L'antica Cipro protagonista di una mostra crocevia di civiltà

Gli oggetti non mentono. Stanno lì nella loro nuda e indiscutibile evidenza.

Persino quando gli si raggrumano intorno millenni di storie, raccontante da tante voci diverse. Persino quando sentiamo che ci mancano gli strumenti per leggerli davvero.

Loro sono lì, e nel caso della mostra “Cipro, crocevia di civiltà” stanno privi di ogni costruzione retorica e artificio espositivo, a significare null’altro che se stessi. E comunque non è poco.

Figura antropomorfica cruciforme doppia, Salamiou-Anephani, 3000 a.C.
Figura antropomorfica cruciforme doppia, Salamiou-Anephani, 3000 a.C.

‌Chi avrà voglia di percorrere le sale Chiablese - gli ambienti che i Musei Reali di Torino dedicano alle esposizioni temporanee - fino al 9 gennaio 2022 potrà imbattersi in un allestimento minimale cucito intorno ad un patrimonio per cui vale la pena spendere l’aggettivo “straordinario”.

Non necessariamente nel miglior senso del termine.

L'origine dei reperti in mostra

Gli oggetti, dicevamo, sono reperti di altissimo valore e superba eleganza, che rappresentano in modo pulito, inequivocabile, verrebbe da dire assertivo, l’espressione materiale della cultura e della civiltà maturate nell’isola di Cipro, dal Calcolitico al VII sec. d.C..

Un numero notevolissimo di reperti che costituiscono uno dei nuclei più interessanti e imprevedibili del del patrimonio del Museo di Antichità di Torino. Molti di questi, peraltro, vengono esposti al pubblico per la prima volta proprio in occasione di questa mostra.

mostra cipro Alessandro Palma di Cesnola
Un ritratto di Alessandro Palma di Cesnola

Arrivano a Torino per una via davvero insolita: sono infatti dono di un illustre piemontese, Alessandro Palma di Cesnola, che però aveva fatto fortuna altrove.

La sua biografia è più avventurosa di un romanzo d’appendice:‌ nato a Rivarolo Canavese, si distingue giovanissimo nei ranghi dell’esercito sabaudo, e altrettanto presto ne viene allontanato per una non chiara faccenda di debiti. Emigrato in America con la stessa spregiudicatezza si conquista una posizione, e dopo una carriera militare che lo vede impegnato anche nella Guerra Civile arriva a farsi nominare console americano a Cipro.

Sbarca sull’isola il giorno di Natale del 1865 con la moglie e la figlia e sceglie di vivere a Lanarca, la più cosmopolita tra le città cipriote, la più frequentata da personaggi ricchi e influenti.

Le mansioni di console non sono troppo impegnative. Lasciano al contrario largo spazio a quella che diventerà la sua attività più nota, quella della raccolta e ricerca di antichità.

mostra cipro reperti
I reperti illustrati nel volume Cyprus Antiquities excaveated by Major Alexander Palma di Cesnola, 1881

Per questo tipo di impresa non si può a mio parere in nessun modo parlare di scavi, e tantomeno di archeologia. Palma di Cesnola non ci lascia una singola pianta, neppure un vago schizzo del contesto di scavo.

I limiti dell'antiquaria

Il suo approccio è puramente predatorio:‌ tirare fuori da terra quanti più reperti possibile, quanto più belli, integri e quanto più riconducibili a fenomeni culturali già noti. Lo scopo è da un lato quello di ottenere fama e riconoscimento internazionali, dall’altro ricavare grosse cifre di denaro dalla vendita di singoli oggetti, o meglio ancora di grandi lotti di reperti, che facevano gola ai musei nascenti.

ceramica cipriota

Alla sua attività dobbiamo quindi da una parte la ricchezza, numerica e qualitativa, dei moltissimi reperti lasciati in dono alle istituzioni culturali torinesi e confluite nel patrimonio del Museo d’Antichità di Torino. Così come quello straniante alone di silenzio che li circonda.

Ci sono frammenti di sculture, per lo più teste, di cui non sappiamo ipotizzare un corpo e nemmeno un uso.

Ci sono vetri di deliziosa fattura che non sappiamo a chi o a che luogo appartenessero.

C’è un patrimonio ceramico davvero impressionante, che mostra un gusto estetico saldo e preciso, capace di aggiornarsi con lo scorrere del tempo e delle influenze culturali, senza mai perdere un’identità riconoscibile.

mostra cipro testa in pietra

Lo sguardo della mostra sull'eredità di Cipro

La mostra organizza tutto questo materiale attraverso sette sezioni, che mescolano con sapienza un andamento cronologico a uno, prevalente, tematico. Ecco come si presentano:

  1. Cipro a Torino. Dall’Antiquaria all’archeologia
  2. Vivere a Cipro. Dal villaggio ai grandi imperi
  3. Donna & Dea. L’isola declinata al femminile
  4. Oriente & Occidente. Cipro porto e ponte nel Mediterraneo
  5. Contaminazioni. Lingue, scritture e potere
  6. Il senso del sacro. Culti, simboli e ritualità
  7. Torino a Cipro

La prima sezione fornisce le informazioni necessarie a comprendere come gli oggetti in mostra siano giunti dove sono oggi. La seconda, molto ricca, ricostruisce a grandi linee, attraverso un dialogo tra i reperti e l’apparato didattico, le vicende storiche, sociali ed economiche dell’isola.

mostra cipro divinità femminile
Statua di dea in trono con testa non pertinente, Idalion, 400-380 a.C.; 240 a.C. ca. (testa)

La terza sezione vuole offrire una cornice di senso alle tante, tantissime opere che hanno un legame con la figura femminile:‌ divinità, portatrici di offerte, partorienti. D’altronde il rapporto dell’isola con la costruzione di una cultura e di rappresentazioni intorno all’idea di femminilità si radica nel racconto mitologico.

È proprio il mito Greco che sceglie le coste cipriote come luogo della nascita di Afrodite. E a considerare le numerose, affascinanti rappresentazioni plastiche legate a culti femminili presenti in mostra viene da pensare che il mito in qualche modo abbia registrato un tratto peculiare delle civiltà cipriota.

mostra Cipro sala del mito di Venere
La sala dedicata alla rappresentazione della figura femminile e al mito di Afrodite

Mito, realtà storica, eredità culturale

Ricordare il racconto mitologico è funzionale a stabilire un rapporto che percorre due direzioni temporali opposte:‌ indietro verso l’esplorazione dei culti della Cipro antica, avanti verso il legame con la cultura europea dei secoli a noi più vicini.

L’allestimento infatti non manca l’occasione di far dialogare le collezioni archeologiche con quelle artistiche:‌ le rappresentazioni di Venere nella pittura europea, specie dal Cinquecento in poi, confermano quanto le suggestioni della civiltà cipriota siano rimaste un tassello riconoscibile nell’immaginario dell’Occidente di età moderna.

mostra cipro figure femminili
La vetrina dedicata al tema della maternità

Da segnalare una chicca:‌ soprattutto in questa sezione alcune sculture sono esposte in un modo che permette al visitatore un rapporto davvero ravvicinato con l’opera, da un punto di vista anche piuttosto inedito. Che però di certo facilita la fruizione a segmenti di pubblico a cui spesso non si riserva la dovuta attenzione.

