicazione Archeologica di Licodia Eubea.
https://vimeo.com/265547031
Peau d'Âme
Pelle d'anima
Nazione: Francia
Regia: Pierre-Oscar Lévy
Consulenza scientifica: Olivier Weller
Durata: 100’
Anno: 2017
Produzione: Look at Sciences
Sinossi: L'archeologo Oliver Weller ha deciso di ritrovare, insieme alla sua squadra, i luoghi in cui Jacques Demy ha girato diverse scene del suo film Skin Donkey. Sembra tutto scomparso, ma basta graffiare un po’ di terra per veder comparire perle, unghie, brillantini e altri frammenti. In seguito agli scavi, Pelle d’anima cerca di avvicinarsi al fascino di una storia le cui origini si perdono nella tradizione orale.
Partecipazioni ad altri film festival e/o proiezioni pubbliche:
- Festival La manufacture d’idées 2017 – Hurigny (Francia)
- Festival de l’histoire de l’art 2017 – Fontainebleau (Francia)
- Les rendez-vous de l’Histoire 2017 – Blois (Francia)
- Festival Internacional de Cine Arqueológico del Bidasoa 2017 – Irun, Paesi Baschi (Spagna)
- Rencontres Archéologie et cinéma 2018 – La Narbonnaise (Francia)
- Festival d’archéologie d’Amiens 2018 – Amiens (Francia)
- Firenze Archeofilm – Festival Internazionale del Cinema di Archeologia Arte Ambiente
Premi e riconoscimenti:
- Premio del pubblico - Festival du film d’Archéologie, Clermont-Ferrand 2017
- Menzione speciale della giuria – Rassegna Internazionale del Cinema di Rovereto 2017
Informazioni regista: Pierre Oscar Lévy è un regista e sceneggiatore francese nato il 1 aprile 1955 a Parigi. Laureato all'IDHEC nel 1977 (Sezione realizzazione - assemblaggio), dopo aver abbandonato la pittura, ed essendo stato un editore, è diventato regista dal 1982 e produttore dal 1989. Specialista del film documentario, è stato autore di oltre un centinaio di film con argomenti vari. In particolare, ha diretto film per il programma cult Cinéma, Cinémas tra il 1986 e il 1992. Ha prodotto, scritto e diretto il programma di scienza d’arte Archimède(s) dal 1994 al 2003. Dal 1979 al 1981 è stato un vignettista per la stampa, in particolare per il quotidiano Le Monde e per Le Quotidien de Paris. È anche l’autore della sceneggiatura di un fumetto, ideato da Frederik Peeters e pubblicato in Svizzera da éditions Atrabile nel settembre 2010, Château de Sable. Tra i suoi desideri, quelli di continuare la pratica della fotografia, di diventare un attore, uno scrittore e rimanere un eterno studente.
Informazioni casa di produzione:
http://site.lookatsciences.com/
https://it-it.facebook.com/peaudame1/
Scheda a cura di: Fabio Fancello
Il mito del Labirinto
Il mito del labirinto, prodotto da TSVP - Tournez S'il Vous Plaît, ci porta nell'isola di Creta, a Knosso, Festo e Sissi, dove gli archeologi hanno sviluppato nuovi metodi per comprendere l'architettura di queste misteriose strutture, legate ad una delle più raffinate civiltà del mondo antico, quella minoica.
Il film sarà proiettato alle 19.00 di giovedì 18 ottobre, a chiusura della sessione pomeridiana del primo giorno dell'ottava edizione della Rassegna del Documentario e della Comunicazione Archeologica di Licodia Eubea.
Le mythe du Labyrinth
Il mito del Labirinto
Nazione: Francia
Regia: Mikael Lefrançois, Agnès Molia
Consulenza scientifica: Peter Eeckhout
Durata: 26’
Anno: 2018
Produzione: Tournez S’il Vous Plaît – Arte
Sinossi: Tra il 1400 e il 1300 a.C., fiorì a Creta la raffinata civiltà minoica. I Minoici furono i primi, nella cultura europea, ad adoperare la lingua scritta. Hanno dato prova del loro alto livello artistico attraverso raffinati affreschi e sculture. Hanno costruito edifici sontuosi, la cui complessità ha a lungo affascinato gli archeologi. Oggi, grazie agli scavi condotti a Cnosso, Festo e Sissi, combinati alla ricerca matematica, gli archeologi hanno sviluppato nuovi metodi per comprendere l’architettura di questi edifici. I risultati mettono in discussione il nostro sapere relativo a una civiltà che pensavamo di conoscere bene.
Partecipazioni ad altri film festival e/o proiezioni pubbliche:
- Arkhaios Film Festival (South Carolina, USA) 2018
- Trasmesso su Arte Italia
Informazioni regista:
- Mikael Lefrançois, reporter e regista. Laureato alla TSVP Academy (e CFPJ), realizza documentari o li trasforma come cameraman. A volte fa entrambe le cose contemporaneamente, suonando il banjo.
- Agnès Molia, produttrice televisiva e direttrice editoriale di TSVP. Diplomata all’ESJ Lille, dove adesso è formatrice, è autrice di circa 50 documentari. Cofondatrice di Turn Please, con la sorella Christie, è regista e produttrice e direttrice della collana di documentari “On Our Traces and Archaeological Investigations” per Arte.
Informazioni casa di produzione:
http://tsvp-prod.com e https://www.facebook.com/tsvp.prod/
Scheda a cura di: Fabio Fancello
