Roma: rinvenuto lo scudo di Garibaldi
È stato rinvenuto dai Militari del Reparto Operativo Carabinieri Tutela Patrimonio Culturale e della Stazione di Roma Gianicolense lo Scudo di Garibaldi, opera che il popolo siciliano donò l’11 maggio del 1878 al condottiero in segno di rispetto, dopo lo sbarco dei Mille sulla costa marsalese.
La scultura bronzea fu realizzata da Antonio Ximenes (padre del più noto Ettore Ximenes), è policroma e di forma circolare, ha un diametro di 118 cm e pesa 50 chilogrammi. Fu successivamente donata da Garibaldi alla città di Roma, che la custodì nel Museo Capitolino, per poi essere spostata nel Museo Nazionale del Risorgimento nel Palazzo del Vittoriano, da qui sparì, probabilmente, a partire dai primi anni del 2000, in circostanze non ancora chiarite.
Mancava dalla struttura ospitante già dopo il 1982, anno del centenario della scomparsa del generale. Lo scudo presenta la testa di Garibaldi al centro ed è attorniato da una corona di quercia. Sulle foglie sono incise le principali battaglie da lui combattute e la scultura è divisa in otto raggi. Su ognuno di essi si trovano gruppi allegorici che rappresentano gli stemmi delle principali città italiane e delle icone che simboleggiano la Carità, la Giustizia, la Gloria e la Scienza strategica. La scultura è attorniata da una corona d’alloro su cui sono incisi i nomi di tutti i Mille, guidati dallo stesso Garibaldi, che arrivarono a Marsala con l’intento di annettere la Sicilia al Regno sabaudo.
Foto dall'Ufficio Stampa del Comando Carabinieri Tutela del Patrimonio Culturale
Natale in casa Cupiello: Dieci curiosità sul capolavoro di Eduardo
Natale a Napoli è qualcosa di diverso, di unico.
Difficilmente le parole possono descrivere i profumi, lo scintillìo delle luci di qualsiasi balcone, il sapore delle prelibatezze di antica “formula”. Natale è qui la festa più lunga che comincia da«quando in una notte di novembre il vento freddo prende il posto dello scirocco», come scrive il grande Giuseppe Marotta.
Ma Natale vuol dire soprattutto presepe e Natale in casa Cupiello.
La celebre commedia eduardiana è entrata meritatamente a far parte della tradizione ed è imprescindibile per i napoletani, un po’ come il capitone e la Santa Messa di Mezzanotte.
Quella che però noi crediamo essere una commedia che ormai si conosce a «memoria» per le tante vigilie passate davanti alla Tv, nasconde tanti aspetti che soltanto pochi conoscono. Non ci credete? Allora leggete:
1) Poesia prima di Natale in casa Cupiello: Eduardo, ancor prima della stesura della commedia, scrive una lunga poesia intitolata 'A vita dove anticipa e riassume alcuni temi affrontati successivamente proprio in Natale in casa Cupiello:
Spara 'sti botte,
allumma 'sti bengale,
arust’e capitune,
ch’è Natale!
Ncoll’e pasture!…
2) Inizialmente era solo un atto unico: quello che noi conosciamo come il secondo atto, in realtà nel 1931 – anno di nascita della commedia – costituisce un atto unico. Solo l’anno successivo Eduardo aggiunge la stesura del primo atto e nel ’34 quella del terzo;
3) Eduardo la definisce «parto trigemino con una gravidanza di quattro anni»;
4) Nascita del «Teatro Umoristico i De Filippo»: il successo della commedia coincide con la nascita della nuova compagnia con i tre fratelli De Filippo.
5) I “veri” protagonisti sono i nonni materni di Eduardo: pur non avendolo mai dichiarato esplicitamente, con ogni probabilità il drammaturgo fa stretto riferimento ai nonni materni nella creazione dei due coniugi protagonisti, non solo perché affida a quest’ultimi i loro nomi (Luca e Concetta, appunto), ma anche perché il carattere fanciullesco e strettamente legato al rito natalizio di Luca Cupiello ben coincide con la figura del nonno materno, così come testimonia Peppino nella sua autobiografia.
6) L’ affermazione al Teatro Kursaal: il successo della messinscena dello spettacolo (e di altri ventiquattro, visto che il repertorio cambiava quasi ogni giorno) comporta l’allungamento del contratto da soli nove giorni a ben nove mesi!
7) Lettera di Nennillo: la celebre, esilarante lettera nasce da un’invenzione scenica di Peppino. Nonostante quest’ultimo rivendicasse anche la paternità della celebre «Nun me piace 'o presebbio», non ci sono prove che attestino la veridicità della rivendicazione.
8) Il compianto Luca De Filippo raccontava che durante il lungo e quasi “silenzioso” inizio del primo atto, dovendo stare completamente sotto le coperte, gli capitava spesso di addormentarsi e di risvegliarsi soltanto dopo la “chiamata” di Luca (Eduardo): «Tommasì, scetate…»
9) La scomparsa dei dolori: quando Eduardo riprese Natale in Casa Cupiello nel ’76, viene da un periodo di assenza dalle scene a causa di una forte artrosi che lo colpì soprattutto alle mani ed alle braccia. Isabella Quarantotti, ultima moglie di Eduardo, ricordò successivamente che nel mese di giugno decise di riprendere la commedia ed i dolori, come per magia, sparirono.
10) Il saluto del Principe Umberto a Titina: ricorda Maurizio Giammuso in Vita di Eduardo che Umberto prese posto in un palco di prima fila, a spettacolo già iniziato. Regalmente fece un piccolo gesto di saluto e un sorriso a Titina che, senza farsi scorgere da Eduardo, accennò una fugace risposta: «Sapevo quanto Eduardo teneva a certe cose. Ma non era possibile far finta di niente e non rispondere […] accennai a un sorriso di risposta e a un lieve cenno del capo. Eduardo non c’era: respirai di sollievo!»
Restauri a Paestum: Zuchtriegel: passo importante verso la manutenzione programmata
Al via nuovi lavori di restauro e manutenzione nel sito UNESCO di Paestum per un importo a base d’asta di 1,1mio Euro, con il contratto firmato a conclusione di una gara bandita dal Parco Archeologico e vinta dal consorzio Vittoria con sede a Bracigliano in provincia di Salerno. Come ha comunicato il Parco Archeologico, è la prima volta che un progetto di una tale portata viene bandito non su fondi europei o ministeriali, ma con i proventi del Parco stesso generati grazie alla gestione autonoma resa possibile dalla riforma Franceschini.