Qui è la bellezza intensa dei reperti che domina la scena e che lascia immaginare la profonda ricchezza di una cultura densa e stratificata. Anche la trascrizione fisica della figura umana ondeggia come la risacca tra lineamenti che definiamo “europei” oppure “medio-orientali”, sgretolando la fragilità delle categorizzazioni e mettendo a fuoco l’esistenza di civiltà in cui non ha senso nemmeno parlare di contaminazione.

scultura divinità femminile cipriota
Dea in trono (Astarte?), Cipro, prima metà VI sec. a.C.

Piuttosto dimostrano l’insussistenza di una vera distinzione e al contrario quanto sia reale e tangibile l’identità di una civiltà mediterranea.

In questo senso la sezione seguente, dedicata al culto, ci permette di esplorare la ricchezza di espressioni culturali e artistiche fiorite intorno alla sfera del sacro, ma questa parentesi poetica si tuffa subito nella concretezza delle vicende economiche.

Cipro e il Mediterraneo

L’area dedicata agli scambi commerciali che Cipro ha intrattenuto durante tutta la propria storia con l’intero bacino del Mediterraneo si impone non soltanto per qualità e quantità di reperti, ma per un dialogo vincente tra oggetti e allestimento che trasmette con efficacia la multiculturalità peculiare, ricca e consapevole della civiltà cipriota.

busto di Caracalla
Busto dell'imperatore Caracalla, Cipro, fine II - inizi III sec. d.C.

Un po’ come se ci si trovasse immersi in una indaffarata ed elegantissima New York dell’antichità.

La qualità delle scelte espositive rimane altissima anche per la sezione che illustra il pluri-linguismo dell’antica Cipro come emerge dagli oggetti conservati. Un allestimento, e in generale una mostra che, dobbiamo riconoscere, hanno attraversato vicende non facili

Come una nave che solcava l’antico Mediterraneo e approdava finalmente a Cipro dopo aver scampato una tempesta, anche questa mostra ci giunge dai marosi della pandemia.

testa fittile

Concepita per essere inaugurata nel 2020 è stata molte volte rimandata, finché quasi non si è concretizzata l’opzione di cancellarla del tutto.

La tenacia dei curatori, in questo caso, ha trovato però un valido supporto nella collaborazione internazionale.

In mostra il patrimonio di Cipro dalle più prestigiose collezioni internazionali

Un’altra caratteristica di questa esposizione è quella di aver radunato non soltanto il nucleo torinese delle antichità raccolte da Alessandro e Luigi Palma di Cesnola, ma di averlo ricongiunto con reperti che fanno parte degli altri, importanti lotti, venduti a grandi musei internazionali.

In particolare sono il British Museum e il MET ad aver acquistato i nuclei più importanti;‌ addirittura il contributo di Palma di Cesnola alle nascenti collezioni del‌ Metropolitan Museum di New York fu così determinante da farne il primo direttore, a partire dal 1879. Incarico che mantenne fino alla sua morte, nel 1904.

Oggi tutte queste grandi istituzioni, che in passato gareggiavano per accaparrarsi i reperti più preziosi, si sono sapute coordinare con successo. Lo spirito di collaborazione che ha portato all'allestimento dell'esposizione porta un altro risultato: quello di poter finalmente restituire alla comunità scientifica, e non solo, tutti i dati che possiamo ricavare dallo studio sistematico dei reperti.

ceramica zoomorfa

Non possiamo ormai impedire che l'antiquaria come intesa e praticata nell'Ottocento faccia danni incalcolabili al patrimonio e alla nazione cui è stato sottratto. Possiamo però ricavare, condividere e diffondere il massimo delle conoscenze che da questi oggetti si trae. E possiamo praticare un'archeologia radicalmente diversa.

Lo testimonia l'ultima, intensa sezione della mostra, che documenta il lavoro delle recenti missioni italiane a Cipro e che illustra al meglio quante storie, quanti dati, quanta conoscenza si può ricavare da una campagna condotta in maniera scientifica, e al contrario quanto è stato perso nella furia ottocentesca della corsa alle antichità.

Un racconto davvero originale

La mostra tratteggia l'antica civiltà di Cipro in un susseguirsi di suggestioni, avventure, ipotesi e certezze. Una ricchezza di ispirazioni che non può lasciare indifferenti giovani talenti creativi: nasce infatti dalla collaborazione tra i Musei Reali e la scuola Holden un podcast.

Un intelligente, divertente e stimolante prodotto culturale, che prepara, accompagna o completa la visita alla mostra. E non solo: ci ricorda come la cultura sia una meravigliosa macchina capace di generare novità e mettere in moto circoli virtuosi.

FOTO: Chiara Zoia

 


L'arte di Consagra celebrata al Teatro Antico di Taormina

Nel bellissimo scenario paesaggistico e archeologico del Teatro Antico di Taormina si celebrerà con una mostra il centenario della nascita del grande artista Pietro Consagra (1920-2005).

Una selezione di opere, realizzate tra il 1964 e il 2003, accompagnerà i visitatori in un dialogo tra antico e contemporaneo che avvicina lo spettatore alla sintesi rappresentativa dell’incessante ricerca di Consagra di tecniche, materie e colori espressivi che hanno dato vita a opere volte a suscitare un senso di libertà e un impulso a interrogarci sugli accadimenti contemporanei.

Molte delle opere di Pietro Consagra sono collocate qui a Taormina in corrispondenza degli antichi vomitoria del teatro, cioè gli accessi alla cavea, e le immaginiamo di primo acchito come personaggi di un coro al cospetto della scena; è come se questo coro di Consagra, tuttavia aniconico e atemporale, assistesse alla rappresentazione sulla scena e dialogasse con lo spettatore assiepato sulle gradinate.

Da un lato è qui quella smaterializzazione della stessa scultura che nasce dalla sublimazione della visione frontale e che è caratteristica di tutta la produzione del maestro siciliano, dall’altro lato la stessa scultura, nella sua smaterializzazione, si distacca dalla realtà per poterla osservare e interrogare.

Pietro Consagra
Pietro Consagra. Foto: Electa Editore

Le parole di Pietro Consagra, nello scritto “Vita mia”, del 1980, ci spiegano la valenza propria della sua arte nell’esprimere le idee che si agitavano nel suo tempo: “Volevo riportare sulla materia il rapporto che avevo con la società, un risentimento politico per come le cose andavano e nello stesso tempo dispormi necessario coerente, giustificato”. Per questo la materia di Consagra si dissolve ma, facendo parte dello spazio sociale e civile, trasmette al contempo un pensiero autonomo e autentico.