“Continuiamo a reinvestire gli introiti di un lavoro quotidiano di tutela, accoglienza e promozione svolto da una squadra straordinaria quale quella di Paestum, che ha portato a 140mila visitatori in più rispetto a quattro anni fa e a un bilancio ordinario più che raddoppiato, grazie anche a sponsorizzazioni e donazioni da parte di aziende e privati del territorio – sottolinea il direttore Gabriel Zuchtriegel – Con questo progetto facciamo un importante passo verso la manutenzione programmata che rappresenta la svolta decisiva nella conservazione del patrimonio: meno interventi di emergenza, più programmazione e monitoraggio continuo”.
Il progetto prevede la messa in sicurezza e il restauro di una parte dell’abitato antico di Paestum, ubicato tra il cosiddetto heroon e l’ekklesiasterion, con la creazione di nuovi percorsi e un aumento della leggibilità delle strutture antiche. Si tratta di un progetto pilota che servirà ai funzionari del parco come campione per ampliare la manutenzione programmata a tutta l’area archeologica, dove attualmente si svolge anche un importante progetto di scavi e restauri con fondi europei.
“Le campagne manutentive rappresentano un metodo complementare al restauro vero e proprio, - dichiara l’architetto del Parco Archeologico di Paestum, Lorella Mazzella - soprattutto per siti complessi come quello di Paestum per cui è stato necessario valutare cause a fenomeni di degrado in atto in una logica sistemica. Alle operazioni di manutenzione vengono affiancate ulteriori azioni di conoscenza e monitoraggio che confluiscono in un apposito sistema informativo che contribuirà, non solo a verificare l'efficacia delle operazioni di conservazione, ma anche alla programmazione dei cicli successivi di manutenzione”.
In concomitanza partono i lavori per il sistema di monitoraggio sismico del Tempio di Nettuno, elaborato insieme al Dipartimento di Ingegneria Civile dell’Università di Salerno. L’uso di tecnologie avanzate sviluppate dall’Ateneo salernitano permetterà di osservare il comportamento dinamico dell’edificio millenario in tempo reale e monitorare eventuali deterioramenti strutturali. L’intervento è stato finanziato interamente da donatori privati del territorio, tra cui la famiglia D’Amico dell’azienda omonima di Pontecagnano, che ha fatto una donazione di 100mila Euro, e Roberto Savarese dell’azienda Sorrento Sapori e Tradizioni di Eboli, che ha contribuito con 10mila Euro.
Il Museo Egizio apre al pubblico le nuove sale dedicate alla propria storia
A meno di cinque anni dall’aprile del 2015, quando fu svelata al pubblico la nuova configurazione del Museo Egizio, frutto dell’imponente opera di rifunzionalizzazione che ne aveva trasformato gli spazi e ripensato la disposizione della collezione, le superfici all’interno dell’ex Collegio dei Nobili si arricchiscono oggi di un ulteriore e significativo ampliamento del percorso espositivo. Si tratta di un importante intervento strutturale, realizzato nel corso dell’autunno, che ha per protagoniste le cosiddette “sale storiche” con cui i visitatori iniziano il percorso al piano ipogeo, laddove l’itinerario alla scoperta dell’antico Egitto è introdotto da un racconto sulle origini del Museo stesso. Una narrazione proposta ora in una modalità rinnovata, approfondita e interattiva, grazie al completo riallestimento che ha articolato tale area in cinque inediti ambienti, uno dei quali destinato ad ospitare la fedele ricostruzione di una sala così come si presentava nell’800.
La costante opera di ricerca e di indagine che caratterizza l’attività scientifica dell’equipe del Museo Egizio, negli ultimi anni ha intensamente coinvolto anche l’ambito archivistico, offrendo, fra gli altri, elementi utili a meglio tratteggiare le vicende storiche dell’istituzione culturale torinese, nonché a rileggere pagine dell’egittologia che l’hanno vista al centro della scena fin dall’800. Nasce da qui il bisogno di dare un’altra forma e, soprattutto, maggiore sostanza a queste sale, fornendo una esaustiva e articolata risposta al quesito che inevitabilmente ci si pone varcando la soglia dell’edificio al numero 6 di via Accademia delle Scienze: perché il Museo Egizio è a Torino?
Descrivere la storia del Museo Egizio significa ripercorrere un cammino che muove i suoi passi iniziali circa 400 anni fa, quando le prime antichità egizie approdano a Torino per volere dei sovrani di Casa Savoia, alla ricerca di ciò che oggi definiremmo uno “storytelling”, radicato nel mito, che ne legittimasse il potere. Un ruolo, quello della monarchia sabauda, che sarà poi determinante nel 1824, con la decisione del Re Carlo Felice di acquistare la collezione Drovetti, facendone il nucleo fondante del Museo, che nasce così in quello stesso anno.
Il nuovo percorso storico è stato modellato attorno agli studi condotti all’interno del Museo Egizio dal curatore Beppe Moiso e dall’archivista Tommaso Montonati ed è impreziosito e reso di agevole fruizione da un raffinato progetto di comunicazione visiva, realizzato dagli uffici del Museo in collaborazione di Nationhood per i prodotti multimediale, con il ricorso a immagini d’archivio - antiche litografie, stampe e fotografie d’epoca - nonché a una serie di video e supporti digitali che si incontrano esplorando le cinque sale.
Alla prima di esse spetta il compito di illustrare la fase in cui tutto ebbe inizio, a partire dalle ragioni del rapporto tra Torino e l’antico Egitto. Un’introduzione affidata ai depositari di questa vera e propria epopea, ossia quei reperti giunti da antesignani sulle rive del Po: ad accogliere il visitatore nella nuova area è l’imponente statua di Ramesse II, dopo la quale si svelano la Mensa Isiaca, pregevole tavola metallica di provenienza romanica, e via via gli altri reperti che testimoniano la genesi della collezione, fra cui la riproduzione della testa con segni cabalistici, visualizzata in 3D su un apposito schermo, conservata ai Musei Reali, presso il Museo di Antichità di Torino.
Il cammino prosegue poi, dopo aver approfondito il fondamentale contributo delle figure chiave di Vitaliano Donati e Bernardino Drovetti, tratteggiando lo sviluppo della “Egittomania” in epoca Napoleonica, nata sull’onda della spedizione lungo il Nilo delle truppe francesi, che lo stesso Bonaparte aveva voluto fossero affiancate da oltre 150 Savants, studiosi di varie discipline provenienti dalle Università francesi, con una decina di disegnatori. Proprio il lavoro di questi ultimi, confluito negli undici volumi della famosa Description de l’Ègypte, viene qui messo a disposizione del pubblico in formato digitale, per mezzo di un monitor touchscreen che consente di scorrerne le pagine della seconda edizione, stampata tra il 1821 e il 1829.
Sulla parete opposta allo schermo si estende il suggestivo e scenografico riallestimento del libro dei morti di Iuefankh, papiro la cui lunghezza sfiora i 19 metri, esposto corredato da un apparato infografico che ne percorre e descrive minuziosamente l’intero sviluppo, sulla base degli studi compiuti dalla curatrice e filologa del Museo, Susanne Töpfer, consentendo al visitatore di osservare da vicino e comprendere i disegni e le formule che compongono questo straordinario reperto.
Nella prosecuzione del percorso espositivo numerosi sono gli elementi che restituiscono il clima del tempo, e il fervore sviluppatosi attorno all’antico Egitto e ai suoi reperti in quegli anni pionieristici per l’egittologia: in tal senso, di particolare interesse appare l’inedita sezione dedicata al contesto europeo ed egiziano, che permette di comprendere in che modo la collezione torinese si inscriva entro un quadro più generale di grande interesse per la nascente disciplina. Ma altrettanto fondamentale per comprendere il Museo Egizio risulta essere la conoscenza di fasi storiche dense di entusiasmo, come accade con il racconto della M.A.I. - Missione Archeologica Italiana in Egitto e della direzione di Ernesto Schiaparelli, oppure il ricordo di momenti cupi quali gli anni del Fascismo e l’impatto sul Museo della Seconda Guerra Mondiale.
Entrare in una sala del Museo Egizio dell’800
Uno degli aspetti che si è inteso approfondire, nell’ottica di offrire al pubblico un’esperienza immersiva reale, è quello relativo alla storia delle modalità espositive della collezione egittologica torinese, della loro evoluzione nel tempo: per introdurre il visitatore nell’autentica atmosfera ottocentesca e far meglio comprendere l’aspetto del Museo di allora, è stata realizzata una sala che riproduce puntualmente l’allestimento di quegli anni, che rende più che mai evidenti il gusto e i canoni museali dell’epoca. In quel periodo le antichità in pietra e le statue erano collocate al piano terreno dell’edificio, come documentato da un acquerello di Marco Nicolosino, mentre il resto stava ai piani superiori, come invece illustrano le due tele di Lorenzo Delleani, rispettivamente del 1871 e 1881, che immortalano due momenti allestitivi distinti con vetrine di tipo diverso.
https://www.youtube.com/watch?v=GF91kYKEiVE
La ricostruzione storica ha pertanto preso a modello proprio la testimonianza pittorica del 1871: al piacevole disordine che caratterizza l’ambiente, ancora inteso quale luogo di studio più che sala museale, con reperti sparsi sul pavimento, si contrappongono severe vetrine a parete ingentilite da una delicata colorazione pastello; in alcuni casi sono esposte le medesime antichità, nel tentativo di trasmettere al visitatore il fascino di vivere la stessa esperienza di chi lo ha preceduto di 150 anni. Gli oggetti sono sistemati all’interno di alcune vetrine ottocentesche e, come allora, sono privi di didascalie, segno di una fruizione ancora riservata a pochi. Il centro della sala ospita una vetrina storica con all’interno il Canone Regio, un preziosissimo papiro che ha contribuito alla ricostruzione della cronologia egiziana antica. A fianco una mummia ancora completamente bendata all’interno del suo sarcofago. Tutto intorno altre teche, appartenenti al primo allestimento, contengono oggetti di culto e di uso quotidiano. Una parete intera è dedicata all’esposizione delle stele funerarie, in pietra e in legno. È infine possibile vedere - grazie al prestito dei Musei Reali di Torino - una selezione delle oltre 3000 medaglie e monete di epoca tolemaica e romana facenti parte della collezione riunita da Bernardino Drovetti.
Evelina Christillin, presidente del Museo Egizio
“Dopo quasi 200 anni di storia il Museo Egizio continua a caratterizzarsi come un’istituzione dinamica e in continuo fermento. Il riallestimento delle sale che introducono la visita con il racconto delle origini di questa collezione, costituisce un’occasione preziosa per riscoprire e approfondire le profonde connessioni tra la storia di questo luogo e quella del territorio che lo ospita, nonché a collocarla all’interno del più generale contesto socio-culturale nazionale e internazionale. Un progetto particolarmente significativo lungo il percorso di avvicinamento al bicentenario del Museo Egizio che celebreremo nel 2024 e per il quale siamo già all’opera per sviluppare un’opportuna concertazione con il Mibact, la Soprintendenza, gli enti del territorio e gli altri soggetti coinvolti”.
Christian Greco, direttore del Museo Egizio
“L’esigenza di intervenire sull’assetto espositivo a meno di cinque anni dal riallestimento della collezione pone le sue basi nella natura stessa di un museo e dell’Egizio in particolare: questo è un luogo vivo, in continuo divenire, che muta e si evolve in virtù dei risultati della ricerca e del suo essere parte attiva della comunità. Cambiare e adeguare sé stessi è quindi una naturale vocazione per un’istituzione come la nostra”. “Per questo importante progetto la ricerca rappresenta ancora una volta il punto di partenza per la nostra attività espositiva. Grazie al lavoro svolto dai nostri curatori sugli archivi, infatti, il nuovo percorso espositivo sviluppa ed espande la narrazione sulla storia del Museo, con elementi utili a rappresentare il contesto culturale al cui interno si è sviluppata. Tale scelta ha permesso di affiancare alla narrazione principale altre storie, che finora non erano state approfondite all’interno dell’esposizione, che, tra l’altro, contribuiscono a inserire la vicenda torinese nel quadro più complesso della realtà egiziana ed europea”.