L'opera e l'arte di Consagra è fortemente legata alla sua Sicilia, terra natia dalle mille contraddizioni, terra ferita e martoriata nella sua lunga storia secolare. E questo amore profondo ha visto un pieno compimento nella ricostruzione della nuova Gibellina dopo il terremoto del ’68, come è emerso anche dalla realizzazione di una mostra fortunata mostra a Palazzo Steri di Palermo del 1991, dedicata al colore come materia spirituale, energia vitale sia in scultura che in pittura.

Terra natale fertile, pulsione sociale nella metafora di un’identità pienamente mediterranea in un artista che, rivoluzionando l’opera nello spazio, ha fatto da apripista per le successive generazioni di scultori.

E l’opera di Consagra continua ad essere un messaggio di speranza perché proprio oggi l’arte sia nuovamentela salvezza della spiritualità collettiva e della fiducia in crisi”.

La mostra Pietro Consagra. Il colore come materia è a cura di Gabriella Di Milia e Paolo Falcone, l’esposizione è promossa dalla Regione Siciliana, Assessorato ai Beni Culturali e dell'Identità siciliana, dal Parco Archeologico Naxos Taormina, diretto da Gabriella Tigano, con l’organizzazione di Electa, in collaborazione con l’Archivio Pietro Consagra; il progetto di allestimento è curato dall’architetto Ruggero Moncada di Paternò.

Foto Consagra Courtesy of Electa Editore

 


Corpus Juvarrianum mostra pubblicazione

Il Corpus Juvarrianum offerto al grande pubblico attraverso una mostra e una pubblicazione

IL CORPUS JUVARRIANUM PER LA PRIMA VOLTA OFFERTO AL GRANDE PUBBLICO ATTRAVERSO UNA MOSTRA E UNA NOTEVOLE PUBBLICAZIONE

Il 1720 ha rappresentato per la città di Torino un anno di storici e cruciali avvenimenti, dall’annessione ai possedimenti dei Savoia del Regno di Sardegna alla fondazione, in seguito all’editto regio del 25 ottobre, della Biblioteca universitaria dell’Ateneo Torinese, che la stessa Biblioteca Nazionale, a trecento anni di distanza, ha voluto ricordare attraverso uno speciale omaggio al “regista di corti e capitali” Filippo Juvarra.

Per la prima volta viene, infatti, esposto al grande pubblico, al piano interrato dell’edificio di piazza Carlo Alberto, nella sala mostre per l’occasione intitolata al grande architetto messinese, il cosiddetto Corpus Juvarrianum, il più importante e cospicuo fondo di manoscritti, stampe e disegni a lui appartenuto e acquisito dalla Biblioteca tra il 1762 e 1763.

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Nato e cresciuto a Messina, Filippo Juvarra cominciò il proprio percorso di formazione attraverso l’intenso studio del Vignola e l’attività presso la bottega del padre argentiere e, intrapresa la carriera religiosa, si trasferì a Roma dove ebbe modo di interiorizzare il linguaggio della classicità con la pratica dell’indiscusso e fondamentale strumento di lavoro che Carlo Fontana gli consigliò, il disegno.

Non mancarono negli anni le occasioni di dimostrare il proprio talento e il proprio originale estro artistico, elementi che divennero ben presto le chiavi del suo successo internazionale: dai primi incarichi nella città eterna al soggiorno lucchese, dai numerosi interventi nella città sabauda, per volere del re Vittorio Amedeo II, ai viaggi a Lisbona, Parigi, Londra, fino all’ultima chiamata a Madrid dove morì nel 1736.

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Ed è partendo dalle sue vedute di paesaggi, dalle fantasie architettoniche, dai prospetti, dagli schizzi, o meglio dai "pensieri",  così come egli amava definirli, da lui utilizzati nel corso della sua intera carriera artistica come mezzo di comunicazione di idee e di competenze, che ha saputo mostrarsi non solo un geniale architetto ma un vero artista “a tutto tondo”.

Imponente e quasi impossibile sarebbe l’impresa, avviata da Vittorio Viale già nel 1971, di riuscire a ricostituire l’enorme completo Corpus Juvarrianum, ovvero tutta l’eredità lasciataci dal grande architetto, per mole di materiale e per la dispersione che questa ha avuto nel mondo, ma di certo un grande passo in avanti è stato fatto attraverso il lungo e laborioso lavoro svolto su quanto la Biblioteca Nazionale e Torino, in generale, conserva di questo importante patrimonio.

La mostra, visitabile gratuitamente previa prenotazione fino al 31 maggio (non appena il Piemonte tornerà in zona gialla) è stata curata da Maria Vittoria Cattaneo, Chiara Devoti, Elena Gianasso, Gustavo Mola di Nomaglio, Franca Porticelli, Costanza Roggero e Fabio Uliana, con il sostegno della Fondazione Compagnia di San Paolo, della CRT-Cassa di Risparmio Torinese, di Reale Mutua Assicurazioni, in sinergia con il Dipartimento Interateneo di Scienze, progetto e politiche del territorio, la Scuola di Specializzazione in beni architettonici e del paesaggio e il Politecnico di Torino, oltre che al patrocinio della Regione Piemonte e del Comune di Torino.

Tre sono i principali filoni nei quali si dipana il percorso espositivo, ciascuno dei quali suddiviso in differenti sottosezioni. Il primo, dedicato agli studi eseguiti negli anni di formazione a Messina e a Roma, fino agli interventi da Primo Architetto civile di Sua Maestà, mostra alcuni tra i più celebre ed importanti progetti per edifici religiosi e laici realizzati nella capitale torinese, come la basilica di carattere votivo e funerario di Superga, l’ormai distrutta Chiesa di Sant’Andrea di Chieri e la straordinaria Palazzina di Caccia di Stupinigi mentre, in uno dei due prestiti ricevuti per l’occasione, ovvero il progetto esecutivo per la rettifica della contrada e della piazza di Porta Palazzo, firmato in tutte le sue parti dallo stesso Juvarra, emerge la sua abilità di urbanista della corte reale.

A questi primi esempi vengono affiancati gli album contenti le testimonianze dell’attività di Juvarra come insegnante, già iniziata presso l’Accademia di San Luca di Roma: una serie di esercizi proposti dal maestro che gli allievi erano chiamati a completare per allenarsi ad acquerellare e “far di pianta”, così come ci mostrano gli esiti di uno dei suoi più talentuosi pupilli, Giovanni Pietro Baroni di Tavigliano.

E ancora una piccola ma singolare sezione dedicata alle targhe e agli stemmi araldici romani, soggetto a lungo sperimentato e studiato da Juvarra tanto da andare a costituire, nel 1711, una vera e propria pubblicazione e che restituisce al pubblico di ogni livello il suo interesse inusuale, e forse poco conosciuto, nei confronti degli elementi decorativi, che dovevano sapientemente dialogare con le strutture architettoniche da lui ideate.