Reggia di Caserta: Concerto per un Giorno di Festa con Autunno Musicale
AUTUNNO MUSICALE 2019 – XXV edizione
Suoni & Luoghi d’arte
Musica classica d’autore alla Reggia di Caserta e in altri siti monumentali
GIOVEDÌ 26 dicembre (ore 11,30)
Alla REGGIA DI CASERTA - CAPPELLA PALATINA
CONCERTO PER UN GIORNO DI FESTA
L’orchestra da Camera di Caserta
e Bruno Canino al Pianoforte
Ultimo appuntamento con la musica classica dell’Autunno Musicale- Suoni & Luoghi d’arte – XXV edizione giovedì 26 dicembre con il grande CONCERTO PER UN GIORNO di FESTA nella suggestiva cornice della Cappella Palatina della Reggia di Caserta dove l’Orchestra da Camera di Caserta sarà accompagnata dal pianoforte di Bruno Canino su musiche di Mayr, Haydn e Mozart.
L’Orchestra da Camera di Caserta, fondata e diretta dal M° Antonino Cascio ha collaborato in più occasioni con solisti noti e partecipato ad importanti festival e stagioni concertistiche in Italia ed all’estero, proponendo programmi collegati alla sua attività di ricerca.
Bruno Canino è stato dal 1999 al 2002 direttore della Sezione Musica della Biennale di Venezia. Suona in duo pianistico con Antonio Ballista, e collabora con illustri strumentisti quali Accardo, Ughi, Amoyal, Perlman, Blacher. Si è dedicato in modo particolare alla musica contemporanea. Ha suonato sotto la direzione di Abbado, Muti, Chailly, Sawallisch, Berio, Boulez, con orchestre quali la Filarmonica della Scala, Santa Cecilia, Berliner Philharmoniker, New York Philharmonic, Philadelphia Orchestra, Orchestre National de France. Tiene regolarmente masterclass per pianoforte solista e musica da camera, in Italia, Germania, Giappone, Spagna, e partecipa al Marlboro Festival negli Stati Uniti. È spesso invitato a far parte di giurie di importanti concorsi pianistici internazionali.
La Cappella palatina della Reggia di Caserta, nella quale suonerà l’orchestra, fu inaugurata nel Natale 1784 e bombardata nel 1943, fu progettata ispirandosi a quella di Versailles per volere del Re, ma Vanvitelli con suo genio riuscì a sintetizzare in essa tutta la tradizione rinascimentale, manieristica e barocco dando origine al neoclassicismo.
La rassegna Autunno Musicale ha visto alternarsi in luoghi storici e d’arte, dalla Reggia di Caserta al Museo Campano di Capua, al Museo Archeologico di Calatia - Maddaloni, nonché nelle chiese monumentali di Sessa Aurunca, Carinola, Maddaloni e Piedimonte Matese artisti internazionali con proposte musicali che hanno variato da Pianofestival, alla Musica da Camera, all’ A-Solo, ai Concerti dell’Orchestra, ad Estonia Contemporanea. In parallelo anche un ricco carnet di "Altri Eventi": Educational, Piano Lab, Suoni & Sapori, Electronics Lab, Itinerari Barocchi/ Europa classica, L’atro Suono/Bosphorus Project .
L’Autunno Musicale è sostenuto dal MiBACT – Direzione Generale Spettacolo e dalla Regione Campania e si avvale della collaborazione di vari enti: la Reggia di Caserta, la Provincia di Caserta e il Museo Campano di Capua, il Polo museale di Napoli e il Museo Archeologico di Calatia - Maddaloni, i Comuni di Carinola, Maddaloni e Piedimonte Matese, il Centro Unesco Caserta, le Associazioni, Byblos di Piedimonte Matese, Mozart di Sessa Aurunca, Pro Loco di Carinola, Lyons Club Aversa Normanna, Irem e Area Arte.
| CONCERTI AD INVITO CON PRENOTAZIONE |
| Reggia di Caserta / Cappella Palatina
Per assistere ai concerti ad invito presso la Reggia di Caserta è necessario prenotarsi su www.autunnomusicale.com cliccando su prenota online. |
Elini Paese Museo seconda edizione: rigenerazione urbana e sviluppo locale per l’Ogliastra
Il 28 dicembre il comune di Elini e la sua comunità saranno nuovamente protagonisti grazie alla seconda edizione del progetto Elini Paese Museo. La giornata sarà ricca di appuntamenti, a partire dalla mattina con il convegno, che si svolgerà a partire dalle ore 11 presso il centro polifunzionale di Elini, sui temi dello sviluppo locale e nuove prospettive sul turismo culturale in Ogliastra.
Durante il convegno verranno presentati due importanti strumenti di promozione e valorizzazione realizzati in occasione di questa seconda edizione. Il primo è una cartolina di Elini, nata in seguito alla partnership con l’azienda Poste Italiane, che proprio in questi giorni inaugura un postamat nel piccolo centro ogliastrino; il secondo è un e-book fotografico, nato grazie ai contributi di alcuni cittadini elinesi che hanno donato le loro fotografie per la realizzazione del libro (le immagini sono di Diego Piras ed Elisa Olianas, mentre le foto storiche sono state raccolte grazie all’impegno di Franca Orrù); il testo cerca di raccontare, attraverso lo strumento dello storytelling, il paese di Elini in tutte le sue sfaccettature, dalla storia al paesaggio, passando per tradizioni e cucina. Il libro sarà poi disponibile gratuitamente sulle piattaforme online dedicate. In tarda mattinata, invece, gli appuntamenti saranno con la visita al centro storico di Elini, con la visita della mostra dei registri comunali, del live painting e dell’aminazione per i bambini in piazza chiesa con i Grandi Giochi in legno a cura dell’associazione Lughené; la visita terminerà con l’inaugurazione della mostra fotografica itinerante su Elini, la sua storia e le sue tradizioni, allietate da una degustazione di prodotti tipici. Le visite al centro storico ed alla mostra si ripeteranno nel pomeriggio, con la chiusura dell’evento.
Il progetto Elini Paese Museo rientra tra le attività di sviluppo della comunità locale e prevede una serie di iniziative legate alla cultura, turismo, sviluppo sostenibile e networking, con il fine ultimo di creare un paese museo. Elini Paese Museo è un progetto con una visione a lungo termine, che vuole affrontare il problema dello spopolamento attraverso attività legate alla cultura ed alla valorizzazione del patrimonio, non solo culturale, ma anche ambientale ed enogastronomico, del piccolo borgo ogliastrino.
Elini Paese Museo è possibile grazie ai contributi della Fondazione di Sardegna ed al Comune di Elini che, da subito, ha creduto in questa iniziativa.
Programma:
28 dicembre 2019
Programma:
Centro polifunzionale:
ore 11:00
Convegno: sviluppo locale e nuove prospettive sul turismo culturale in Ogliastra.
durante il convegno sarà presentata la cartolina e l'E-Book "Elini Paese Museo"
ore 12:00
visita del centro storico e inaugurazione della mostra: Elini Paese Museo
ore 13:00
degustazione prodotti tipici
Centro storico di Elini :
ore 15:30
visita guidata del centro storico e della mostra (partenza dal parco ferroviario)
ore 15:00 -18:00
apertura museo e mostra fotografica e dei registri storici
ore 15:30
presso piazza Chiesa: grandi giochi in legno - animazione per bambini a cura di Lughenè
ore 17:00
commemorazione in memoria di Don Pietro Vinante.
Per tutta la giornata sarà possibile assistere al live painting nella via Pompei (area piazza Funtanedda)
info: [email protected] - www.elini.nu.it
I risultati di un'innovativa ricerca sulla ceramica a figure rosse siceliota
I risultati di un'innovativa ricerca sulla ceramica a figure rosse siceliota
L’ultimo lavoro di Marco Serino, assegnista presso il Dipartimento di Studi Storici dell’Università di Torino, rappresenta il risultato di un’ampia analisi condotta sulla produzione di ceramica a figure rosse protosiceliota; un prospetto che ben si è inserito nel progetto dell’Università di Palermo che, a partire dagli anni ’80, sta procedendo con la revisione critica e sistematica dei contesti scavati nel decennio 1963-1973.
Il volume si colloca all’interno della collana diretta da Helga Di Giuseppe, dedicata alla saggistica archeologica dedicata alla produzione artigianale (dalla preistoria al medioevo), e rappresenta il risultato di uno studio sistematico condotto su un lotto di materiale ben circoscritto e definito, quello del materiale proveniente dagli scavi sul pianoro di Himera. Il lavoro in questione ha consentito anzitutto una puntuale visione globale di questa particolare produzione artigianale fino alla ridefinizione di numerose questioni dibattute da decenni inerenti alla sopracitata produzione artigianale.
Produzione, contesto e mercato di questa peculiare produzione vengono analizzati dall’autore attraverso il caso ancora piuttosto “sfuggente” del Pittore di Himera, una produzione “eccezionale” se si considerano i pochi casi di rinvenimento pertinenti a contesti abitativi, non così frequenti in ambito siciliano e magnogreco.
Il libro è infine corredato da un preziosissimo catalogo di tutti i vasi trattati nel testo, con un ricco apparato grafico e fotografico, il quale consente al lettore di avere sempre a disposizione un riscontro visivo.
Il lavoro scaturisce da stimolanti riflessioni sia critiche che metodologiche nate nella cosiddetta era post-Trendall; la classificazione di quest’ultimo, nonostante costituisca tutt’oggi un punto di partenza fondamentale, viene qui integrata dall’autore da numerosi altri elementi che consentono di ridefinire alcune problematiche legate alle prime produzioni siceliote a figure rosse (oggetto di controversi e stimolanti dibattiti da decenni). I nuovi dati forniti dall’analisi stilistica ed iconografica, con una particolare attenzione ai contesti di rinvenimento, corredata da un’analisi attenta e puntale sulla circolazione di questi prodotti in Sicilia e Magna Grecia, forniscono una serie di nuove informazioni che sono state, dove lo si è ritenuto possibile, correlate e reinterpretate.
La struttura del volume è di particolare interesse: riflette infatti differenti tipi di approccio metodologico applicati allo studio sistematico della sopracitata classe di materiali; questo consente non solo di arrivare a conclusioni indipendenti ed autonome tra di loro, ma anche di ottenere una rete di informazioni più generale, contribuendo in questa maniera alla formulazione di nuove ipotesi inerenti alle dinamiche che hanno portato alla nascita delle prime officine in Occidente.
Dopo una interessante introduzione relativa alla storia degli studi (legata anche alle produzioni isolane), il libro procede con la rilettura dei dati quantitativi e distributivi della ceramica a figure rosse (sia attica che occidentale) circolante in Italia e in Sicilia nella seconda metà del V sec. a.C.,
dalla quale scaturiscono numerosi ragionamenti riguardo alle dinamiche sociali, commerciali e artigianali che influenzarono la nascita di queste produzioni nelle varie aree della Sicilia e della Magna Grecia. Non manca una preziosissima panoramica di tutte le tradizioni produttive protosiceliote.
Il fulcro è senza dubbio costituito dal capitolo dedicato alla bottega del Pittore di Himera, nel quale l’autore analizza in maniera puntuale caratteristiche formali e disegnative, fino ai particolari stilemi della bottega.
Il palinsesto delle scene prese in esame dal punto di vista iconografico consente infatti di cogliere uno spaccato ricco e affascinante del fervore culturale del mondo greco coloniale del V sec. a.C.
L’analisi morfologica dei vasi in studio (approccio spesso trascurato in questo settore degli studi) viene sviscerata dall’autore nel VI capitolo, consentendo al lettore di cogliere una panoramica generale delle tradizioni morfologiche protosiceliote.
E ancora, anche grazie all’ultimo capitolo, l’attento approccio al dato contestuale dei singoli casi di rinvenimento consente non solo di confermare la cronologia ante 409 a.C. della bottega imerese, ma anche di proporre nuove letture, soprattutto in riferimento al ruolo delle “case sacre” all’interno degli isolati abitativi delle poleis di Magna Grecia e Sicilia.
Questo libro è infine da ritenersi un prezioso contributo allo studio dell’antica comunità imerese, e ai suoi rapporti in relazione ai coevi insediamenti di Magna Grecia e Sicilia, all’interno di quello scorcio di secolo che segnò la fine della vita, breve ma florida, della colonia calcidese.
Abbiamo posto alcune domande all’Autore sul suo volume:
Com’è nato il tuo approccio alla ceramica figurata? Quali sono state le tue prime esperienze di studio su questo materiale?
Diciamo che il mio rapporto con la ceramica a figure rosse parte da molto lontano. Ho iniziato ad interessarmi a questo materiale fin dai primi anni dell’Università, attratto dall’enorme potenziale comunicativo che le immagini sui vasi potevano offrire. Ho lavorato sulla ceramica siceliota per la tesi di laurea specialistica e poi ho proseguito nel solco di questi studi anche durante il mio dottorato di Ricerca.