Corpus Juvarrianum
Il Corpus Juvarrianum offerto al grande pubblico attraverso una mostra e una pubblicazione alla Biblioteca Nazionale Universitaria di Torino

Al secondo filone è, invece, affidato il compito di ripercorrere l’attività del Cavalier Juvarra come scenografo, in particolare negli anni romani tra il 1709 e il 1714, con la cruciale esperienza a servizio del Cardinal Ottoboni e dei successivi incarichi. L’approccio con il mondo del teatro gli permise di concepire e saggiare non solo il rapporto tra natura e finzione, visione ed evocazione, ma anche la definizione di sontuosi spazi ariosi continuamente percorribili dallo sguardo. Lo testimoniano molte delle prospettive angolari e dei pensieri rappresentanti vasti saloni e cortili di carceri, realizzati in previsione della costruzione di maestosi apparati scenografici ed inseriti nell’album della Riserva 59.4, un unicum nell’intero corpus dei 18 volumi, poiché creato dallo stesso Juvarra smontando e ricomponendo un personale taccuino di disegni redatto nel 1707 e corredato di numerose didascalie.

Sono stati scelti, a titolo esemplificativo di questo suo importante impegno, i documenti che attestano i lavori eseguiti in occasione dei festeggiamenti, nel 1722, del matrimonio tra Carlo Emanuele e Anna Cristina Ludovica, e della messa in scena dell’opera de il Ricimero, cui segue l’esposizione dello spartito autografo di Antonio Vivaldi dell’Orlando finto pazzo, altro importante tesoro della Biblioteca Nazionale, allo scopo di mettere in relazione due tra i più preziosi e importanti beni conservati dalla biblioteca e rendere conto della fortuna che l’arte del melodramma ebbe a Torino.

La terza e ultima sezione è incentrata sul decennale legame storico-politico tra Sicilia, Piemonte ed Europa, proseguito anche oltre la sostituzione della Sicilia con la Sardegna (1720) fino al 1861, che hanno permesso non solo a Juvarra ma ad un vasto numero di letterati e artisti di approdare in quello che, sempre più velocemente, si stava trasformando in un polo culturale d’eccellenza, e di cui i volumi presentati, in parte di proprietà della Nazionale, in parte di biblioteche private, ne sono la prova.

Il percorso espositivo è inoltre arricchito di un ottimo apparato multimediale, voluto e curato da Tomaso Cravarezza, che consente ai visitatori di sfogliare virtualmente gli album di disegni esposti nelle teche e di apprezzarli nella loro interezza, avendo così modo di costruire un personale “itinerario” tra il Corpus Juvarrianum, alla luce delle proprie conoscenze e curiosità.

Corpus Juvarrianum mostra pubblicazione

Corpus Juvarrianum mostra pubblicazione
Il Corpus Juvarrianum offerto al grande pubblico attraverso una mostra e una pubblicazione alla Biblioteca Nazionale Universitaria di Torino

 

Un vasto e complesso progetto, questo, nato nel dicembre 2019 che ha dovuto affrontare il difficile ostacolo della pandemia, tanto da rendere le operazioni di organizzazione talvolta travagliate e da spingere i suoi stessi curatori, nel corso del tragico anno per il mondo dell’arte e della cultura, il 2020, a dubitare della buona riuscita dell’evento. Ma la speranza più grande è stata da loro riposta nella corposa pubblicazione che avrebbe corredato la mostra del 2021 e che il COVID-19 non avrebbe certamente potuto fermare.

Un grande e originale contributo alla vasta letteratura su Filippo Juvarra, a cura di Franca Porticelli, Costanza Roggero, Chiara Devoti e Gustavo Mola di Nomaglio ed edito dal Centro Studi Piemontesi, che ospita, per la prima volta, l’inventario aggiornato dell’intero corpus (soggetto, datazione, tecnica e bibliografia per ciascun disegno) ed una serie di saggi volti a restituire un inquadramento storico, artistico e culturale della produzione juvarriana.

Il ricavato della vendita verrà impiegato per il finanziamento del restauro del manoscritto Dante Alighieri, Inferno, sec XVI, in occasione dell’anniversario dantesco, ulteriore modo per celebrare l’importante ricorrenza della biblioteca, oltre alla possibilità di poter visitare lo spazio allestito, a fianco della sala mostre, con l’antico laboratorio di restauro del libro inaugurato a seguito del devastante incendio del 1904.

Un’occasione, dunque, di presentare, al grande pubblico e ai più esperti in materia, l’eccezionalità di questo patrimonio librario, offerto nella sua compiutezza e corredato da un ampio apparato critico, a testimonianza della genialità e della grandezza di quel Primo Architetto Civile di Sua Maestà che, a distanza di trecento anni, sa ancora stupire e appassionare.

La playlist coi video della mostra è al seguente link: https://youtube.com/playlist?list=PLPebULDXW6aMaWSHbXLBNd3rXsYH-1uyw

Tutte le foto sono state fornite dall'ufficio stampa della Biblioteca Nazionale Universitaria di Torino.


Michelangelo Galliani

“AD INTEGRUM”: Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico

“AD INTEGRUM”: Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico AD INTEGRUM Michelangelo Galliani

Fino al 19 novembre quattro sculture dell’artista reggiano dialogano con il suggestivo spazio nel cuore del capoluogo meneghino.

Una basilica fondata nell’VIII sec. d.C., nel luogo dove si dice Sant’Ambrogio abbia rinvenuto i corpi dei martiri Nazaro e Celso; un altare costituito da una sovracassa di marmo che ha custodito il sarcofago con le preziose reliquie di San Celso; capitelli di forma romano-corinzia; una facciata ricostruita nel 1854 dall’architetto svizzero Luigi Canonica.

Tutto nella Basilica di San Celso, in Corso Italia 37 a Milano, parla di storia.

Confrontarsi, scontrarsi e infine dialogare con un tale spazio espositivo, ora totalmente dedicato a progetti culturali, non è facile per un artista contemporaneo.

Michelangelo Galliani, classe 1975 e un diploma in scultura alle spalle, si è cimentato nell’impresa e ha vinto la sfida.

AD INTEGRUM Michelangelo Galliani

La mostraAd integrum”, curata da Angela Madesani, promossa da Cris Contini Contemporary ed organizzata dall’associazione culturale lartquotidien, in collaborazione con il Santuario, propone le opere di un artista che, fin dall’inizio della sua carriera, ha scelto di rapportarsi con la classicità. Decisione tutt’altro che semplice, visto il rischio di venir considerati dai futuri osservatori come meri copiatori privi di creatività.

4 opere di Michelangelo Galliani alla Basilica di San Celso”, questo il sottotitolo dell’esposizione, è effettivamente ricchissima di rimandi alla storia dell’arte, ma in chiave rivisitata e concettualmente tutt’altro che banale.

Dunque le chiavi di lettura, da tener a mente visitando l’esposizione, sono il concetto di tempo e di frammento.

I personaggi che via via si "incontreranno" saranno Giorgione, Caravaggio, Auguste Rodin, Medardo Rosso e, secondo la curatrice, Adolfo Wildt, Luciano Fabro, Pier Paolo Calzolari e Giuseppe Penone.

Ma andiamo con ordine e partiamo dal titolo della retrospettiva, già di per sé molto evocativo.