Sono state tutte occasioni cruciali e determinanti per la mia formazione sul campo perché ho avuto modo di lavorare direttamente sul materiale, toccando con mano i vasi figurati. Poterli riprodurre graficamente con i loro esatti profili e riuscire a visionarli direttamente a pochi centimetri dal proprio naso, con lenti d’ingrandimento e con la giusta luce (e fotografarli in alta definizione!) è stata un’esperienza unica che mi ha permesso di apprezzare dettagli che soltanto attraverso lo studio diretto dei materiali archeologici si possono veramente comprendere.
Dopo il dottorato ho avuto la fortuna di vincere un’importante borsa di studio per poter andare in Australia e consultare l’importantissimo Archivio Trendall, a LaTrobe University, Melbourne. Qui ho potuto mettere mano su fotografie di vasi inediti e conservati ancora in collezioni private sparse per il mondo, nonché confrontarmi con alcuni tra i massimi studiosi di figurata al mondo.
E com’è stato lavorare nello stesso ambiente in cui ha lavorato Arthur Dale Trendall?
Non solo ci ha lavorato, ma lo ha costruito dal nulla. Era la sua residenza privata all’interno del campus universitario, che lui decise di adibire ad archivio personale, dove poter conservare tutta la sua documentazione fotografica, che è davvero sterminata. Lavorare in quell’ambiente ti permette di immergerti in un mondo a parte e, soprattutto, di avere a disposizione tutti gli strumenti per l’analisi e lo studio del materiale figurato concentrati in pochi metri quadri, attorno a te: un aspetto logistico da non sottovalutare nel percorso di un ricercatore.
Tornando al tuo volume, quanto tempo hai impiegato per scriverlo?
Beh, considerando che ho iniziato a lavorarci nel 2010, al primo anno di dottorato (concluso a marzo del 2013), direi all’incirca 9 anni! Ovviamente nel mentre ho lavorato ad altri progetti, scritto articoli e partecipato a convegni internazionali qua e là, ma il lavoro di aggiornamento, di revisione e di controllo del manoscritto è stato costante e sistematico dal 2013 fino agli inizi del 2019. Credo che sia normale; è giusto che i lavori di ricerca abbiano un periodo di “decantazione”; la possibilità di riprenderli e rileggerli dopo qualche tempo ti permette di avere una visione critica e di mettere a punto alcuni passaggi, anche magari alla luce degli aggiornamenti bibliografici e delle novità emerse da studi collaterali che nel frattempo sono stati pubblicati. Inoltre, poter partecipare a convegni internazionali mi ha permesso di incontrare studiosi ed esperti del settore con cui nel frattempo ho potuto confrontarmi. Lo scambio di opinioni e di idee tra ricercatori è fondamentale per migliorare il proprio lavoro. Spero davvero di essermi ricordato di ringraziare tutti coloro che hanno contribuito alla realizzazione di questa pubblicazione, a vario ordine e grado, nella sezione dei “ringraziamenti” del libro!
Quali sono i tuoi auspici rispetto al proseguo e al futuro della ricerca in questo particolare ambito di studi?
Una cosa in cui credo molto è l’approccio ‘integrato’, che ho provato a proporre per questo studio e che spero possa essere utilizzato per qualsiasi altro studio sulla ceramica figurata in futuro. Ormai la comunità scientifica ha acquisito una sensibilità metodologica importante su questi aspetti. Sono stati fatti importanti passi avanti negli ultimi anni e sono diversi i lavori che integrano all’analisi stilistica, lo studio accurato delle iconografie e delle strategie iconografiche all’interno delle varie produzioni, l’analisi quantitativa e l’elaborazione distributiva dei prodotti, nonché la revisione dei contesti di rinvenimento e il controllo delle cronologie assolute. Un ulteriore aspetto su cui penso davvero che in futuro occorrerà focalizzarsi in maniera decisiva è la questione della mobilità artigianale. Bisognerà cercare di comprendere meglio le modalità e le dinamiche di spostamento di pittori e maestranze che, io credo, dovevano essere assai più ‘mobili’ e itineranti di quanto oggi possiamo pensare.
Progetti futuri?
Ne ho uno in corso molto bello, a parer mio, con l’Università di Oxford, sempre riguardante la figurata, ma questa volta quella prodotta in Attica. Fino a marzo sono di istanza in Inghilterra per lavorare coadiuvato dal materiale messo a disposizione da un altro grande archivio ceramografico, il Beazley Archive. Mi sto occupando principalmente di rintracciare eventuali ‘contatti’ tra i Pittori attici e le prime botteghe siceliote, per cercare di capire se è possibile ricostruire una qualche filiazione diretta (o indiretta ma comunque ben delineabile) tra produzione attica ed esperienze magnogreche e siceliote. Le suggestioni e le potenzialità in questo senso sono davvero molte!
Tutte le foto sono state cortesemente fornite dall'Autore
Una Fortuna che promette e non mantiene
UNA FORTUNA CHE PROMETTE E NON MANTIENE
La Dea Fortuna, l'ultimo film di Ferzan Özpetek
Articolo a cura di Gianluca Colazzo e Mariano Rizzo
Nei suoi ultimi due lungometraggi, l'ambiguo Rosso Istanbul e il meglio riuscito Napoli Velata (entrambi del 2017), Ferzan Özpetek aveva compiuto l'ardua scelta di allontanarsi dagli stilemi che per più di vent'anni hanno caratterizzato la sua cinematografia: via i momenti conviviali e le tavolate imbandite, via i drammi introspettivi; non del tutto abbandonate le amicizie in grado di porre rimedio a qualsiasi tragedia e soprattutto le tematiche LGBT. Quegli stilemi appaiono però qui relegati sullo sfondo di intrecci articolati e fortemente simbolici, dove a far progredire la trama non sono tanto le interazioni tra i personaggi quanto atmosfere, colori e inquadrature ardite che svelano senza svelare.
Nel suo ultimo lavoro La Dea Fortuna, nelle sale dal 19 dicembre, il regista turco si riappropria con irruenza dei suoi temi più cari, realizzando un film che sin dal trailer si preannuncia come un entusiastico ritorno alle origini. Ma si sa, ciò che i trailer promettono spesso non trova riscontro nell'interezza del film.