Ad integrum”, completare: caratteristica preponderante di due delle opere esposte è il loro essere frammento. Una porzione che non è mai stata parte di un tutto, non ha mai goduto di completezza. Eppure la scheggia riesce a rappresentare proprio quell’insieme a lei sconosciuto, facendosi metafora dell’esistenza umana.

E avendo presente questi concetti inizio con il descrivervi “Fuggi”, una scultura del 2018.

“AD INTEGRUM”: Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico

AD INTEGRUM
“AD INTEGRUM": Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico Michelangelo Galliani, "Fuggi", 2018, marmo dell'Altissimo e vetro di Murano.

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Due gambe distinte sono state ricavate da steli di marmo separati. Il resto del corpo manca, anzi non è mai esistito né è stato progettato. Un po’ come “L’Homme qui Marche” di Auguste Rodin, privo di braccia e soprattutto dell’elemento che più di ogni altro distingue l'uomo: il volto.

Sotto uno dei due talloni della presenza che fugge germogliano dei rossi fiori in vetro di Murano: forse petali di rose. Ci tengo a definirlo “presenza” in quanto non è completo, non ha tutte le “componenti” fisiche dell’essere umano. Eppure, proprio per questo suo essere fluido, si candida a rappresentare ognuno di noi, senza distinzione alcuna.

Anche in “Rebus vitae” (2018) appare una figura, questa volta tagliata sopra la vita. I vari elementi della scultura, di cui alcuni in acciaio inox a guisa di dardi, costituiscono un rebus vero e proprio, la cui soluzione è intimamente legata ad un episodio della vita di Michelangelo Galliani. Ai piedi della composizione un serpente viene trafitto dal metallo.

Il senso dell’opera assume così un significato più profondo, di matrice esistenziale.

San Celso

AD INTEGRUM
“AD INTEGRUM”: Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico Michelangelo Galliani, "Rebus vitae", 2018, marmo statuario di Carrara e acciaio inox.

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Arriviamo dunque al centro della scena e dello spazio espositivo, al culmine della dialettica e della riflessione. “Twins” (2020) e “Col tempo” (2010) si scambiano un mutuo sguardo d’intesa, mantenendo intatta la loro profonda diversità.

All’apparenza non sono frammenti, ma anche queste opere sono caratterizzate da una mancanza.

La bambina accovacciata su una testuggine è sola, a dispetto del nome. Manca il suo gemello, twin, che l’artista deve ancora eseguire. L’animale che funge da comoda seduta è ricchissimo di simbologia. Ad esempio il paradosso di “Achille e la Tartaruga” è una delle tesi più famose di Zenone di Elea, filosofo presocratico della Magna Grecia. La bambina guarda avanti, l’animale indietro. La scultura è essa stessa un po’ un paradosso: i fanciulli sono per natura frenetici e qui la loro vitalità viene contrapposta alla lentezza.

Michelangelo Galliani

Michelangelo Galliani
“AD INTEGRUM": Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico Michelangelo Galliani, "Twins", 2020, marmo bianco di Carrara e acciaio inox.

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Il tempo è, del resto, uno dei soggetti principali della poetica di Galliani, che non cita banalmente i grandi maestri del passato, ma si rifà ad essi contestualizzando le sue creazioni nel periodo storico in cui vive. La scelta di lavorare un materiale così legato alla tradizione è stata essa stessa una presa di posizione che conferma quanto ho espresso.

A mio giudizio il vero capolavoro della retrospettiva è però “Col tempo”, che, non a caso, è posta sopra l’altare, il punto più sacro del complesso. La scultura in cera vergine d’api rappresenta una donna che è distesa su un letto di piombo.

Michelangelo Galliani

Michelangelo Galliani
“AD INTEGRUM": Michelangelo Galliani “rivitalizza” il concetto di classico Michelangelo Galliani, "Col tempo", 2010, cera, argento e piombo.

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Nella versione esposta a San Celso la figura stringe tra le mani un ex voto ottocentesco, un po’ accartocciato.

Esanime testimonia la vita che è stata.

Il titolo è un chiaro omaggio all’opera di Giorgione, “Ritratto di vecchia” del 1506, in cui viene raffigurata un’anziana che impugna un cartiglio su cui è scritta la famosa frase “col tempo”. Il monito per i fruitori era ben chiaro: lo scorrere degli anni ed i suoi effetti sul nostro corpo sono inevitabili. La signora si appoggia la mano al petto rievocando il gesto del “mea culpa”.

Galliani, per dare forma al suo “memento”, utilizza invece la cera, richiamando così Medardo Rosso, mentre la postura della figura sdraiata riprende quella di Santa Lucia nel famoso seppellimento narrato figurativamente dal Merisi.

L’avvertimento è chiaro: il tempo passa, inesorabile, lasciando dietro di sé solo alcuni frammenti: di storia, di memoria, di poesia.

 

Si ringrazia l'ufficio stampa CSART per le foto.


Un’accoglienza speciale per i fruitori del Parco Reale della Reggia di Caserta

Nuovi percorsi di conoscenza del Parco Reale. Da domani, mercoledì 24 giugno, parte l’iniziativa di sensibilizzazione “Conosciamo il Museo verde”. Tutti i giorni, ad eccezione del martedì (giorno di chiusura settimanale della Reggia di Caserta), dalle 12 alle 16, sarà possibile partecipare a percorsi di conoscenza di due dei luoghi più emblematici del Parco Reale: il Bosco vecchio e il Giardino Inglese.

Grazie ad una mirata attività di valorizzazione del Parco Reale e del Giardino Inglese, nata dalla collaborazione tra Reggia di Caserta e Ales spa, i visitatori potranno approfondire i caratteri di originalità e le curiosità del patrimonio scultoreo, storico e vegetale del Museo verde.

L’iniziativa è rivolta a tutti i fruitori del Complesso vanvitelliano. L’obiettivo è quello di ispirare una nuova modalità di godimento del Parco Reale anche da parte dei suoi visitatori più assidui e affezionati, gli abbonati. Come preannunciato, infatti, nel corso dei prossimi mesi sarà ampliata l’offerta dell’Istituto museale con proposte culturali ed educative per adulti e bambini, anche mediante l’organizzazione di spazi destinati ad attività ricreative.

Castelluccia

Un’occasione per vivere e osservare questi immensi spazi verdi da una nuova prospettiva. Scrigno di un fragile patrimonio vivente, il Parco Reale era non solo luogo di delizia e di svago dei regnanti ma anche spazio sociale e produttivo, punto di riferimento di un vasto territorio

Tre i percorsi: uno al Bosco vecchio e Castelluccia (esterni); due al Giardino Inglese e il Criptoportico.

Le partenze dalla Castelluccia e dall’ingresso del Giardino Inglese, per gruppi di massimo 15 persone, avverranno ogni 30 minuti a partire dalle 12 con ultimo appuntamento alle 16. I gruppi verranno formati sul posto, al momento. Non è prevista prenotazione.

La partecipazione all’iniziativa rientra nel costo ordinario del biglietto/abbonamento.

A seguire alcune info utili​:

Fascia oraria: 12.00-16.00

Giorni: lunedì/domenica, martedì escluso

Punti di ritrovo: ingresso Castelluccia/ ingresso Giardino Inglese

N° di visitatori: max 15 per gruppo

Partenze ogni 30 minuti  12-12.30-13-13.30-14-14.30-15-15.30-16

Il Bosco Vecchio e la Castelluccia
Punto di incontro:

Castelluccia 

Punti di interesse:

Castelluccia (esterni)

Marsia appeso

Centauro legato da Amore

Il Giardino Inglese e il Criptoportico
Punto di incontro:

Ingresso del Giardino Inglese 

Punti di interesse:

X: Ingresso e statue Acquaviva

Y: Camelia Madre

Z: Fontana del Pastore

W: Bagno di Venere e Criptoportico

Percorsi:

Percorso 1: percorso x, y, z, w

Percorso 2: percorso x, w

Suggerimenti:

Il primo percorso è sconsigliato alle persone con ridotta mobilità o difficoltà nella deambulazione. Presso la fontana del Pastore il percorso è particolarmente ripido e insidioso.

 

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Midsommar: la morte e la fanciulla

Midsommar è il secondo film del regista americano Ari Aster. La pellicola è arrivata nelle sale italiane il 25 luglio 2019 grazie alla casa di distribuzione Eagle Pictures, diventando velocemente il film prediletto dell'estate. Al box office italiano ha incassato in totale 482 mila euro, un risultato discreto considerando la stagione e la decisione di vietare il film ai ragazzi sotto i quattordici anni d'età.

Midsommar il villaggio dei dannati Ari Aster

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“Chernobyl: l’ombra lunga. Fotografie di Gerd Ludwig”

Gerd Ludwig nasce a Alsfeld in Germania nel 1947. Dopo aver studiato con il maestro della fotografia tedesca Otto Steinert inizia la sua collaborazione professionalmente con i più importanti magazine tedeschi e americani come Time, Life, Stern e Spiegel. Nel 1990 firma un contratto con il National Geographic per un progetto che riguarda i cambiamenti sociali e i problemi ambientali dell’Ex Unione Sovietica. Per 10 anni fotografa e testimonia la dissoluzione dell’URSS. Tra i vari siti visitati nel 1993 si reca a Chernobyl, luogo diventato simbolo della fine del Comunismo Sovietico, la cui catastrofe viene considerata pietra miliare del fotogiornalismo di fine millennio. Nel 2005, durante il suo secondo viaggio, sarà il primo fotografo occidentale a scendere nei meandri della centrale fino anche al reattore 4 ancora contaminato. 

On April 26, 1986, the nuclear accident at the Chernobyl Nuclear Power Plant in Ukraine contaminated thousands of square miles, forcing 150.000 inhabitants within a 30km zone to hastily abandon their homes. Nineteen years later, the still empty school and kindergarten rooms in Prypyat- once the largest town in the zone with 49.000 inhabitants – bear witness to the sudden and tragic departure.

Il disastro di Chernobyl avvenne infatti il 26 aprile 1986 all’una e ventitre del mattino, presso la centrale nucleare denominata V.I. Lenin. Si tratta del peggior disastro nucleare della storia, disastro che ebbe ripercussioni non solo in Unione Sovietica ma anche in Europa Occidentale. Le radiazioni, grazie ai venti favorevoli, raggiunsero Scandinavia e gran parte degli stati europei gettando nel panico la popolazione. Le cause del disastro sono da attribuire alla cattiva progettazione della centrale e all’errore umano. Durante un test di sicurezza, infatti, il personale della centrale commise numerosi errori che portarono ad un aumento della potenza con conseguente esplosione e incendio del reattore numero 4.

The contaminated control room of Unit #4, where the engineers
caused the fatal meltdown that resulted in the world's largest
nuclear accident to date. A radiation worker is monitoring the area. Pictures of my guide Julia and me in one of the Unit #4 monitoring rooms.

Dopo la prima visita, Gerd Ludwig si è recato a Chernobyl anche nel 2011 e 2014 per completare il suo lavoro e testimoniare, con la sua macchina fotografica, non solo lo stato della centrale, ma anche la vita della gente, l’ambiente circostante nonché l’attrazione esercitata da Chernobyl sui cosiddetti Disaster Tourists, ovvero i turisti attratti dai luoghi dei disastri. Quello di Gerd Ludwig è un occhio quasi poetico che ci permette di cogliere, spesso in un'unica immagine, diversi elementi: la fragilità della vita umana (le ripercussioni del disastro sono evidenti sui corpi anche dei bambini nati oggi), dell’ambiente in cui viviamo e allo stesso tempo la necessità dell’approvvigionamento energetico sempre più impellente nel mondo nel quale viviamo. Tutto questo mentre la natura attorno alla centrale si sta ripopolando di animali di ogni specie i quali, grazie all’assenza dell’uomo, hanno trovato un habitat se non ideale quantomeno idoneo alla loro esistenza.

La mostra (23 gennaio – 15 febbraio) si compone di 14 fotografie scattate all’interno e all’esterno della centrale di Chernobyl. Si tratta della presentazione di un progetto di più ampio respiro sulla fragilità del mondo in cui viviamo e sullo sfruttamento delle risorse energetiche che sfocerà in una ampia mostra personale di Gerd Ludwig che si terrà nel 2020 in una importante sede museale italiana. 


Al Museo dei Fori Imperiali la mostra NEW DESIGN 2019

Il 6 e 7 il novembre 2019 i Mercati di Traiano – Museo dei Fori Imperiali ospiteranno la mostra “NEW DESIGN 2019. La creatività nell’istruzione artistica italiana”, legata al concorso nazionale ideato per celebrare la nuova identità del Liceo Artistico, luogo di manualità colta e di eccellenze.

L’esposizione, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita Culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e dal Ministero dell'Istruzione, dell'Università e della Ricerca - Direzione Generale per gli Ordinamenti Scolastici e la Valutazione del Sistema Nazionale di Istruzione, che la sostiene, è organizzata dal Liceo Artistico Statale “Enzo Rossi” di Roma, con il supporto della Rete Nazionale dei Licei Artistici. Servizi museali Zètema Progetto Cultura.

La manifestazione verrà inaugurata il 5 novembre presso l’Auditorium dell’Hotel Parco Tirreno.  

La mostra esporrà le 86 opere finaliste provenienti da 55 licei italiani, guidando i visitatori alla scoperta della creatività e originalità dei lavori delle studentesse e degli studenti dell’ultimo triennio di studi, chiamati a confrontarsi sul tema: “Da Cosa Nasce Cosa, forma e funzione del passato nell’ottica del presente”, sollecitazione che li ha visti impegnati in un’esperienza di progettazione capace di portarli ad acquisire la consapevolezza delle radici della storia del design.

Questo progetto testimonia come le scuole artistiche in Italia abbiano sempre dimostrato una grande capacità di cambiamento, trasformandosi da luoghi di insegnamento/apprendimento di tecniche finalizzate in veri e propri laboratori di ricerca e di valorizzazione dei più svariati linguaggi espressivi.