La Dea Fortuna vede protagonisti Arturo (un imbolsito e stanco Stefano Accorsi) e Alessandro (Edoardo Leo, ben più in parte), insieme da oltre quindici anni e innegabilmente in crisi, sin dalle primissime scene del film. La loro vita quotidiana, fatta di incomprensioni e infedeltà reciproche, si trascina stancamente attorniati da personaggi tipicamente Özpetekiani riadattati per l'occasione ai nostri tempi: l'anziana libertina Esra (Serra Ylmaz, attrice feticcio del regista), l'infermiera transgender Mina (Cristina Bugatty), l'amico affetto da Alzheimer precoce Filippo (Filippo Nigro). A sconvolgere il loro precario equilibrio si aggiungerà Annamaria (Jasmine Trinca), migliore amica di Alessandro, che affiderà loro i due figli Martina e Sandro prima di ricoverarsi a causa del sospetto di una grave malattia. Questo dà inizio a un effetto domino del quale è possibile intuire via via quasi tutti i passaggi per almeno due terzi del film.
Sono proprio questi primi due terzi, quelli più prevedibili e scontati, a essere paradossalmente eccellenti: le schermaglie tra i due uomini, in bilico tra dramma e commedia, si riflettono sui bambini, per i quali il casting è stato davvero eccellente; la scoperta di nuovi punti deboli porta alla distruzione dei pilastri della coppia, la consapevolezza del proprio amore ricostruisce in maniera del tutto insufficiente a salvarla. In questo, Özpetek ha l'innegabile merito di non stereotipare una crisi che, sebbene basata su cliché ben noti del mondo omosessuale, viene trattata in maniera talmente oggettiva che chiunque vi si può riconoscere a prescindere dal proprio orientamento: il gioco di espressioni, detto e non detto, litigi furibondi e minuscole attenzioni reciproche è stato ben studiato e messo in scena dal cast. Non siamo ai livelli di Dolor y Glòria, l'ultimo film di Almodòvar basato su premesse identiche, ma il film funziona e appassiona, fa ridere e riflettere in egual misura al netto di alcune scene del tutto inutili per l'economia della trama, inserite esclusivamente a beneficio della risata o delle riflessioni di cui sopra. Questo fino al giro di boa del lungometraggio, che avviene a circa quarantacinque minuti dalla fine e che compromette in parte la sua riuscita.
Cambio repentino di location, riduzione del cast agli interpreti principali con l'introduzione di un altro personaggio, appena tratteggiato all'inizio del film, il quale dovrebbe essere l'elemento di disturbo che riassume in sé tutta la negatività cui ciascun protagonista è stato sottoposto sin dall'inizio del film e addirittura prima, nelle backstories accennate ma mai del tutto esplicate. L'antagonista irrompe in maniera quasi pretenziosa, cambia le carte in tavola e trascina tutti in un rovesciamento talmente affrettato da risultare poco credibile, specialmente perché lo stravolgimento comporta un cambio diametrale nel tono del film, che da commedia disincantata assume i toni dark esplorati in Napoli Velata: addirittura certi momenti sembrano fare loro malgrado un pasticciato e non voluto verso a film di tutt'altro genere, tra cui citiamo The Innocents (1961) o il più recente The Others (1999). Di conseguenza, scene studiate per entusiasmare e coinvolgere il pubblico diventano un'interminabile sequela di già visto, entro la quale perfino la mimica e l'espressività degli interpreti, fino a poco prima impeccabile, risulta stereotipata e istrionica. Lo stesso finale, che dovrebbe essere aperto, è invece noiosamente didascalico e fin troppo indirizzato verso la risoluzione più ovvia della vicenda.
La lunghezza di quest'ultima sezione non è sufficiente a condensare in essa tutta l'azione e il dramma necessari senza disorientare lo spettatore; eppure è addirittura esagerata, se si pensa che a causa di essa si sacrifica gran parte del buono che questo film ha da offrire: per ragioni di ritmo e tempistiche, infatti, si rinuncia all'approfondimento dei personaggi secondari, cosa che era stata il punto di forza di altri film del regista come Saturno Contro (2007) o Mine Vaganti (2009); si finisce per non cogliere l'importanza di alcuni di essi, richiamata dalle loro battute e perfino da qualche inquadratura esteticamente ben studiata ma di fatto inutile o, perlomeno, incomprensibile. L'universo di Özpetek, quello che i suoi sostenitori cercano e acclamano, risulta dunque affascinante ma lontano, sfondo eccellente di una storia che pone premesse ma non le soddisfa, o semmai le sviluppa in modi talmente banali da deludere chi si aspettava, in prima battuta, un film indimenticabile.
La Dea Fortuna dunque non brilla ma si limita a intrattenere piacevolmente e a regalare agli spettatori qualche risata e alcuni stanchi momenti di riflessione, che tuttavia difficilmente varcheranno assieme a loro la soglia della sala cinematografica una volta terminato il film.
Foto 1 - 2 Copyright Warner Bros.
Call for papers: “Atena e Minerva. Tra Iconografia e Letteratura”
Come da tradizione, anche per l’estate 2020 il Museo delle Religioni promuoverà due incontri di studi internazionali che si terranno ai Castelli Romani tra i mesi di giugno e luglio.
Qui potete trovare la call for papers del convegno internazionale “Atena e Minerva. Tra Iconografia e Letteratura” (Velletri, 3-6 giugno 2020). Una sessione del convegno sarà dedicata alla Pallade Veliterna, statua rinvenuta a Velletri nel 1797 e conservata oggi a Parigi, al Museo del Louvre. Vi sarò grato se potrete diffondere la call tra gli studiosi che ritenete possano essere interessati.
Nel mese di luglio, invece, si terrà a Nemi il primo seminario internazionale dedicato all’editio maior del Ramo D’Oro di James Frazer. L’attenzione sarà posta sul primo volume dell’editio maior: The Magic Art and the Evolution of Kings. La call del seminario verrà ufficializzata a gennaio 2020.
a presto
Call for papers “Atena e Minerva. Tra Iconografia e Letteratura” (Velletri, 3-6 giugno 2020):
Museo delle Religioni “Raffaele Pettazzoni”
Atena e Minerva
tra Iconografia e Letteratura
3-6 giugno 2020
Velletri (Roma)
Call for Papers
Due sono le finalità del presente convegno:
1) L’analisi della documentazione antica, letteraria come iconografica, delle tradizioni mitiche e di tutti quei racconti aventi per protagoniste le dee Atena e Minerva. Sarà parimenti oggetto d’analisi come questi racconti vengano poi rielaborati nell’arte e nella letteratura delle epoche seguenti, dal medioevo all’età contemporanea.