L’allestimento espositivo nei suggestivi spazi della Grande Aula dei Mercati di Traiano non è casuale: esso costituisce infatti il punto di arrivo di un percorso condiviso, iniziato con la realizzazione del plastico del sito medievale di Cencelle, proseguito con lo svolgimento di progetti di Alternanza Scuola Lavoro e culminato nel 2016 nella mostra celebrativa dei 50 anni dell’Istituto “Arte in Cattedra nei Mercati di Traiano”.

La manifestazione “New Design 2019” rappresenta dunque un evento espositivo particolare, rivolto alla valorizzazione del museo e della scuola come luoghi privilegiati di formazione e di cultura.

Alle 55 scuole finaliste del concorso è stato assegnato il riconoscimento di un soggiorno premio a Roma per uno studente e un docente accompagnatore in rappresentanza dell’istituto partecipante.

Ai primi tre classificati, selezionati dal Comitato Tecnico-Scientifico istituito dal Ministero dell'Istruzione, dell'Università e della Ricerca, verranno invece assegnate un’opera artistica originale prodotta dalla sezione vetraria del Liceo Artistico Statale Enzo Rossi e una Menzione Speciale. La premiazione verrà svolta il 7 novembre, dalle ore 10.30 alle 13.00, presso il MAXXI, il Museo delle Arti del XXI secolo.

Il Comitato Tecnico-Scientifico è composto da: Flaminia Giorda (Direzione Generale per gli ordinamenti scolastici e la valutazione del sistema nazionale d’istruzione), Marina Bonavia (architetto); Rolando Meconi (membro Nucleo di valutazione dell’Accademia di Belle Arti di Frosinone), Daniela Ricci (Flower Designer), Roberto Borchia (docente e web designer), Francesco Branca (dirigente Miur); Paolo Tamborrini (Architettura e Design, Politecnico di Torino), Giacomo Molitierno (dirigente Miur); Alessandro Pedron (architetto), Rocco Fiano (Ateneo Veneto), Mariagrazia Dardanelli (presidente onorario ReNaLiArt, Rete Nazionale dei Licei Artistici Italiani).


Quando il paesaggio forma l'architettura

Da quanto si dica, si narri, o si dipinga, Napoli supera tutto: la riva, la baia, il golfo, il Vesuvio, la città, le vicine campagne, i castelli, le passeggiate… Io scuso tutti coloro ai quali la vista di Napoli fa perdere i sensi!

(Johann Wolfgang Goethe)

Volete perdere i sensi anche voi come Goethe? Open House Napoli ve ne offre l’occasione e il prossimo weekend del 26 e 27 ottobre sarà possibile scoprire 100 luoghi nascosti, privati, sempre unici e normalmente non accessibili. È coinvolta tutta Napoli, dai centri alle periferie, e gli oltre 400 volontari guideranno i visitatori in un’esperienza unica e inedita, del tutto gratuita. Per il programma completo basta visitare il sito di Open House Napoli www.openhousenapoli.org dove, per ogni luogo da scoprire, sono indicati gli orari, l’accessibilità, la possibilità di portare gli amici animali o l’eventuale necessità di prenotazione.

Ebbene, tra questi luoghi abbiamo deciso di sceglierne alcuni che Goethe non può, di certo, aver visto - e capiremo il perché - ma che sembrano fatti apposta per fare perdere i sensi per la potenza del paesaggio che li circonda e non solo.

Casa Glo - la Gloriette. Foto: Open House Napoli

Siamo a Posillipo, sulla collina a picco sul Golfo dove la vista, prima di perdersi, spazia su Capri e Sorrento. Via Petrarca è la via a mezza costa che taglia la collina di Posillipo e in corrispondenza del civico 50, sulla sinistra venendo da Mergellina, una serie di tornanti scende ripida verso la costa; dopo un centinaio di metri si raggiunge Casa Glo-La Gloriette.

Ci sono luoghi in cui l’architettura è fatta di sensazioni visive e anche di valori civici e morali; non solo fatta di mattoni e cemento ma anche e soprattutto di pensiero e di storia, anche di storia recente e di cronaca e La Gloriette è uno di questi luoghi. Un luogo in cui è passata la storia quotidiana di un riscatto civile e il segno della vittoria della civiltà sulla barbarie della camorra. Per questo motivo non sono le linee e gli spazi di un edificio ampio, ma cupo e imprigionato tra mura e sistemi di difesa che gli anni non migliorano, quelle che trasformano in architettura un’edilizia corrente; non sono i vezzi di una ricchezza volgare e sciatta a fare l’architettura ma piuttosto le idee di una società civile che è riuscita nell’impresa di trasformare un edificio in un luogo dello spirito grazie alle attività e alle molteplici abilità di persone che la nostra società sbagliata chiama disabili. E in questo luogo, grazie a loro e alle attività del Centro polivalente La Gloriette - un servizio della Cooperativa Sociale L'Orsa Maggiore che accoglie persone vulnerabili con problemi di autonomia -, si esce da quelle mura cieche, da quelle recinzioni di guerra, da quella volgarità esibita, si trasfigura tutto e qui il paesaggio meraviglioso e struggente del Golfo usa i nostri occhi come porte per colpire l’anima e quasi farci svenire per l’emozione.

Casa Glo - la Gloriette. Foto: Open House Napoli

La gloriette era, nell’architettura storica, una struttura leggera per il belvedere ornata di piante, una parte del parco di una villa da dove godere il panorama, un luogo dello spirito dove dedicarsi al riposo e alla poesia. Scomparsa la struttura originaria ne è rimasto il toponimo finché, negli anni Ottanta, un boss del narcotraffico se ne appropriò facendone la residenza bunker per sé e per la propria famiglia: protetta da alti muri ciechi con feritoie per la difesa armata, schermata verso l’esterno da rampicanti di cui restano i graticci metallici di sostegno, difesa con recinzioni più adatte a una fortezza, la casa esprime ancora oggi la paura dei suoi proprietari per il mondo esterno e per il mondo civile; i volontari di Open House Napoli sapranno descrivervi questa paura anche attraverso la descrizione della follia che governa l’inquietante lastra di pietra incisa che orna la parete di un salone. La casa dimostra, in sostanza, la negazione per la straordinaria bellezza del paesaggio che la circonda, ma proprio questo paesaggio è quello che si è poi dimostrato vincente e questo paesaggio, insieme ai valori del riscatto sociale, è riuscito a disegnare una vera architettura.

Casa Glo - la Gloriette. Foto: Open House Napoli

Lo Stato ha impiegato quasi 35 anni per restituire La Gloriette alla società civile e oggi, la visita che ci offre Open House Napoli, è un’opportunità unica di scoperta di una parte della città che è tornata ad essere un luogo dello spirito dove il pensiero civile riporta alla luce splendida del sole di Napoli un’architettura celata, rapita e restituita alla collettività.

Info visita:

Via Francesco Petrarca, 50, 80123 Napoli NA

Sabato 10:00 > 11:00 | 11:00 > 12:00 | 12:00 > 13:00
Durata: 60 minuti

Numero di persone per visita: 50
Accessibilità disabili: totale
Bambini: sì
Animali: no
L’ingresso è su prenotazione

https://www.openhousenapoli.org/location/location.php?l=24

A Casa Glo-La Gloriette abbiamo scoperto come l’edilizia si faccia architettura attraverso la rinascita civile e il paesaggio; a poca distanza da lì, riprendendo Via Petrarca e raggiungendo il civico 38, sempre sulla sinistra in direzione di Marechiaro, Open House ci fa scoprire un’altra sorpresa: questa volta una vera e propria architettura pensata, disegnata e costruita per fondere il linguaggio materico con il paesaggio circostante: si tratta di Casa Bianca.

CASA BIANCA - STUDIO PICA CIAMARRA ASSOCIATI. Foto: Open House Napoli

A partire da un vecchio casolare di famiglia immerso tra le frasche della collina, ormai degradato a edilizia priva di qualsiasi carattere espressivo, l’architetto Massimo Pica Ciamarra, nel 1964, nel doppio ruolo di committente e progettista, affronta il tema della casa e lo declina in un complesso multiforme e sfaccettato, poliedrico ma al tempo stesso fortemente unitario che recupera in parte la disposizione dell’edificio preesistente inglobandone alcuni elementi peculiari come la torre dei colombi, ambienti voltati, vecchi muri e, soprattutto e facendolo diventare il centro propulsore di tutto il complesso, un grande albero di noce centenario.

Il paesaggio è anche in questo luogo il protagonista che costruisce l’architettura e la stessa architettura prende corpo e matericità per formare un nuovo paesaggio che dialoga con gli scorci che, dall’interno delle abitazioni e attraverso i percorsi, i camminamenti, gli affacci, creano fluenti canali di paesaggio che esaltano la relazione organica tra esterno ed interno, tra casa e contesto circostante.

CASA BIANCA - STUDIO PICA CIAMARRA ASSOCIATI. Foto: Open House Napoli

La maestria dell’architetto sta nell’aver creato un cardine spaziale nella corte comune che ha a sua volta il suo fulcro nel vecchio noce; è, questo, un luogo collettivo che favorisce l’incontro e il confronto -quasi una riduzione in scala delle piazze del centro di Napoli- e da questo si irradiano tutti i percorsi che collegano i tre edifici, di cui uno, triangolare e a un solo piano, ospitava lo studio dell’architetto. La Casa Bianca si dispone su più livelli adeguandosi alla forma del terreno e le terrazze digradano verso l’orizzonte, come se anch’esse fossero attratte dallo spettacolo naturale dell’intorno; il paesaggio entra nelle abitazioni attraverso grandi vetrate e la luce brillante diventa un arredo fisso cangiante e multiforme, capace di inondare e trasformare gli spazi di abitazione. Lo stesso progettista ci può fare da guida nella descrizione: è un paesaggio architettonico multiforme e variegato: ora prolungato e disteso in volumi lavorati, tagliati, svuotati, giustapposti e comunque segnati dalle grandi aperture, ora raggrumato in anditi raccolti, in piccole logge, passaggi “segreti”.

Info visita:

Via Francesco Petrarca, 38, 80123 Napoli NA

Sabato 10:00 > 11:00 | 11:00 > 12:00 | 12:00 > 13:00 | 13:00 > 14:00 | 14:00 > 15:00

Durata: 60 minuti

Numero di persone per visita: 20
Accessibilità disabili: si
Bambini: sì
Animali: no
L’ingresso è su prenotazione

https://www.openhousenapoli.org/location/location.php?l=83

C’è un altro luogo, e non è certo l’ultimo, tra quelli proposti da Open House Napoli nelle giornate del 26 e 27 ottobre, che possiamo raggiungere prima di scendere a Mergellina e tornando sui nostri passi; superiamo, sulla destra, l’ingresso della spettacolare Villa Doria d’Angri e imbocchiamo via Orazio: sulla destra, posta al di sotto del livello stradale e stretta tra la mezza costa, via Caracciolo, la fontana del Sebeto e il mare, si affaccia la Villa Oro di Luigi Cosenza e Bernard Rudofsky.

Gli schizzi dell’architetto conservati all’archivio Luigi Cosenza (1905-1984) ci immergono negli anni Trenta e, ancora una volta, nell’emozione del paesaggio del golfo in cui spicca un Vesuvio ancora fumante. A questo link per poterlo vedere: (https://www.archivioluigicosenza.it/it/6/villa-oro-napoli-1934-1937)

Villa Oro. Foto Open House Napoli

Mentre Cosenza collabora con le prestigiose riviste Domus e Casabella e avvia la collaborazione con l’architetto viennese Bernard Rudofky, dopo aver progettato il Mercato Ittico di piazza Duca degli Abruzzi, si avvicina al razionalismo europeo e nelle due case unifamiliari di Villa Oro e Villa Savarese, vicine tra loro a Posillipo, crea un linguaggio architettonico che all’oggettivismo mescola i caratteri dell’architettura mediterranea.

La villa è costruita su un costone di tufo esposto a mezzogiorno sulle meraviglie di via Caracciolo, Castel dell'Ovo, il Vesuvio, la penisola sorrentina e Capri. L’edificio si innalza su tre livelli che giocano tra spazi coperti e aree scoperte, riuscendo ad occupare il lotto di terreno stretto e lungo con un' alternanza di aperture verso il mare e schermature di protezione dal sole che creano giochi di ombre scure e profonde.

Villa Oro. Foto Open House Napoli

Sul basamento tufaceo e costruiti di blocchi dello stesso materiale sono realizzati gli ambienti tecnici, dei servizi, due camere, un bar e una taverna, mentre al livello intermedio si aprono gli ambienti di rappresentanza e al livello superiore, con volumi bianchi concatenati, erano disposte le camere da letto. I volumi presentano facciate bianche e tese, prive della retorica del Regime e più vicine, invece, ad un razionalismo europeo che si sposa perfettamente con il contesto e con il tema della villa sul mare.

Arredo e mobili, insieme al grande pavimento centrale in maiolica sul quale è disegnato il golfo di Napoli, rappresentano un ulteriore contributo alla qualità del progetto.

Villa Oro. Foto Open House Napoli

Luigi Cosenza elaborò il progetto di Villa Oro trascorrendo più di un anno, nel 1934, sull’isola di Procida e, affacciandosi sulle terrazze della villa, si comprende immediatamente quanto l’emozione del paesaggio del Golfo sia entrato intimamente a formare di sé un’architettura unica, raffinata e pienamente partenopea.

Info visita:

Via Orazio, 27, 80122 Napoli NA
Sabato 10:00 > 11:00 | 11:00 > 12:00 | 16:00 > 17:00 |

Domenica 10:00 > 11:00 | 11:00 > 12:00

Durata: 60 minuti

Numero di persone per visita: 10
Accessibilità disabili: no
Bambini: no
Animali: no
L’ingresso è su prenotazione

https://www.openhousenapoli.org/location/location.php?l=81