2) Le motivazioni per le quali le due divinità sono state identificate nell’Antichità. Quali sono le caratteristiche che hanno indotto a questa identificazione? Come questa si presenta nella documentazione? Quali le differenze tra le due dee? Quali invece i tratti peculiari?
Nell’insieme, il convegno intende porsi come un’occasione di confronto interdisciplinare che favorisca il dialogo tra i diversi approcci di analisi alla documentazione e le relative discipline: antropologia, archeologia, filologia classica, storia, storia dell’arte, storia della letteratura, storia delle religioni.
Una specifica sezione del convegno sarà dedicata all’analisi storico-artistica e alla storia della Pallade Veliterna, statua rinvenuta a Velletri nel 1797 e conservata oggi a Parigi, al Museo del Louvre.
Comitato Scientifico: Igor Baglioni (Museo delle Religioni “Raffaele Pettazzoni”), Giuseppe Capriotti (Università degli Studi di Macerata), Massimiliano Di Fazio (Università degli Studi di Pavia), Rachele Dubbini (Università degli Studi di Ferrara), Andrea Ercolani (Istituto di Studi Sul Mediterraneo - Napoli), Andrzej Gillmeister (University of Zielona Góra), Valeria Merola (Università degli Studi dell’Aquila), Marco Nocca (Accademia di Belle Arti di Roma), Francesco Ursini (Sapienza Università di Roma).
Segreteria organizzativa: Igor Baglioni (Museo delle Religioni “Raffaele Pettazzoni”).
Gli studiosi interessati a presentare un contributo possono inviare un abstract di non più di una pagina (max 2.000 battute) al dott. Igor Baglioni ([email protected]) entro e non oltre il giorno 1 aprile 2020.
All’abstract dovranno essere allegati: il titolo del paper; l’area prescelta; una breve nota biografica degli autori; un recapito di posta elettronica; un recapito telefonico.
Le relazioni potranno essere presentate nelle seguenti lingue: francese, inglese, italiano, spagnolo.
L’accettazione dei papers sarà comunicata (via posta elettronica) alle persone interessate entro il 10 aprile 2020.
Entro il 20 maggio 2020 dovrà essere consegnato (sempre in via posta elettronica) il paper corredato da note e bibliografia. La consegna del paper è vincolante per la partecipazione al convegno.
Date da ricordare:
Chiusura call for papers: 1 aprile 2020.
Notifica accettazione paper: 10 aprile 2020.
Consegna paper: 20 maggio 2020.
Convegno: 3-6 giugno 2020.
La partecipazione al convegno è gratuita. I relatori residenti fuori la provincia di Roma saranno ospitati nelle strutture convenzionate al Museo delle Religioni “Raffaele Pettazzoni”, usufruendo di una riduzione sul normale prezzo di listino.
È prevista la pubblicazione degli Atti su Religio. Collana di Studi del Museo delle Religioni “Raffaele Pettazzoni” (Edizioni Quasar) e su riviste scientifiche specializzate. Le relazioni da pubblicare saranno oggetto di un peer review finale.
Sono previste visite serali gratuite ai musei e ai monumenti dei comuni nell’area dei Castelli Romani. Il programma delle visite sarà reso noto contestualmente al programma del convegno.
Hidetoshi Nagasawa – Sotto il cielo e sopra la terra
“Per capire una cultura ce ne vuole sempre un’altra”, dichiara Hidetoshi Nagasawa durante una delle sue ultime interviste. Dall’incontro tra il mondo orientale e quello occidentale apre al pubblico Martedì 10 Dicembre 2019 la mostra Hidetoshi Nagasawa. Sotto il cielo e sopra la terra, curata dalla Direttrice del Polo Museale della Campania, Anna Imponente, e realizzata con Paolo Mascilli Migliorini, direttore del Palazzo Reale, in collaborazione con Fondazione CAMUSAC – Cassino Museo d’Arte Contemporanea di Cassino – diretta da Bruno Corà, con il prezioso contributo di Ryoma Nagasawa.
Ambasciatore della cultura giapponese, Nagasawa si laurea in Architettura e Design a Tokyo nel 1963, mentre sviluppa un crescente interesse verso il gruppo artistico Gutai, che inizia a frequentare. Terminati gli studi, parte per un viaggio alla scoperta dell’Asia e poi dell’Europa e che lo riporterà in Giappone dopo un anno. Munito solo della sua bicicletta e mosso da un’inguaribile curiosità, Nagasawa arriva in Turchia, dove le note di una sinfonia di Mozart lo attirano verso l’Europa. Nel tentativo di raggiungere l’Austria, patria del famoso compositore, egli si innamora dell’Italia dove arriva e si stabilisce nel 1967.
È qui che ha inizio la sua carriera artistica: conosce e frequenta numerosi talenti, tra cui Fabro, Trotta, Nigro e Castellani, con cui fonderà la “Casa degli Artisti”. Egli s’accosta alla scultura e all’uso dei marmi e dei metalli, materiali tipici della cultura occidentale. La sua opera trasmette la sensazione dell’equilibrio, intesa non solo come stabilità gravitazionale dovuta alla leggerezza delle strutture da lui create, le quali sembrano poggiarsi sul vuoto, ma anche generata dal dialogo tra i materiali occidentali e quelli tipici della cultura nipponica, come carta, legno e pietra.
L’arte nasce dall’incontro tra la razionalità e il “ma”, ovvero il vuoto, la pausa, la distanza che i giapponesi interpongono tra lo spazio e il tempo, tra il vuoto e il pieno. Con lo stesso principio, l’architettura materica e massiccia del Fontana del Palazzo Reale di Napoli, accoglie le sculture quasi sospese di Nagasawa.
Il richiamo tra i marmi degli elementi del monumentale palazzo e quelli di “Matteo Ricci”, 2014, composta da otto cilindri in marmo di Carrara e acciaio adagiati a terra, così come il rame inserito nei suoi disegni, posto a ridosso delle enormi vetrate del primo piano, che richiama il rosso dei mattoni delle superfici esterne dell’edificio, sono chiari esempi di un riuscito bilanciamento tra due diversi paesaggi, tra visibile e invisibile, tra due culture distanti non più della pausa tra le parole Napoli – Tokyo.
Tutte le foto sono di Sveva Ventre
